Le Blog des DVDpasChériens

parNicore

Film de séquestration original et posant de vraies questions sur la nature humaine tout en s’interrogeant sur le retour à la sauvagerie impliquant le cannibalisme, ce Affamés n’aura bien évidemment pas connu les honneurs d’une sortie en salles et c’est donc directement en DVD et en Blu-ray que le métrage va sortir le 4 janvier prochain sous l’impulsion de l’éditeur Emylia qui va nous proposer le film en combo DVD/ Blu-ray.

Le script va piéger cinq étrangers se retrouvent pris au piège dans un cachot souterrain sans savoir comment sont t’ils arrivés là. Impossible de s’enfuir, le groupe va rapidement découvrir une autre salle contenant assez d’eau pour survivre 30 jours et surtout une scie d’amputation. Le groupe va découvrir peu à peu qu’ils sont des cobayes d’une expérience sadique organisée par un homme afin de tester les profondeurs de l’être humain dans sa volonté de survivre. Plus les jours passent, plus la faim se fait ressentir et sachant qu’ils ne peuvent pas s’enfuir, comment vont ils gérer le peu d’humanité qu’il leur reste ?

Malgré les apparences, le métrage ne va certainement pas suivre la voie tracée par la saga des Saw et consorts pour au contraire s’affranchir de toute contrainte du filon des "torture porn" avec une intrigue linéaire qui va suivre la lente dérive de ces cinq protagonistes enfermés dans un but précis par un tortionnaire qui n'interférera pas dans leur captivité une fois les bases posées, pour uniquement les observer dans un but aussi précis qu'atroce mais quelque peu "justifié", ce qui donnera une ampleur glauque à l'ensemble, surtout que les protagonistes resteront naturels et très souvent éloignés des stéréotypes d'usage pour se poser de vraies questions et ainsi inciter le spectateur à en faire de même dans une telle situation, pour un résultat surprenant, terriblement captivant et foncièrement perturbant, surtout également que le réalisateur va éviter les pièges du genre en ne s'amusant pas avec des twists bidons ou autres facéties inutiles.

Le combo DVD/ Blu-ray édité par Emylia proposera donc le film en DVD avec une image en 1.85 (16/9 anamorphique) pour une bande-son en français DD2.0 et en anglais sous-titré en DD5.1 et en DTS, avec comme bonus un making-of cette fois-ci sous-titré par l'éditeur, quelques scènes coupées, le commentaire audio du réalisateur ainsi que le sympathique court-métrage "Game of the dead". Le Blu-ray du film disposera d'une image en 1.85 (AVC 1080p/24) et d'une bande-son en français en DTS-HD 2.0 et en anglais sous-titré en DTS-HD5.1, pour reprendre les même bonus que l'édition DVD.

Donc, il ne reste plus qu'à patienter jusqu'au 4 janvier prochain pour pouvoir découvrir les affres de cette séquestration originale et prenante qui osera s'attaquer à de vraies questions délicates et douloureuses !

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Titre du film : Le soldat dieu

Réalisateur : Koji Wakamatsu

Durée du film : 1h25

Date de sortie au cinéma : 8 décembre 2010

Avec : Shinobu Terajima (Shigeko Kurokawa), Shima Ohnishi (le lieutenant Kyuzo Kurokawa), Ken Yoshizawa (Kenzo Kurokawa), etc.

Par Nicofeel

Avec Le soldat dieu, le réalisateur japonais Koji Wakamatsu évoque le retour parmi les siens en 1940 du lieutenant japonais Kyuzo Kurokawa, revenu de la guerre sino-japonaise avec des médailles mais ayant perdu tant ses bras que ses jambes. Le film va t-il être à l'image du sublime Johnny got his gun (1971) de Donald Trumbo un film sur la condition d'un homme qui a perdu son corps à la guerre et qui n'a plus que son cerveau pour se rappeler sa vie d'antan ?
Pas vraiment. Les films sont tous les deux clairement anti-guerre et évoquent tous deux la situation d'un homme fortement handicapé, mais le parallèle s'arrête là.
Car si Johnny got his gun se caractérise par un humanisme certain, cela n'est pas le cas du film de Wakamatsu.
Il faut d'abord bien prendre en compte l'idée que cette expression de soldat-dieu n'a rien d'honorable aux yeux du cinéaste. Elle renvoie en fait à un nationalisme exacerbé où l'Empire du Japon est présenté comme la nation de Dieu. De la sorte, en étant glorifié par ses compatriotes, le lieutenant Kurokawa devient un soldat dieu.
Mais ce soldat dieu ne comporte rien d'admirable. Il est de primer abord le symbole du machisme ambiant de l'époque. Cet homme-tronc ne peut plus que manger et dormir. Pour autant, il continue d'exprimer – à coups de grognements, puisqu'il n'arrive plus à parler – ses envies à son épouse. Sa femme, Shigeko, bien que constatant que son mari soit devenu une « chose », continue d'être sous son emprise. Et tout participe à ce qu'elle soit sous sa coupe : le lieutenant Kyuzo Kurokawa est le soldat-dieu par son uniforme, ses médailles et la coupure du journal où son courage a été mis en valeur.

