Date de sortie du film : 1935 (film diffusé au festival du NIFFF 2010 - Neuchâtel International Fantastic Film Festival, premier film suisse vu dans le cadre de la rétrospective « L'ombre d'un doute »)

Avec : Mathias Wieman (docteur Dumartin), Peter Petersen (professeur Tscherko), Tom Kraa (docteur Wendt), Franz Schafheitlin (monsieur Negar), Olga Tschechowa (madame Negar), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Werner Hochbaum en 1935, Die ewige maske est un thriller suisse qui traite de la psychanalyse. Librement inspiré d'un roman de Léo Lapaire, L'autre qui est en nous (titre français du film) Die ewige maske date de 1935. Et pourtant, malgré le poids des ans (et donc de la copie que nous avons vu), le film reste passionnant de bout en bout. Il faut dire que la thématique du film est vraiment très intéressante, que le côté enquête demeure jusqu'au bout avec ce mélange rêve-réalité et que la mise en scène est très solide, avec de superbes plans, qui font notamment écho aux impressionnistes.
Le film débute d'ailleurs par un plan séquence dans un hôpital avec la présentation des personnages, plan séquence se clôturant avec la chambre 112. Dans cette chambre 112, il y a le mourant, monsieur Negar. Il faut dire que l'hôpital est rempli en raison d'une épidémie de méningite. Le docteur Dumartin administre son sérum au mourant Negar, sans l'aval du professeur Tscherko, le chef de l'hôpital. L'échec des soins explique le départ de Dumartin et surtout les délires qu'il va vivre.
Très bien mis en scène, Die ewige maske est également marquant par une très belle photographie qui utilise à plein les possibilités du noir et blanc, à manière des impressionnistes, notamment lorsque Dumartin fait des rêves (cauchemars) ou se comporte comme un schizophrène. Plusieurs scènes demeurent remarquables comme lorsque Dumartin saute dans l'eau après avoir parlé à son reflet ou lorsqu'il rêve d'un autre endroit avec notamment des ballerines que l'on voit en transparence.
Le cinéaste Werner Hochbaum rend particulièrement bien à l'écran ce personnage de Dumartin qui est en fait prisonnier d'un labyrinthe souterrain qui représente précisément son propre esprit et ses responsabilités dans le décès de Negar. Il y a beaucoup de passages avec des portes et des couloirs. C'est intéressant dans le cadre de la schizophrénie vécue par Dumartin. Derrière une porte, Dumartin trouve quelqu'un qui porte un masque (d'où le titre du film). Et évidemment derrière le masque il y a tout simplement Dumartin. Comme on peut s'en douter, la résolution de ce thriller ne peut se faire que dans la chambre 112, lieu du trauma.
Le film est également intéressant par ce qu'il évoque deux méthodes de pensée au niveau de la médecine qui se font concurrence. Le professeur Tscherko, qui représente un docteur de l'ancienne école, ne veut pas le changement. C'est la raison pour laquelle où il est de prime abord opposé à l'idée d'adopter le sérum du docteur Dumartin. Ce sont les jeunes loups, les docteurs Wendt et Dumartin, qui représentent non seulement la relève mais surtout l'avenir. Ces deux styles de soins sont donc différents et sont en perpétuelle confrontation, les jeunes n'appréciant pas les méthodes du professeur.
Bien que disposant de nombreuses qualités, Die ewige maske n'est pas parfait. On regrettera par exemple : l'utilisation des raccords avec l'utilisation de photogrammes ; l'annonce des docteurs au haut parleur avec un aspect robot un peu ridicule ; des acteurs souvent en sur-jeu et principalement celui jouant le professeur Tscherko qui est vraiment en roue libre. C'est d'ailleurs peut-être pour le cinéaste une façon de surligner les méthodes peu fines de ce professeur, qui accepte difficilement de se remettre en question ainsi que les nouvelles méthodes de soin.
Malgré tout, Die ewige maske est un film disposant d'un solide scénario, d'un intéressant questionnement autour des troubles mentaux, d'une belle mise en scène et d'un bon rythme.

Avec : Clara Augarde (Anna), Lio (Jeanne), Michel Galabru (Jean), Thierry Neuvic (Paul), Stefano Cassetti (père François), Youen Leboulanger Gourvil (Pierre).
Par Nicofeel

Réalisé par Katell Quillévéré dont c'est le deuxième film, Un poison violent traite d'un sujet particulièrement sensible vu qu'il touche à la religion. Assez différent d'un Avril par le ton adopté, Un poison violent est un film délibérément dramatique par son traitement qui pose des questions sur la religion catholique d'aujourd'hui.
En s'intéressant au sort d'Anna, une jeune fille de 14 ans qui débute le moment charnière dans la vie que constitue l'adolescence, la cinéaste française réussit à tisser une toile beaucoup plus longue que l'on n'imagine au départ. La réalisatrice ne se contente pas d'évoquer les doutes d'Anna quant au fait de savoir si elle croit toujours en Dieu et donc si elle est en mesure de faire sa confirmation (période qui fait suite à la communion, moment où le baptisé reçoit le don du Saint Esprit).
En décrivant la famille d'Anna et des gens que cette famille est amenée à fréquenter, Katell Quillévéré touche à d'autres questions fondamentales : l'éveil de la sexualité d'une jeune fille ; les familles divisées ; la tentation éventuelle d'un prêtre.
La réalisatrice Katell Quillévéré n'a pas choisi la jeune Clara Augarde (Anna) par hasard. Pour elle, cette jeune fille possède une vraie puissance sexuelle. Et cet élément est d'autant plus troublant que Clara Augarde, en plus d'être jeune, est belle et fait preuve d'un naturel tout à fait incroyable. On comprend dès lors aisément que la jeune fille ne laisse pas indifférent. Son petit copain la trouve très jolie et n'a de cesse de draguer cette fille de son âge : il la complimente, il l'embrasse, il joue de la guitare en faisant une petite chanson pour elle, etc. Anna y est très sensible. On voit à plusieurs reprises l'éveil de la sexualité de cette jeune fille qui découvre un corps qui devient celui d'une femme.
Ce corps ne laisse pas non plus indifférent Jean, son grand-père paternel, qui a un rapport certes affectueux avec mais qui est également empreint d'un certain désir. C'est lorsqu'Anna fait la toilette de Jean que ce dernier se met à bander. Plus tard dans le film, il décède peu de temps après avoir vu les poils du sexe de sa petite fille. Si certains peuvent penser qu'il y a quasiment de l'inceste dans tout ça, on peut aussi penser que c'est tout simplement le voeu d'un vieil homme de voir sa petite-fille en train de devenir une belle jeune femme. Quoique c'est le même homme qui a demandé à sa petite fille de lire un poème particulièrement osé lors de son décès.