Seulement, le réalisateur a la bonne idée de montrer qu'en temps de guerre, les rapports de force ne sont plus les mêmes, a fortiori quand on est fortement handicapé. Shigeko en vient progressivement à se venger. Elle se plaît d'une part à faire sortir dehors ce soldat dieu (qui se sent humilié d'être devenu un morceau de chair, ne pouvant quasiment rien faire de lui-même) et d'autre part à refuser parfois de faire l'amour avec son mari. La relation que Shigeko a avec son époux est d'ailleurs plus une relation de chair, qui ne lui apporte aucune satisfaction.
En se révoltant, thématique chère à Wakamatsu, Shigeko s'émancipe quelque peu. Elle refuse ainsi d'être simplement au service du Japon. Elle veut vivre pour elle.
Le Japon perd donc dans cette affaire une femme acquise à sa cause. Pour en arriver là, Shigeko a dû faire un gros travail sur elle car les éléments de propagande à cette époque étaient alors omniprésents. Dans le film, on voit par exemple qu'il y a une propagande de tous les instants qui est véhiculée par le média présent partout à l'époque, aussi bien dans les villes que dans les campagnes, à savoir la radio. Dans la mesure où la radio n'est pas comme la télévision un mélange d'images et de son mais elle relate uniquement du son, elle permet de raconter dans le cas présent des choses erronées. Du coup, tout le monde ou presque se met à la cause de l'Empire.
Il y a aussi une propagande par le fait que chaque foyer a chez lui une photographie de l'Empereur du Japon et de son épouse. Les japonais sont donc amenés à se raccrocher à un nationalisme que l'on pourrait considérer de pacotille. Car dans tout ça, que fait l'Empereur pour les siens ? Le cas de la famille Kurokawa est symptomatique. La jeune femme travaille durement dans les rizières et doit s'occuper de son mari. Malgré tout, elle ne peut pas manger à sa faim, la pension de guerre de son époux étant manifestement assez faible.
Cet homme, le lieutenant Kurokawa, est in fine le symbole d'un Japon en pleine déconfiture. Son suicide coïncide d'ailleurs avec la fin de la guerre marquée par la capitulation de l'empire du Japon le 15 août 1945.
Du début à la fin du film, la guerre est vilipendée par son inutilité. Pourquoi avoir combattu ? Le simplet du village n'est-il pas celui qui a raison – c'est dire le manque de bon sens d'un Japon belliqueux – lorsqu'il parodie les personnages qui s'entraînent à combattre ou lorsqu'ils font des représentations bien pompeuses, pour rendre gloire aux Japonais partant à la guerre. On remarquera au passage que la seule préoccupation de Shigeko est de savoir que la guerre est finie. Peu importe l'identité du vainqueur.
Car dans cette guerre sino-japonaise, qui s'est étendue étendue au niveau mondial pour le Japon, il n'y a pas de quoi pavoiser. Les pertes humaines ont été très nombreuses. On notera à cet effet que ce n'est pas un hasard si Wakamatsu ne fustige jamais la position des Etats-Unis (entrés en guerre en 1941 suite à l'attaque de Pearl Harbor par le Japon) qui ont tout de même envoyé par deux fois la bombe atomique sur le Japon : une première fois à Hiroshimi, causant 140 000 morts, et une deuxième fois à Nagasaki, causant 70 000 morts. Wakamatsu remet en cause en fait l'obstination du gouvernement japonais qui coûte cher en vies humaines.
Comme de nombreux autres cinéastes japonais, Wakamatsu rappelle le traumatisme de la deuxième guerre mondiale et principalement de la bombe atomique qui a marqué les générations suivantes. Ce n'est pas anodin si la dernière image du film est celle de la bombe atomique.
Le film prend d'autant plus de poids et de signification qu'il contient plusieurs images d'archives, obtenues notamment auprès des archives nationales des Etats-Unis.
Après un tel film, on ressort vidé mais satisfait d'avoir assisté à une œuvre majeure. Car si le film est parfaitement mis en scène et donne lieu à une histoire forte, les acteurs sont également pour beaucoup dans la réussite du film.
Shima Ohnishi est excellent dans le rôle difficile du lieutenant Kurokawa. L'acteur exprime parfaitement les besoins primaires de cet homme et ses doutes quand il repense à ce qu'il a fait pendant la guerre. Il faut voir que Wakamatsu n'a aucune compassion envers ce personnage du soldat dieu. En effet, au vu de ses cauchemars, on comprend que cet homme-tronc a profité de la guerre pour commettre des actes irréparables, notamment un viol. Ce viol, qui revient plusieurs fois pendant le film, donne lieu au début à un raccord audacieux. On a ainsi les images d'archives d'une ville qui brûle qui sont suivies d' une ville mise à feu à sang, avec une femme violée.
Quant au personnage de Shigeko, il est joué admirablement par Shinobu Terjima qui passe par une multitude d'états tout au long du film. L'actrice a amplement mérité son ours d'argent, récompensant la meilleure actrice, lors du festival de Berlin.
En conclusion, Wakamatsu réalise avec Le soldat-dieu un film extrêmement abouti qui se révèle un formidable plaidoyer contre la guerre. Dans un style très sec et sans concession, le cinéaste en profite également pour s'insurger contre une société japonaise des années 40 alors rétrograde, tant par son nationalisme exacerbé que dans les relations entre hommes et femmes.

Titre du film : Skyline

Réalisateurs : Colin et Greg Strause

Durée du film : 1h33

Date de sortie au cinéma : 15 décembre 2010

Avec :Eric Balfour (Jarrod), Scottie Thompson (Elaine), David Zayas (Oliver), Donald Faison (Terry), Brittany Daniel (Candice), etc.

Par Nicofeel

Auteurs du calamiteux Aliens vs Predator requiem, les frères Greg et Colin Strause nous reviennent, toujours dans le genre de la science-fiction, avec cette fois-ci une histoire d'invasion extraterrestre.
Comme dans certains films « nationalistes » du type Independance day, l'invasion a lieu aux Etats-Unis, précisément ici à Los Angeles. Le film ne démarre pas trop mal avec une lumière bleutée, venant d'un énorme vaisseau extraterrestre, qui attire les gens pour mieux les contrôler.
Seulement le soufflet retombe bien vite puisque l'on a alors droit à un long flashback censé se situer 15 heures avant l'arrivée des extraterrestres. C'est alors qu'on fait précisément connaissance avec les principaux personnages du film, venus se réunir pour fêter l'anniversaire d'un des leurs. Seulement les personnages sont vides de sens et leurs dialogues sont sans intérêt.
Les frères Strause ont d'ailleurs la bien mauvaise idée d'inclure un élément particulièrement saugrenu dans leur film : le coup des copains qui ont bien bu et qui font un concours de branlette est vraiment atterrant.
Mais bon s'ils n'y avait que cela, ça irait encore. Le problème est que le film ne passionne guère. Le scénario se contente de montrer des gens qui tentent de survivre. Pour autant, il n'y a quasiment aucun lien entre eux et il n'y a pas, comme dans les films de Carpenter ou de Romero, une réflexion sur la notion de groupe. Les acteurs se contentent d'interpréter mollement des personnages qui sont loin d'être inoubliables.
Côté effets spéciaux, le film joue à fond la carte des explosions et des destructions massives qui ont le mérite de laisser éveillé le spectateur. Pour autant, rien de formidable là-dedans. Il n'y a au demeurant aucune scène gore.
La mise en scène est du même accabit. Les frères Strause nous offrent différents mouvements de caméra. On a ainsi plusieurs fois des mouvements en plongée pour donner une impression de gigantisme aux scènes auxquelles on assiste. Mais il faut bien reconnaître que tout cela paraît factice. Pire, les cinéastes nous concoctent quelques mouvements inutiles. Ainsi, on assiste par exemple à un ralenti à deux balles alors qu'une jeune femme est poursuivie. La tension de la scène est donc annihilée par cette mise en scène inadaptée. On voit aussi dans ce film des scènes accélérées qui ne sont pas spécialement justifiées. On a l'impression que la mise en scène répond à un cahier des charges : il faut tant de travellings, tant de mouvements en plongée, etc.
Finalement, ce qui est sans doute le plus réussi dans ce film, ce sont les monstres qui disposent d'immenses bras, pareils à des pieuvres. Il y a aussi ces monstres gigantesques qui évoquent ceux de Starship troopers. Ces monstres alimentent au moins le côté sérieux du film, même si rien ne donne lieu à des scènes sanglantes.
Ce qui n'empêche pas de bien rire par moments, comme cette scène débile où un homme tente de détruire un extraterrestre de très grande taille avec un simple pistolet ! Et puis la fin est également bien nulle avec cette scène d'élévation où les personnages ne pensent à rien d'autre qu'à s'embrasser. Sans compter que peu de temps auparavant on aura eu droit à un avion de chasse qui se crashe et à deux personnages qui baissent la tête pour l'éviter ! Bref, on est sans conteste par instants dans le ridicule, alors que le film se veut résolument sérieux.
Au final, malgré son lot important de défauts, Skyline demeure un film regardable. Sans être foncièrement le plus mauvais film de l'année dans le genre, Skyline n'en reste pas moins un film sans âme qui aurait pu être réalisé par n'importe quel yes man.