Alors que Jean est au seuil de la mort, Anna entre en revanche dans une période importante de sa vie. Et tout cela la réalisatrice du film le retranscrit parfaitement. Tant les désirs de cette jeune fille que ses doutes sont parfaitement retranscrits.
Mais la cinéaste ne se contente pas de livrer les doutes d'une jeune fille face aux propos religieux qui peuvent paraître choquants. En effet, dans le film on voit un évêque qui se montre assez dur dans ses paroles pour des adolescents en évoquant la lettre de Saint-Paul apôtre aux Galates (chapitre 5) qui divise l'Esprit (objet de la confirmation) de la chair : « On sait bien à quelles actions mène la chair : débauche, impureté, obscénité, idolâtrie, sorcellerie, haines, querelles, jalousie, colère, envie, divisions, sectarisme [...] Mais voici ce que produit l'Esprit : amour, joie, paix, patience, bonté, bienveillance, foi, humilité et maîtrise de soi. » Le film montre qu'un amour peut être sain sans pour autant être condamnable. Il n'y a qu'à voir l'éveil à la sexualité de la jeune Anna. Ce sont avec des propos aussi radicaux que propose la lettre de Saint-Paul qu'Anna se met à douter en sa croyance en Dieu et qu'elle refuse de finaliser son confirmation (dans le film on voit qu'au bout d'un moment elle n'arrive plus à dire « nous croyons »).
Très intelligemment, le film ne se focalise pas que sur le personnage pour parler de la religion catholique de nos jours. Le personnage du père François est également très intéressant. C'est d'abord une personne qui vient d'Italie (façon peut-être de montrer que le faible nombre de vocations amène à avoir de plus en plus de prêtres étrangers) et qui est proche des gens comme l'attestent les moments où il accepte de jouer au football avec des adolescents ou les moments où il confesse des personnes du village. Mais cette proximité n'est pas du tout évidente à gérer. Lors d'une séquence du film, on se demande si la réalisatrice n'essaye pas de traiter le cas des prêtres pédophiles. Heureusement, cela n'est pas le cas mais l'abri dans la grotte où vont le prêtre et Anna peut faire penser aux faits divers qui rejaillissent dans la presse et discréditent ô combien la religion.
Par ailleurs,en étant proche des gens, le père François en arrive parfois à douter de lui. Le célibat des prêtres n'est certes pas évoqué directement mais c'est une vraie question qui est posée indirectement par l'envie que ressent ce prêtre par le personnage de Jeanne (Lio), qui joue la mère d'Anna.
A fortiori, la famille d'Anna est encore une fois révélatrice de notre société actuelle. Anna doute de sa foi et est troublée par les changements de son corps mais ce ne sont pas les seuls éléments qui la perturbent. Anna est fatiguée par le fait que ses parents soient séparés. Les nombreuses crises de sa mère sont loin de l'apaiser. Au contraire. Voir des familles séparées qui ont bien du mal à vivre ensemble est devenue quelque chose de malheureusement trop commun.

Particulièrement bien joué, tant par des adultes confirmés comme Michel Galabru ou Lio que par les jeunes acteurs, avec une mention spéciale à la très jolie et sensible Clara Augarde, Un poison violent fonctionne à merveille sur un mode d'oppositions. Il y a d'un côté les adultes, de l'autre les adolescents. Il y a surtout un poison qui représente tout aussi bien l'éveil de la sexualité d'une jeune fille (coupable d'acte de chair, qui va en opposition directe de l'esprit) que les doutes d'un jeune prêtre qui a lui aussi des envies qui ne sont pas tournées uniquement vers Dieu.
Très riche et même assez violent par les sujets qu'il aborde, Un poison violent est un film qui ne manque d'intérêt sur la religion et des questions qui gravitent autour. A voir.
La très belle reprise du Creep de Radiohead lors du générique de fin clôt de façon remarquable ce film.

Réalisateur : Fredi M. Murer

Durée du film : 99 minutes

Date de sortie du film : 1979 (film diffusé au NIFFF 2010 - Neuchâtel International Fantastic Film Festival)
Par Nicofeel

Réalisé par le suisse Fredi M. Murer, connu pour être un réalisateur de montagnes (l'excellent L'âme soeur), Grauzone est un film culte de 1979 dans l'ambiance des seventies. Le réalisateur nous offre une véritable radiographie de la société contemporaine, dont le propos est encore très actuel. Le film a donc ceci d'intéressant d'être particulièrement dans le ton de ce que l'on connaît aujourd'hui.
En démarrant Grauzone par un plan en plongée sur une ville et en le terminant par un plan séquence en plongée sur son principal protagoniste, Fredi M. Murer entend évoquer la ville qui broie l'individu par son gigantisme. L'homme est peu de choses dans cette société devenue individualiste. Et évidemment depuis cette époque cela ne s'est pas vraiment amélioré.
On suit dans le film plus particulièrement un couple, Alfred et son épouse, qui travaillent tous deux et résident dans la banlieue de Zurich, dans un HLM. On voit bien la ville et ses immenses immeubles où les gens vivent. Et puis ces immenses HLM où tout le monde épie tout le monde : manque de liberté et solitude pour certains. Le superbe noir et blanc du film accroît le côté grisâtre, le spleen que l'on perçoit immanquablement dans cette société où l'homme est devenu peu de choses.
Le mari et la femme que l'on voit à plusieurs reprises dans le film ont beau être dans le même appartement, on ne peut pas dire qu'ils vivent ensemble. D'ailleurs, ils ne font même pas l'amour. Ils sont séparés dans le lit ; chacun ayant son côté du lit. Et puis le mari mange seul en regardant la télévision.
Dans une thématique qui rappelle l'oeuvre d'Antonioni, le film traite de l'incommunicabilité avec cette femme qui préférerait même s'engueuler avec son mari mais au moins qu'ils se disent quelque chose. Elle peut tout changer dans la maison, il ne dit rien. Elle a l'impression de vivre seule, dit-elle à son amie. La femme ne sait même pas quel est le travail de son époux.
Heureusement, dans ce monde gagné par la dépression - le gouvernement fait passer les nouveaux cas de maladie pour une épidémie alors qu'il s'agit tout simplement du syndrome de la dépression – il subsiste quand même un semblant d'espoir. Ainsi, en voyant ses photos de jeunesse, le couple retrouve un semblant d'unité et cela amène le mari à révéler la manipulation des masses dont il participe par son travail secret.
Car une des autres thématiques passionnantes du film est sans conteste le fait que le gouvernement dirige nos vies et les médias, véhiculant des informations pas forcément très objectives. Le fameux Big Brother de 1984 n'est vraiment pas loin. On peut même dire que le film est complémentaire.
Faisant réellement froid dans le dos quand on voit l'évolution actuelle de notre société (est-on si loin de cette fiction ?), Grauzone est un film très riche aussi bien par les thématiques qu'il aborde que par sa mise en scène très soignée.
Les acteurs sont tous très bons dans leur capacité à donner l'impression d'être monsieur et madame tout le monde. On peut facilement les prendre en exemple et penser à nos propres vies.
On regrettera simplement de n'avoir pu visionner ce film qu'en version originale sous-titrée anglais car il y a de nombreux dialogues et l'anglais sous-titré n'est pas toujours simple à comprendre.

Date de sortie du film : 18 août 2010

Avec : Ludivine Sagnier (Isabelle), Kristin Scott Thomas (Christine), Patrick Mille (Philippe), Guillaume Marquet (Daniel), Olivier Rabourdin (le juge), etc.
Par Nicofeel

Auteur du chef d’œuvre Série noire (1979) et de plusieurs autres bons films (Le choix des armes, Le cousin), Alain Corneau est depuis un petit moment rentré dans le rang avec des films pas vraiment marquants.
Crime d'amour, son nouveau film, est-il dans ces conditions un bon cru ? Assurément oui. Dans un genre qu'il affectionne, à savoir le film noir, Alain Corneau nous revient en très grande forme. Les raisons de satisfaction sont multiples.
D'abord, le film vaut le coup pour son scénario. En effet, Alain Corneau nous propose un film où le suspense est constant et où l'on comprend progressivement la machination qui se trame. Car le film bénéficie d'une vraie originalité jamais vue jusqu'à présent, d'où la deuxième qualité de Crime d'amour.
Dans ce film noir qui prend des allures de film à enquête, Alain Corneau a l'excellente idée (que je n'avais pas encore vu dans d'autres films, mais ça existe peut-être) de prendre les codes de ce genre de film mais d'inverser le point de vue auquel on a droit habituellement. Concrètement, ici on a une jeune femme, Isabelle, incarnée par Ludivine Sagnier qui va commettre un homicide. Elle va tout faire pour que les preuves la rendent de manière évidente coupable de ce meurtre mais dans le même temps elle aura préparé dans sa tête d'autres preuves qui vont prouver son innocence par la suite. Le but du jeu étant dans les faits d'enlever tous les soupçons et de déplacer l'enquête sur quelqu'un d'autre. Les preuves sont amenées les unes après les autres. Et là où Alain Corneau est fort, c'est que les détails qui nous sont présentés ne sont pas spécifiquement tirés par les cheveux. Les preuves qui accablent Isabelle sont crédibles tout autant que celles qui la disculpent. Les flashbacks auxquels on a droit dans la dernière partie du film et qui montrent les agissements d'Isabelle sont plutôt bien faits. D'ailleurs, le succès de l'ensemble du film doit bien évidemment aux interprétations de ses acteurs.
Pas toujours géniale, Ludivine Sagnier est parfaite dans le rôle de cette femme de talent dans la société où elle travaille, qui est progressivement victime de brimades de sa supérieure hiérarchique, et qui décide de se venger froidement, méthodiquement. De son côté, Kristin Scott Thomas est excellente dans le rôle de la chef d'entreprise ambitieuse, qui aime dominer ses troupes. Ce qui nous amène à une des dernières grandes qualités du film : sa dénonciation des dérives du monde de l'entreprise.
Il faut bien reconnaître qu'Alain Corneau n'y va pas de main morte quand il s'agit de critiquer le monde du travail. Si son personnage principale, incarné par Ludivine Sagnier paraît au départ quelque peu gentille et même un brin naïve, cette situation ne va pas durer indéfiniment.