Titre du film : Des filles en noir

Réalisateur : Jean-Paul Civeyrac

Durée du film : 1h25

Date de sortie au cinéma : 3 novembre 2010

Avec : Élise Lhomeau (Noémie), Léa Tissier (Priscilla), etc.

Par Nicofeel

Présenté à la quinzaine des réalisateurs au dernier festival de Cannes, Des filles en noir est un film sur un sujet que l'on n'a pas l'occasion de voir étudié en France au cinéma, le suicide.
Si d'autres cinéastes ont plus ou moins bien évoqué le sujet (on pense àVirgin suicide de Sofia Coppola mais surtout à l'excellent Der todesking du cinéaste underground Jörg Buttgereit), Des filles en noir est une œuvre d'une grande maturité.
Le cinéaste ne fait jamais dans la caricature et il n'enfonce jamais de portes ouvertes. Bien au contraire. Si les deux jeunes femmes que l'on voit dans le film, Noémie et Priscilla, des adolescentes respectivement âgées de 17 et 18, s'habillent effectivement en noir – d'où le titre du film – elles échappent à l'idée préconçue des filles de leur âge qui sont dans le style gothique.
Non, le cinéaste a avant-tout entendu faire ressentir au spectateur le spleen vécu par ces ados qui ne trouvent rien d'intéressant dans notre société. La justesse de ton des deux actrices principales, Élise Lhomeau (dans le rôle de Noémie) et Léa Tissier (dans le rôle de Priscilla) donne vraiment l'impression que l'on a affaire à deux adolescentes qui n'acceptent pas de rentrer dans la société où elles évoluent pourtant. Ainsi, au début du film on entend Noémie dire qu'elle n'a envie de rien. Un peu plus loin dans le film, à la question de savoir de qu'elle aime dans la vie, Priscilla répond « rien ». Si les deux jeunes filles ont des caractères un peu différents avec notamment une Priscilla qui est beaucoup plus sanguine que sa copine et qui n'hésite pas à badigeonner des voitures ou établissements du mot FEU pour montrer sa révolte, les deux jeunes femmes sont réunies par cette aversion au choix de vie qui leur est proposée. Ce sont d'abord des adolescentes déçues des garçons, l'une et l'autre ayant eu de vraies déceptions sur ce point. Voyant la vie de manière très idéaliste, elles n'acceptent pas les trahisons et les mensonges. Et puis ce sont également des jeunes filles qui ne réussissent pas à se raccrocher à tout ce que constitue normalement les repères dans la vie : à l'école elles sont considérées comme bizarres par leurs camarades de classe qui n'acceptent pas leur vision de la vie ; même la famille n'arrive pas à apporter une certaine stabilité. Noémie est en conflit permanent avec sa mère tandis que Priscilla a quitté ses parents et réside chez sa soeur et le copain de cette dernière mais aucune de ces deux personnes ne se soucie de la jeune fille. Noémie, particulièrement instable, n'hésite pas à clamer haut et fort devant sa classe d'école qu'elle va se suicider. Avec une pointe d'ironie, elle a le même propos avec sa grand-mère. C'est d'ailleurs avec sa grand-mère qu'on la voit pour une fois rire. Mais n'est-ce pas tout simplement un rire nerveux (« un livre de prière, on va se poiler ! »), révélateur d'un mal plus profond ?
Finalement, l'envie d'en finir avec la vie rapproche ces deux jeunes filles. Avec une superbe photographie très grisâtre, le réalisateur Jean-Paul Civeyrac renforce le côté sombre de cette œuvre et par la même occasion le côté déshumanisé de notre société. Rien n'est vraiment gai dans tout ça et la musique classique (Brahms, Schumann) utilisée à de nombreux moments n'est pas là pour détendre l'atmosphère.
On sent à chaque instant que ces deux filles sont capables de commettre un acte irréparable. Le lien fort qui les unit – qui n'est pas de l'amour mais est cependant plus que de l'amitié – donne singulièrement l'impression qu'elles vont se suicider un jour ou l'autre, suivant en ce cas l'exemple du romancier romantique Kleist (qui s'était suicidé avec sa compagne). Une scène est vraiment particulièrement intéressante sur ce point, celle où l'on voit les deux jeunes filles qui discutent au téléphone et en viennent à l'idée de se suicider en même temps. Le montage parallèle que crée Jean-Paul Civeyrac établit une vraie tension, sachant que celle qui va sauter n'est pas fondamentalement celle auquelle on aurait pensé à la base. La violence du geste du suicide, pourtant attendu, accroît ce sentiment de tension perçu jusque-là dans le film.
Car tant dans sa thématique (avec ces deux filles qui n'arrêtent pas de penser à ça) que dans sa mise en scène sobre avec des raccords qui ont souvent lieu par le biais de fondus au noir, dans le choix des couleurs utilisées, la notion du suicide est omniprésente.
Et même quand un des deux personnages a disparu, l'autre n'arrête pas de penser à lui. La scène où Noémie se retrouve dans un brouillard épais et semble apercevoir Priscilla est très étrange. Elle semble bien indiquer qu'elle ne peut pas se passer de sa camarade qui était bien plus qu'une amie. Le fait de la voir pleurer (ce qu'elle ne fait jamais) est également un élément indiquant que Noémie regrette de ne pas avoir sauté également.
Même si l'univers devient moins sombre tant dans la mise en scène avec un raccord qui vient du ciel et est de couleur bleue (par rapport au noir omniprésent) que dans les relations sociales qui a désormais un but dans sa vie, en jouant dans un orchestre, on sent que cet équilibre est très fragile. Cette jeune fille, qui a déjà été hospitalisé par deux fois, peut rechuter à tout moment.
Si le film fait preuve d'une grande justesse de ton par rapport à cette thématique du suicide, le succès de ce long métrage est pour beaucoup dû à ses deux actrices nouvellement arrivées dans le cinéma et qui font preuve d'une incroyable maîtrise. On est bluffé par leurs performances, à tel point que l'on croirait que leurs réactions correspondent à un véritable vécu. Chapeau.
Au final, Des filles en noir aborde le suicide avec un regard qui met à mal notre société actuelle. Nullement aimable, le film a une vraie cohérence qu'il tire du jeu volontaire de ses actrices et d'une mise en scène qui n'hésite pas à varier gros plans sur les visages et mouvements fluides.
Sans conteste, dans son genre, Des filles en noir est un très bon film qui mérite d'être vu. Malgré son côté « auteur », le film est facile d'accès. Alors vous savez tous ce qu'il vous reste à faire.

Titre du film : Monsters

Réalisateur : Gareth Edwards

Durée du film : 1h34

Date de sortie au cinéma : 1er décembre 2010

Avec : Whitney Able (Samantha Wynden), Scoot McNairy (Andrew Kaulder), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Gareth Edwards, Monsters dispose à la base d'un pitch qui rappelle celui de District 9 avec la NASA qui a découvert des formes de vie extraterrestre, envoie une sonde pour recueillir des échantillons qui retourne sur Terre en se crashant au Mexique. C'est alors que se manifestent de nouvelles formes de vie, appelés monstres.
Comme dans District 9, il y a une zone infectée qui est constituée. Si les humains peuvent continuer à vivre dans ces endroits, c'est à leurs risques et périls.
L'action du film commence six ans après l'apparition de ces monstres avec le photographe d'un journal, Andrew Kaulder, qui est venu au Mexique afin de ramener aux Etats-Unis, la fille de son patron, une belle blondinette prénommée Sam.
Dès le début du film, on est mis au parfum avec la vision d'un énorme monstre qui ressemble à une pieuvre géante et qui se fait bombarder tant par des chars que par des avions.
Pour autant, cette scène pourrait donner une vision tronquée de Monsters. Car dans ce film on est assez loin d'un film d'action.
On est plus proche du film d'ambiance que d'autre chose. D'ailleurs, les fameux monstres, on ne les verra que très rarement. C'est surtout les conséquences de l'arrivée de ces monstres qui nous sont narrées.
A sa façon, le film de Gareth Edwards critique une politique migratoire pour le moins chaotique. Il est bien évident dans le film qu'il vaut mieux être américain que mexicain. En effet, ces derniers doivent faire face aux monstres et ont la moitié de leur territoire qui est en zone infectée. Sur de nombreux panneaux d'indications, on trouve sur la route les kilomètres où l'on est par rapport à la zone infectée. Ceux qui sont riches ont la possibilité de prendre le ferry (à des prix prohibitifs). Pour les autres, la seule solution est de traverser la zone infectée par la terre.
Et comme cela arrive souvent dans des périodes troubles, il y a toujours des gens qui sont là pour profiter de la situation. Il y a ainsi un marché noir qui se constitue pour prendre le ferry ou encore des agents mexicains qui corrompus et permettent ainsi à des personnes sans passeport de passer les différents barrages.
Car les frontières sont plus que jamais contrôlées. Il y a des barrages un peu partout.
On est vraiment dans une ambiance particulière, une ambiance quasi paranoïaque avec des avions qui traversent en permanence la zone aérienne (jour et nuit). Il y a aussi des masques à gaz qui doivent être portés dans la zone infectée et il y a des zones de décontamination.
Ce qui nous amène à une seconde thématique proposée par le film : le regard de l'autre. On comprend dans Monsters que les nouvelles créatures ont tué plusieurs personnes. Mais n'est-ce pas quelque part logique quand on sait que ces créatures sont attaquées en permanence et qu'on leur envoie notamment des bombes chimiques ? Dans le film, nos deux protagonistes ne sont jamais attaqués et ils apprennent que si l'on n'excite pas les créatures, elles ne font rien. La dernière scène du film est de ce point de vue on ne peut plus claire. Le réalisateur prouve par là que la solution n'est pas forcément et même pas du tout l'utilisation de la force armée. La critique anti-militaire est plus que sous-entendue.
Sorte de road-movie qui permet de voir de très beaux paysages naturels, Monsters vaut pour son ambiance particulière, avec le sentiment pour le spectateur que des monstres peuvent surgir à n'importe quel moment, et notamment la nuit.
Sans être un blockbuster, le film manque peut-être d'un peu de dynamisme car, hormis l'évolution des relations entre les deux personnages principaux, dont on suit le parcours jusqu'à la frontière américaine, il ne se passe pas grand chose. Mais c'est aussi une façon pour le réalisateur de poser la question suivante : les « monstres » sont-ils vraiment nos ennemis ?
Pour le savoir, il faudra se rendre dans les salles obscures.

Titre du film : Poetry

Réalisateur : Lee Chang-Dong

Durée du film : 2h19

Date de sortie au cinéma : 25 août 2010

Avec : Yoon Jung-Hee (Mija), David Lee (Wook), Kim Hira (le président), etc.