De fait, tous les autres personnages du film sont de véritable requins prêts à tout pour réussir. De manière évidente, le personnage de Christine joué par Kristin Scott Thomas est le plus détestable. En effet, Christine est ambitieuse et n'accepte pas que quelqu'un se dresse sur son chemin. Dès lors, elle n'hésite pas à faire subir des brimades et des pressions mentales aux personnes qui l'entourent. En somme, elle harcèle certaines personnes. Mais ce personnage n'est pas le seul à être peu appréciable. Patrick Mille (le célèbre Chico pour les pubs de SFR) ne s'embarrasse guère de considérations morales : il n'hésite pas à truquer des comptes et dans sa vie privée il n'y a pas de place pour les sentiments. Et puis Guillaume Marquet, qui joue le rôle du fidèle second d'Isabelle, cherche lui aussi à gravir les échelons de la société. Dès lors, on comprend aisément qu'il n'y a pas de place à l'amour dans tout ça, ce que notre héroïne va apprendre à marche forcée. Le cinéaste Alain Corneau prend finalement le pouls de notre société actuelle écrasée par les thèses capitalistes où le succès individuel est recherché, quitte à écraser des collègues de bureau.
En synthèse, Crime d'amour est un film on ne peut plus recommandable. La résolution de son histoire, qui est tout de même un brin cynique et désabusée, vaut le coup. Avant cela, on aura pu suivre une histoire très intéressante, tant par les thématiques développées que par son jeu des acteurs. En ce mois d'août un peu creux niveau cinéma, Crime d'amour est à voir.

Par Nicofeel

Réalisé par le québécois Eric Tessier (qui joue d'ailleurs un petit rôle dans le film), 5150 rue des Ormes est un film d'horreur au ton pour le moins original.
Un jeune homme de 22 ans, Yann Bérubé, déraille avec son vélo et demande de l'aide à la première personne qu'il croise. Il s'agira de monsieur Beaulieu. Bien mauvaise idée que d'aller chez les Beaulieu car cette famille est loin d'être nette. Le père de famille, Jacques, armé d'un fusil, va enfermer Yann dans une pièce vide. Il y a dans la famille le père, un psychopathe, qui pense agir avec justice. Il y a la mère qui se dévoue à son époux. Il y a la fille aînée, Michèle, qui est particulièrement tourmentée et admire son père. Il y a la fille cadette, la jeune Anne, qui n'aime pas les agissements de son père. Si elle ne parle pas, elle cherche à tuer son père, en lui faisant notamment avaler du poison pour rat. La mère obéit à son mari et lui fait confiance « comme le seigneur lui a enseigné » : il y a là un côté comique dans cette soumission.

D'ailleurs, le film dispose d'un ton vraiment original avec ce père qui se la joue redresseur de torts. Le mode de pensée du père est qu'il faut faire justice soi-même et mettre fin aux agissements des pédophiles et autres détraqués en tous genres. Sa pensée est symbolisée par sa passion pour les échecs où il prend toujours les blancs car ce sont les justes. Ce huis-clos demeure dès lors très original car si Yann est enfermé, il a la possibilité de jouer aux échecs avec Jacques Beaulieu. S'il gagne, il sera libre. Un élément intéressant est le fait que l'on voit que progressivement Yann prend de l'importance chez les Beaulieu. D'ailleurs, il attise le désir chez la mère et une sympathie certaine chez la fille cadette (qui va se faire shooter par son père dans une scène brutale étonnante !). On peut faire quelques parallèles entre le personnage de Yann et celui de l'inconnu dans l'excellent Théorème de Pasolini.
Pour autant, au fur et à mesure que Yann prend l'ascendant sur le père, Jacques Beaulieu, il perd lui aussi la boule. Pour preuve, cette scène incroyable où il demande à Jacques de continuer à jouer alors que la mère, Maude, s'est pendue (se sentant abandonnée de tous) et que la fille cadette vient d'être tué. C'est presque de l'humour noir lorsque l'on voit que Yann cherche coûte que coûte à finir cette partie, quitte à rester chez les Beaulieu alors qu'il pourrait fuir. On se demande d'ailleurs si Yann n'est pas devenu au fond comme son tortionnaire, relativement dérangé. La fin est de ce point de vue assez ouverte.
Ce film que pourrait ranger parmi les films d'horreur est très original par son ton adopté et par son histoire. Il ne souffre jamais de baisse de rythme et le scénario est suffisamment intéressant pour intéresser de bout en bout.
On regrettera simplement les moments où Jacques et Yann sont seuls dans un endroit inconnu, créé de toutes pièces en images de synthèse. C'est parfaitement inutile et cela désamorce légèrement l'intérêt des scènes auxquelles on assiste.
L'accent bien prononcé des québécois ajoute un aspect au côté humour noir du film. Pour autant, les acteurs sont tous bons dans leurs rôles respectifs, et notamment celui qui joue ce fou de Jacques Beaulieu. Voilà donc un film qui sort des sentiers battus qui est à voir.

Avec : Colin Farrell (Syracuse), Alicja Bachleda-Curus (Ondine), Alison Barry (Annie), Stephen Rea (le prêtre), Tony Curran (Alex), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Neil Jordan, l'auteur mythique de La compagnie des loups ou de The crying game, Ondine est un film à la lisière du fantastique avec ce pêcheur, Syracuse (Colin Farrell), qui prend dans ses filets une belle jeune femme. Est-on dans une histoire normale ou vit-on une histoire légendaire avec des êtres capables de parler le Sek, langage des phoques.
Une des grandes forces de ce film est que Neil Jordan réussit tout naturellement à nous faire croire à des choses qui paraissent pourtant incroyables.
Plusieurs éléments nous amènent à penser que l'extraordinaire a peut-être investi notre quotidien le plus banal. Ainsi, la jeune femme qui se fait appeler Ondine chante à de nombreuses reprises lorsqu'elle est en mer et à chaque fois, comme par hasard, cela attire immédiatement les poissons. Sans effort particulier, Syracuse récupère des écrevisses et du saumon. Une raison de penser qu'il s'agit d'une Selk ? Peut-être. Les éléments laissant à penser qu'Ondine est une selkie sont par ailleurs monnaie courante : elle adore l'univers de l'eau et pour l'occasion elle se baigne avec la robe que lui offre Syracuse. Par ailleurs, elle accepte le voeu de Syracuse de voir Annie, sa petite fille qui souffre d'insuffisance rénale, d'être guérie. Un événement va ainsi permettre à Annie de bénéficier d'une moelle osseuse compatible. Et puis il y a toute l'histoire autour de cette femme Selkie avec le fait d'enterrer la peau de phoque pour rester avec l'être humain pendant 7 ans. Sans compter qu'Ondine reste particulièrement mystérieuse, ne souhaitant rencontrer personne. Sans effets spéciaux, Neil Jordan réussit à nous faire croire à son histoire.
Dès lors on peut voir dans ce film un conte de fées réaliste. Et cette idée est d'autant plus enthousiasmante que Neil Jordan décrit une chronique sociale dans une ville pauvre avec un père de famille, ancien alcoolique qui est séparé de sa femme et vit avec sa petite fiille handicapée. L'arrivée d'Ondine ne correspond-elle pas à un formidable coup de pouce du destin ?
En plus d'un scénario pour le moins original, le film de Neil Jordan peut se targuer d'une belle mise en scène avec des plans en contre-plongée quand Ondine chante en mer. Et puis il y a la très belle photo grisâtre de Christopher Doyle (le directeur photo du film) qui accroît le côté réaliste du récit. Le cinéaste met en valeur de superbes paysages irlandais.
Le sérieux du film n'empêche pas certaines digressions comiques comme le coup où Syracuse et Ondine croisent des garde-côtes.
Ondine s'achève par une fin bien ancrée dans la réalité avec une résolution de l'histoire où toute l'intrigue est alors expliquée. On apprend alors qui est réellement Ondine. Et puis il y a une certaine ironie dans tout ça puisque le méchant de l'histoire ne sait pas nager, alors que l'on pensait jusque-là qu'il pouvait s'agir d'un Selkie.
N'omettons pas de signaler qu'Ondine est aussi un beau film romantique avec cette romance entre Syracuse et Ondine, sublimée par une musique toute douce, où l'on entend notamment le groupe local Sigur Ros.
Voilà donc un film à voir tant pour son scénario, sa mise en scène, sa photographie et le jeu de ses acteurs qui s'avère tout à fait intéressant.