Par Nicofeel

Réalisateur humaniste qui n'a de cesse de faire état du mal-être de notre société contemporaine (Peppermint Candy en 2002, Oasis en 2003), Lee Chang-Dong nous revient avec un film auréolé du prix du scénario à Cannes.
A partir d'un sujet relativement conventionnel, avec cette dame de 67 ans qui s'occupe de son petit-fils, le sud-coréen Lee Chang-Dong livre un film particulièrement émouvant, en traitant de thèmes multiples.
Car si l'on pense que le film va traiter de poèmes, ce n'est finalement qu'un fil rouge ou plutôt une façon d'extérioriser la sensibilité de la principale protagoniste du film. Car l’héroïne du film est bien Mija, cette mamie qui va avoir l'occasion de découvrir que le monde n'est pas aussi beau qu'elle le pense. Ainsi, rapidement dans le film on comprend que son petit-fils, Woo, un collégien malpoli et pas très malin, est impliqué dans une histoire de viol collectif à l'origine du suicide d'une jeune fille. Et puis Mija doit également faire avec les différents pères dont les enfants sont concernés par cette histoire de viol, et qui souhaitent faire taire cette histoire en payant la mère de la fille suicidée. Et puis il y a le fait que Mija apprend qu'elle a la maladie d'Alzheimer ce qui explique pourquoi elle commence à oublier certains mots courants comme un portefeuille ou une gare routière.
Avec beaucoup de finesse, Poetry brosse le portrait de cette femme qui est déçue par le monde mais qui cherche malgré tout à apporter toute la bonté qui caractérise cette dame. A l'image de son aspect vestimentaire très soigné, Mija fait tout pour rendre de la justice ou de la gentillesse autour d'elle. Ainsi, Mija est celle qui va permettre au vieil handicapé dont elle s'occupe (thématique que l'on retrouve dans l'excellent Oasis) de retrouver une forme de dignité ; elle va tout faire pour récupérer de l'argent pour la mère de la fille suicidée, non pas pour que l'affaire cesse, mais pour que cette mère, qui dispose de revenus modestes, puisse mieux s'en sortir ; elle va dénoncer son petit-fils pour que celui-ci soit jugé. En somme, même si la poésie lui plaît beaucoup, elle permet surtout à Mija d'accepter un peu plus ce monde rempli de gens bien peu intéressants.
Les thématiques développées dans ce film sont riches et amènent le spectateur à s'interroger : entre autres, on a droit à une réflexion sur le suicide (début et fin du film), qui est décidément un élément prégnant dans les sociétés asiatiques, preuve évidente d'un malaise ; on a également à un développement autour de la dépendance (l'homme qui a du mal à faire tout seul des gestes quotidiens) et de la dégénérescence ; et puis évidemment le cinéaste pose des questionnement autour de la notion de la responsabilité et de la culpabilité.
Le propos de Lee Chang-Dong n'est pas pour autant le plus pessimiste qu'il soit permis de voir. En effet, il y a bien des gens, ou plus précisément des petites gens, qui méritent d'être connus, à l'instar de Mija. Il y a ainsi ce policier qui aime rigoler en faisant des poèmes salaces (ah le poème sur la douche !) mais qui dans le même temps s'est fait remarquer en dénonçant des policiers ripoux. Et puis il y a tout simplement la mère de la fille suicidée qui est une femme de faible condition et qui ne se plaint pas, malgré l'horrible événement dont elle a dû faire face.
Si la photographie du film est belle et que l'on apprécie particulièrement les beaux paysages naturels qui donnent une vraie respiration à ce long métrage, on retiendra plus particulièrement dans Poetry la distribution. En effet, l'interprétation est vraiment impeccable. Yoon Jung-Hee fait vraiment corps avec son personnage, on a clairement la sensation qu'elle est tout simplement Mija. Quant aux autres personnages qui gravitent autour d'elle, ils sont tous très convaincants.
Malgré sa relative longue durée (2h19), Poetry est un beau film où l'on ne s'ennuie jamais. Au contraire. La fin, qui est constituée de plusieurs ellipses, permet au spectateur de se faire sa propre idée. Surtout ce poème récité en toute fin de film fait naître une véritable émotion.
Sans souligner outre mesure ses différentes scènes, Lee Chang-Dong a donc fait un film mélodramatique de très bon niveau. On attend donc avec une impatience non feinte le prochain film de ce cinéaste sud-coréen majeur.

Titre du film : Le nom des gens

Réalisateur : Michel Leclerc

Durée du film : 1h44

Date de sortie au cinéma : 24 novembre 2010

Avec : Jacques Gamblin (Arthur Martin), Sara Forestier (Bahia Benmahmoud), Zinedine Soualem (Mohamed Benmahmoud), Carole Franck (Cécile Benmahmoud), Lionel Jospin (lui-même), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Michel Leclerc, Le nom des gens commence presque comme Le fabuleux destin d'Amélie Poulain. En effet, on débute avec les origines de nos deux principaux protagonistes, à savoir le bon français Arthur Martin et Bahia Benmahmoud, également française, mais avec un père immigré. Le parallèle avec Amélie Poulain s'arrête avec cette question des origines.
Car Le nom des gens est un film qui brasse une multitude de thématiques et se veut, à sa façon, un film qui prend le pouls de notre société actuelle.
D'ailleurs, le film est finalement assez simple au niveau de son scénario : un homme qui a la quarantaine, Arthur Martin, plutôt calme et réfléchi, va vivre une belle histoire d'amour avec Bahia Benmahmoud, une jeune femme extravertie qui n'hésite pas à coucher avec des hommes aux idées politiques contraires aux siennes, afin de les rallier à sa cause.
Ce film est intéressant d'abord par sa capacité à nous montrer une société française extrêmement riche et variée, à tous points de vue. Arthur Martin est né d'un père français et d'une mère juive qui a réussi à éviter la rafle du vélodrome d'hiver. De son côté, Bahia, est née d'une mère française bourgeoise et d'un père algérien, immigré en France suite au difficile épisode de la guerre d'Algérie. Si le film joue à fond la carte de l'humour en présentant par exemple les parents d'Arthur Martin (dont le nom rappelle l'entreprise spécialisée dans la vente de cuisines, blague souvent utilisée dans le film) comme des gens extrêmement conservateurs, qui s'offusquent pour un rien (notamment dans leur rapport à la sexualité), il n'empêche que plusieurs choses qui sont développées dans le film sont très sérieuses dans le fond.