Avec : Eric Bossick (Anthony), Akiko Monô (Yuriko), Shinya Tsukamoto, etc.
Par Nicofeel

Après son diptyque Tetsuo et Tetsuo 2, Shinya Tsukamoto clôt l'histoire de son célèbre homme transformé. Si le film est bien japonais, il a été tourné en anglais en raison de la provenance de certains capitaux pour le film. Tetsuo 3 bénéficie d'une photo en couleur sépia qui accroît le côté grisâtre de la ville où se situe l'action.
On retrouve Anthony, un pur « salary man » (au milieu d'autres salary man) qui va se transformer progressivement en homme-machine et ce en raison de la colère qui est en lui suite au décès de son fils Tom, écrasé par un homme en voiture. Tetsuo 3 s'appelle Anthony, un prénom bien occidental puisque le rôle est interprété par un acteur occidental.
Dès le générique, l'ambiance du film est posée avec une caméra qui tremble dans tous les sens et une musique puissante, métallique et stridente particulièrement agressive aux oreilles du spectateur. On notera que le thème musical principal de Tetsuo 3 est signé Nine Inch Nails.
La femme d'Anthony, Yuriko, souhaite coûte que coûte que vengeance soit faite. Du coup, Anthony va libérer sa colère et extérioriser ses pulsions. Il va devenir cet homme machine jusqu'à devenir plus un cyborg qu'un homme. Par rapport aux autres Tetsuo, on a droit à beaucoup plus d'explications. Déjà il y a les rapports entre Anthony et son épouse qui donnent lieu à plusieurs discussions. Il y a aussi le projet Tetsuo qui est étayé avec un Anthony qui se demande qui il est. Et puis il y a les dialogues de Tsukamoto lui-même qui joue le rôle du méchant qui a tué Tom et qui incite Tetsuo à se venger.
Pour autant, le personnage joué par Tsukamoto existe-t-il vraiment ? Anthony ne serait-il pas le seul responsable dans cette affaire et ne serait-ce pas une façon pour lui d'éviter la réalité ? On peut légitimement se poser ces questions.
Dans tous les cas, à l'instar des deux autres opus, Tetsuo 3 reste une véritable expérience sensitive. A de nombreux moments, on ne distingue pas grand chose. C'est complètement anarchiste et cela donne l'occasion à Tsukamoto de parler de sujets ô combien sérieux : d'abord il s'en prend à la police qui ne se révèle pas d'une grande finesse ; ensuite il évoque la délicate question du suicide avec un Anthony devenu Tetsuo qui ne peut même pas mettre fin à ses jours. En effet, il est devenu une créature métallique particulièrement résistante.
Même si les thématiques abordées dans le peu de temps que dure le film sont intéressantes, on regrettera tout de même que plusieurs éléments qui ont fait la force des deux autres opus, et principalement du premier Tetsuo, aient disparu : le mélange entre sexe et mort n'est plus vraiment d'actualité ; il y a également moins d'action pure qu'auparavant.
En outre, la fin du film peut laisser quelque peu dubitatif. Comment Tetsuo peut du jour au lendemain redevenir un être humain ? Cela paraît étonnant. Et puis il y a le fait qu'Anthony réussit à fonder une nouvelle famille avec sa femme, en lui faisant un enfant. Tetsuo a certes ravalé sa haine mais cette fin paraît bien apaisée et étrange pour un être qui n'avait plus rien d'humain.
Au regard des éléments évoqués ci-dessus, Tetsuo 3 demeure selon moi une petite déception.