Ainsi, il y a toute cette explication autour des origines d'Arthur Martin qui ne sait pas précisément ce qui est arrivé à ses grands-parents lors de la deuxième guerre mondiale. Sa mère ne lui a jamais clairement avoué et elle reste très discrète sur ce sujet sensible. Preuve que même de nombreuses années après, le traumatisme autour de la Shoah est encore bien présent dans les esprits.
Du côté de Bahia, c'est à l'inverse toute la politique d'immigration de la France qui est mise en avant avec ce père resté 6 ans en situation irrégulière avant d'obtenir un titre de séjour sur le sol français par le biais de... Danièle Mitterand ?... Non !... Madame Giscard-d'Estaing. Cette remise de titre de séjour va à l'encontre de l'idée de bahia qui pense que les gens de droite sont tous des fachos et qu'à l'inverse les gens de gauche sont tous des gens intéressés par les autres. Les préjugés sont forts et contrairement à ce que pense initialement Bahia, Arthur Martin n'est pas un facho. Loin de là. C'est un jospiniste convaincu, alors même que Jospin ne fait plus partie de la vie politique. Le film nous offre d'ailleurs un sacré caméo avec un Lionel Jospin qui apparaît au détour d'une séquence bien sympathique, coupant court à l'image du politicien rigide et triste développé dans les médias.
Le film nous offre d'ailleurs une (petite) réflexion autour de la politique avec cette idée bien amusante que Bahia couche avec les hommes qui n'ont pas les mêmes idées politiques qu'elle. Le discours de Bahia est tout ce qui a de plus pacifiste avec l'idée de faire l'amour et non la guerre, avec le fait d'apprécier au plus haut point l'immigration.
A fortiori, Le nom des gens est un film sur la tolérance avec ces gens, Arthur et bahia, très différents au niveau de leurs familles respectives, mais qui sont liés par un amour commun de la vie.
Les acteurs sont sans conteste responsables du succès de ce film. Jacques Gamblin, avec sa voix posée, est parfait dans le rôle de cet homme calme à la vie bien rangée. Sara Forestier, est également excellente dans le rôle d'une jeune femme survoltée, engagée, qui croque la vie à pleines dents et qui n'hésite pas à fustiger toutes les injustices qu'elle voit. Retrouvant une vigueur qu'on lui avait connue dans L'esquive, Sara Forestier est très crédible dans son rôle.
Avec des dialogues réellement très drôles, qui font bien souvent mouche, Le nom des gens est aussi et surtout un film riche sur le plan thématique qui nous offre un portrait assez fidèle de la société française actuelle.
Et puis pour ne rien gâcher ce film au ton original respire l'humanisme. On sent à chaque instant que le réalisateur a beaucoup d'amour pour ses personnages. Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si Michel Leclerc dédie son film avec sa compagne et scénariste Baya Kasmi à ses parents. Voilà un film enthousiasmant à voir sans hésiter.

Titre du film : The tourist

Réalisateur : Florian Henckel von Donnersmarck

Durée du film : 1h43

Date de sortie au cinéma : 15 décembre 2010

Avec : Angelina Jolie (Élise), Johnny Depp (Franck), Timothy Dalton (l'inspecteur général Jones), Bruno Wolkowitch (l'officier français), etc.

Par Nicofeel

Remake du film français Anthony Zimmer, The tourist a sur le papier quelques atouts à faire valoir. Il y a d'abord le cinéaste choisi, Florian Henckel von Donnersmarck, qui n'est autre que l'auteur du formidable La vie des autres (2006). Et puis il y a Johnny Depp, acteur généralement plutôt solide dans ses interprétations.
Oui mais voilà l'alchimie est loin de fonctionner. Ce film, qui se veut une sorte de film d'espionnage, romantique est proche du ratage total.
Au début du film, on voit qu'un appartement est surveillé. Cela nous rappelle évidemment La vie des autres avec cette omniprésence de la Stasi. Le parallèle avec ce film s'arrête là car dans The tourist la finesse est loin d'être de mise.
Angelina Jolie sort du fameux appartement et arbore un sourire de tous les instants, qu'elle ne quittera guère tout au long du film. Glamour à souhait, on se demande si Angelina Jolie sait qu'elle joue dans un film d'espionnage. Pour lui rendre la pareille, on retrouve un Johnny Depp en professeur de mathématiques américain, venu à Venise en simple touriste, d'où le titre du film. Johnny Depp, qui interprète donc ce personnage de Franck, doit servir d'alibi à Angelina Jolie, qui joue Élise, qui entend couvrir son amant, un certain Alexander Pearce qui doit la bagatelle de 744 millions de livres sterling au Trésor anglais. Johnny Depp nous fait tout de même un peu de peine dans ce film, en jouant un espèce de benêt. Certaines scènes sont tout de même fort de café, à l'image de celle où Élise lui dit qu'elle ne l'aime pas et qu'elle l'a utilisé, et lui répond simplement qu'il ne regrette pas de l'avoir embrassé. On croit rêver dans le sens où la vie de Franck est mise en danger, étant notamment recherché par un gang russe extrêmement dangereux.
Dans le style ridicule difficile de faire mieux et pourtant il y en a des scènes de ce type : on citera à titre non exhaustif le moment où Franck, alors en pyjama, est poursuivi par des russes, saute d'un toit pour échouer sur un policier italien qui tombe alors dans l'eau ! Il y a aussi cette scène où Élise recherche urgemment Pierce et se met finalement à faire une danse avec Franck au milieu d'une nuée de nobles.
Il est fort dommage que le réalisateur allemand ne réussisse pas un bon dosage entre romance et espionnage. Ici, la romance se caractérise immédiatement par des scènes lourdingues, sans queue ni tête. Dans ces conditions, le climat de suspicion censé caractériser le film tombe à plat et les enjeux du film sont réduits à leur plus simple expression.
Pour ne rien arranger, le cinéaste se plaît (encore qu'il s'agit peut-être tout simplement d'une demande de la production) à filmer de beaux endroits à Venise. Alors oui on a droit à de beaux plans de la ville, de beaux décors, des gens élégamment habillés, mais tout cela demeure quelque peu vain. Ce film carte postale n'a pas grand chose à raconter et ce ne sont pas les quelques tics visuels (ralentis à deux balles) qui vont améliorer le film. On peine franchement à s'enthousiasmer pour ce film où il ne se passe pas grand chose et où le suspense laisse franchement à désirer.
On appréciera seulement le fait qu’Élise n'est pas la personne qu'elle semble être au départ. Mais mis à part cela, le scénario est franchement convenu. Pire, la fin est d'un tel irréalisme que l'on n'y croit pas un instant. Il faut dire que le jeu assez mauvais de Johnny Depp jusque-là ne plaide pas en faveur de ce twist.
Au final, même si The tourist est regardable et n'est pas l'un des pires films de l'année, c'est une réelle déception, eu égard notamment au potentiel du réalisateur de La vie des autres. Ce dernier livre ici un film particulièrement quelconque, impersonnel et indigne de son talent. Gageons qu'il ne se laisse pas gagner par les sirènes hollywoodiennes pour son prochain film.

Titre du film : The reeds

Réalisateur : Nick Cohen

Durée du film : 82 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé en avant première au festival du NIFFF 2010)

Avec : Anna Brewster (Laura), Karl Ashman (Dean), Geoff Bell (Croker), etc.

Par Nicofeel

Film britannique réalisé par Nick Cohen, The reeds part d'un postulat classique pour un film fantastique avec six jeunes gens, trois garçons et trois filles, venus faire du bateau tranquillement un week-end dans un coin original, où les roseaux sont omniprésents (d'où le titre du film). Si le film n'est pas d'une grande originalité, le traitement est pour autant bien soigné. Dès le début, on a droit à de beaux plans sur les roseaux pour débuter le film et on voit à l'oeuvre un personnage énigmatique tout de noir vêtu, sorte de Charon sur sa barque. On se demande bien ce que tout cela signifie. Le cinéaste utilise vraiment de façon très intelligente les différents paysages où se situe l'action de son film. Et puis la photographie est vraiment très soignée, prouvant qu'un gros travail a été effectué sur ce point. Cela contribue nettement à l'ambiance particulièrement bizarre qui sévit tout au long de ce film.
D'ailleurs, passée la scène d'exposition, le reste de ce long métrage va continuer dans un aspect très mystérieux. Les séquences gore ne sont pas très nombreuses. Pour l'essentiel, le cinéaste a choisi de faire un film d'ambiance où le spectateur est amené à s'interroger sur plusieurs points : pourquoi le seul bateau disponible est déjà occupé par des gamins ? Comment se fait-il que Nick voit le visage d'un homme, qui n'est autre que lui, dans les roseaux ? Le jeu sur les ombres et sur les personnages du film est essentiel.
A mi-chemin entre le survival (avec le personnage de Laura qui fait tout pour sauver sa peau) et le film de fantômes, The reeds est un film à l'ambiance tendu. Il propose une conclusion intéressante, qui ne fait finalement que rappeler un des éléments vu au début du film (d'où l'utilité d'être attentif à ce que l'on voit à l'écran lors des premières minutes de The reeds). On comprend dès lors qu'il s'agit d'une histoire de visions avec un mélange entre rêve et réalité.
Par son scénario, The reeds se rapproche de l'excellent Triangle de Christopher Smith. La différence est que The reeds est tout de même moins abouti, en raison de plusieurs incohérences au niveau du scénario. Par exemple, on ne sait pas clairement qui est un fantôme ou non dans cette histoire : serait-ce les enfants que l'on croise ? Ou tout simplement la plupart des protagonistes que l'on voit dès le début du film ? Et puis les acteurs du film campent tout de même des personnages qui sont assez peu fouillés. Dommage.
Cela n'empêche pas de passer un bon moment à regarder ce film qui ne souffre pas de défaut de rythme.

Par Flo001fg

Pour cette première interview sur le blog, c'est David Aboucaya, le réalisateur de "The cross roads", dont le DVD est sorti début novembre chez Aventi, qui a eu la gentillesse de répondre à mes questions pour DVDpasCher :

Peux-tu nous raconter la genèse de "La croisée des chemins" ?

Tout a commencé en 2005. Depuis 1997, nous tournions des court-métrages. Suite aux évènements en Irak, un anti-américanisme assez poussé a vu le jour en France à la suite duquel on pouvait entendre des choses insensées dans le style « de toutes façons, en 44 ,même si les américains n’étaient pas venus, on aurait pu se libérer seuls... ». ça m’a donné une furieuse envie de faire un court métrage rendant hommage à tous ces hommes morts sur nos terres. De là est né "La Croisée des Chemins", d’une durée de 37 minutes, que nous avons présenté à des distributeurs et acheteurs lors du marché du film à Cannes. Totalement ignorés par les Français qui ne nous prenaient pas du tout au sérieux, l’écoute a été beaucoup plus importante avec les étrangers qui appréciaient notre travail tout en regrettant qu’il ne s’agisse pas d’un long-métrage. Le mot était lancé et le projet de "La Croisée Des Chemins" ("The Cross Roads") version longue voyait le jour.

Quelles difficultés as-tu rencontré ?

Le faible budget entraîne nécessairement de grosses difficultés logistiques pour ce genre de film. Ça a donc été d’abord un long travail de recherches de décors appropriés dont les autorisations de tournage ne sont pas toujours faciles à obtenir. Ces dernières ont été exclusivement obtenues par Alain Marseglia (qui joue aussi dans le film). Ensuite tout ce qui est accessoires, uniformes et autres qui m’a contraint à faire beaucoup de recherches et m’armer de patience afin de réunir tout ce dont j’avais besoin. Et puis bien sur le tournage à proprement parlé qui n’a pas toujours été de tout repos, et dont les plans ont dû être plusieurs fois modifiés au dernier moment.

Comment expliques-tu que le DVD ait mis autant de temps à sortir en France alors qu’il était sorti dans de nombreux autres pays ?

Comme je le disais ce sont d’abord les étrangers qui se sont intéressés au film en y voyant un potentiel commercial (et oui, même si c’est un art, le cinéma reste aussi une industrie, ce que certains dans l’hexagone semblent ne toujours pas comprendre...). Le premier contrat a été signé avec un distributeur (ou plutôt un agent de vente) canadien qui prenait donc en charge la vente du film à l’international. Par cet intermédiaire, une première société française s’était intéressé au film, croyant avoir à faire à une production américaine, mais n’avait pas donné suite pour certaines raisons qui nous échappent encore. Ça n’est que bien après que le distributeur français Aventi est tombé par hasard sur un article sur le film paru dans un numéro des « Années Laser » et s’est montré enthousiaste pour le sortir en France et nous donner notre chance. Un certain laps de temps s’est ensuite écoulé avant la sortie.

Tu as eu des soucis avec ton premier distributeur. Peux-tu nous en parler ?

Industryworks a réussi à vendre le film à plusieurs pays (Angleterre, Allemagne, Japon, Suède, Norvège, Russie, Scandinavie...), mais dès le premier semestre d’ « exploitation », il a fallu commencer à batailler pour obtenir les rapports de vente, dont je n’ai toujours reçu à ce jour qu’une partie. La plupart du temps je découvrais les pays dans lesquels le film sortait grâce à mes recherches sur internet. Se cachant derrière la crise, ils ont ensuite retardé les paiements des pourcentages sur les ventes qu’ils me devaient. Tellement retardés qu’au final je n’ai absolument rien touché et rien n’y a fait même l’intervention d’associations spécialisées dans ce style de litige. Malheureusement, le contrat relevait de la juridiction de la Colombie Britannique et pour engager une procédure il faudrait des moyens financiers que je ne possède pas. En attendant le seul recours que je pouvais faire était de rompre le contrat, ce qui m’a permis ensuite de signer avec Aventi pour la distribution française.

"The cross roads" a été retouché plusieurs fois selon les versions DVD. Quelles sont les modifications que tu as apportées ?