Durée du film : 85 minutes

Date de sortie du film : 4 août 2010

Avec : Jordan Ladd (Madeline Matheson), Gabrielle Rose (Vivian Matheson), Samantha Ferris (Patricia Lang), Stephen Park (Michael Matheson), etc.

Après avoir reçu le prix du jury au festival de Gérardmer 2009, Grace sort enfin sur nos écrans. Il s'agit du premier film de Paul Solet, un film d'horreur qui tourne autour de la maternité.
Le film part d'un synopsis au départ quelconque, avec une jeune femme enceinte de 8 mois, Madeline Matheson (Jordan Ladd) qui a un accident de voiture qui coûte la vie à l'enfant qu'elle porte et à son époux. Pour autant, elle choisit de mener sa grossesse à son terme.
On sent déjà que quelque chose de pas très catholique est en train de se tramer. Et pour cause, le jour de son accouchement, Madeline donne naissance à une fille, Grace (d'où le titre du film) dans une marre de sang. Considérée de prime abord comme mort, cet enfant se met au bout de quelques minutes à hurler comme n'importe quel bébé dans pareille situation. La question est alors de savoir si Madeline n'est pas en train de délirer dans la mesure où elle souhaitait énergiquement avoir cet enfant (après avoir vécu deux fausses couches) ou si, plus étonnamment, l'enfant serait encore en vie.
Comme on est dans un pur film d'horreur, c'est la seconde solution qui s'ouvre au spectateur. Par rapport à sa thématique, le film se rapproche alors quelque peu des films d'horreur bien organiques de David Cronenberg, et principalement de Chromosome 3.

Si le film joue à fond sur l'étrangeté de la vie de ce nourrisson qui fait amener autour de lui de nombreuses mouches (serait-il une sorte de mort-vivant ?), qui suce les mamelons de sa mère jusqu'à la faire saigner, qui boit du sang humain, et distille de f ait une véritable ambiance oppressante (on a droit à un quasi huis-clos avec cette femme qui garde en permanence sa fille dans sa maison), il n'empêche que le film s'étire plus que de raison.
Arrivé aux alentours du milieu du film, on a l'impression qu'il ne se passe plus grand chose de neuf. Il faut dire qu'à l'origine Grace a été pensé comme un court métrage.
Même si le sujet n'est pas la thématique centrale du film, Grace est également intéressant par sa description des rapports entre générations. Dès le début, on voit bien que le courant ne passe pas entre Madeline et sa belle-mère. La situation va même se durcir avec le décès de Michael, l'époux de Madeline.
Les rapports difficiles entre belle-mère et belle-fille ont par ailleurs le mérite de relancer la machine horrifique et ce avec des meurtres bien sanglants. Cela prouve une nouvelle fois que Madeline souhaite coûte que coûte conserver son enfant.
Le film ne serait certainement pas appréciable si l'on n'avait pas l'excellente interprétation de Jordan Ladd qui joue à merveille le rôle de Madeline, cette femme qui perd la boule suite à son accident de voiture et est bien décidée à permettre à sa fille Grace d'évoluer dans notre monde. En revanche, l'interprétation de Michael par Stephen Park est loin d'être au top. L'acteur paraît quelque peu fade dans ce rôle.
Terminons en signalant que la photographie du film est plutôt réussie, la couleur rouge ressortant bien du film et lui donnant un vrai cachet.
Au final, malgré son problème à rester constant dans la durée, Grace demeure un film d'horreur très correct, tant par son ambiance que par l'interprétation de son actrice principale, particulièrement crédible. Eu égard à sa thématique, le film est à déconseiller aux femmes enceintes !