Au fur et à mesure des éditions étrangères, et avec le recul, j’ai voulu d’abord changer pas mal de plans de post-productions qui ne me convenaient plus. Puis à la suite de certaines critiques récurrentes, j’ai supprimé quelques scènes, qui au final n’amputent pas la continuité du film. J’ai aussi changé certains plans de coupe et légèrement modifié la colorimétrie générale ainsi que quelques parties musicales.

Tu travailles toujours avec la même équipe. Peux-tu nous présenter ta petite « famille » ?

« Famille » sans laquelle je ne serais jamais arrivé à aller jusqu’au bout de ce projet. En tout premier Manuel Gonçalves, acteur principal du film. On se connaît depuis le lycée et on partage la même passion. Les premiers court-métrages, on ne les faisait quasiment que tous les deux. Il a une détermination sans égal, et dans ce film, comme dans tous les autres, il s’investit à 100% avec un maximum de professionnalisme. C’est un acteur né ! Il y a ensuite Alain Marseglia, que je citais précédemment, qui a eu un rôle déterminant dans la logistique du tournage et dans la communication pour promouvoir le film terminé. Jérôme Voyon (lui aussi acteur) a eu aussi une grosse part dans cette dernière. Il y a ensuite Christian Perrette qui s’est occupé de beaucoup de choses pendant le tournage en plus d’être le second rôle, Catherine Culot qui est devenue mon assistante, Jean-Pierre Ferri, qui a vraiment été une « mine d’or » pour tout ce qui est terrains, véhicules et connaissances, Marie-Line Royer, Lucas Pedroni, Natale Naccari... Il y en a encore plein d’autres à citer et tous ont été « multi-casquettes » et indispensables à ce film.

Si tu faisais un film à gros budget, prendrais-tu des acteurs professionnels ? Avec qui aimerais-tu tourner ?

J’essaierais de garder un maximum de cette « famille » qui a continué à m’accompagner sur les autres longs, car je suis persuadé qu’ils sont largement à la hauteur. Le temps et les conditions nous ont malheureusement parfois manqué sur "The Cross Roads" pour mettre plus en avant leurs capacités. En dehors de ça, bien sûr, j’aimerais pouvoir y ajouter des acteurs professionnels (dans le sens qu’ils gagnent leur vie dans ce métier). Je serais fou à l’idée de tourner avec certains acteurs américains, et certains noms français comme Cornillac, Berléand, Depardieu (Rien que ça !!!) me viennent à l’esprit. Mon rêve (impossible bien sur !) serait de tourner avec Clint Eastwood.

On te sent très à l’aise dans le rôle d’acteur. Est-ce quelque chose que tu aimes particulièrement faire ?

J’adore ça ! Quand on a commencé avec Manuel à faire des films après le lycée, je ne voulais faire qu’acteur. C’est plus tard lorsque l’on a commencé à faire des court-métrages que j’ai commencé à avoir le virus de la réalisation, du montage. Jouer un rôle c’est génial, mais prendre un projet, de sa conception initiale à sa finalisation, en le réalisant, puis en le montant et voire petit à petit en image ce que l’on a juste au début dans la tête, il n’y a rien de comparable même si c’est parfois épuisant. Malgré tout, je me fais toujours plaisir en me gardant un rôle dans chaque film.

Peux-tu nous parler de tes deux autres longs-métrages "Last Blues" et "Dead Line" ?

"Last Blues" a été tourné en 2008. C’est très certainement, à mon goût, le plus abouti sur beaucoup de points. Nous avons eu plus de temps et de préparation pour ce tournage. Après le film de guerre, j’avais très envie de me lancer dans le film de « Mafia », que j’avais déjà abordé dans un court-métrage en 2003, "Dernières heures". Je suis un grand amateur des films de Scorsese, et plus particulièrement des "Affranchis" ou "Casino". L’histoire tourne autour de Frank Di Angelo (interprété par Manuel Gonçalves) qui fait partie d’un gang œuvrant un peu à l’ancienne, essayant de se calquer sur les puissantes familles agissant aux États-Unis dans les années 70. A la suite d’une maladresse de son neveu, Frank va devoir faire face à la mafia russe et aux membres de sa propre équipe tout en essayant de recoller les morceaux avec sa vraie famille qu’il s’aperçoit avoir négligé. J’ai essayé de regrouper tous les ingrédients inhérents à ce style de films. On y retrouve donc les thèmes de l’honneur, de la trahison, des règlements de compte... et si tout va bien, il devrait sortir avant l’été 2011, toujours par l’intermédiaire d’Aventi.

"Dead Line", quant à lui, aborde un genre considéré par beaucoup comme mineur, le film d’horreur et plus particulièrement le film de zombie. Dans ce style, après la prolifération des films où les infectés ou les mort-vivants étaient devenus très rapides, j’avais envie de revenir aux sources, aux « vrais » zombies, ceux de Romero et de son "Zombie" ("Dawn of the dead") qui constitue pour moi la référence du genre car ce n’est pas simplement un film de « boucherie ». Le manque de moyens et de figurants ne m’a néanmoins pas permis de le réaliser comme je l’aurais voulu. Heureux Frank Darabond qui a eu les moyens nécessaires pour lancer l’exceptionnelle série "The Walking Dead", actuellement diffusée aux États-Unis.

Un petit mot sur tes courts ?

Il y en a eu 9 en tout depuis 1997. 3 d’entre eux ont pour thème la guerre et un en particulier "Soldat" qui a assez bien marché dans certains festivals. Dans la majorité tous sont assez sombres (à part "Le gendarme s’est trompé" qui représente ma seule incursion dans la comédie). Mais toute cette période court a été assez frustrante, car dans tous les festivals, le public était en général au rendez-vous, mais nous avons été à chaque fois boudés par les jurys et les dits professionnels. Le film de genre n’a malheureusement pas sa place dans ce style de manifestations régis par une intelligencia prônant une sorte d’exception culturelle qui a longtemps freiné le cinéma français.

Quelles sont tes influences ?

Il y en a plusieurs. Pendant mon adolescence et l’époque dorée des vidéo clubs j’ai été nourri aux films avec Clint eastwood, à ceux de Carpenter, Romero, Scorsese et du côté français par les réalisateurs comme Jacques Deray ou Georges Lautner... Puis il y a eu Spielberg et sa révolution technique du « soldat Ryan », Ridley Scott, Christopher Nolan... Je ne pourrais pas tous les citer mais il est évident que mes influences lorgnent un peu plus du côté outre-Atlantique.

En trois longs-métrages, tu as abordé trois genres différents. Quels autres genres aimerais-tu aborder?

Beaucoup de genres me tentent, certains comme la science-fiction nécessitant des moyens conséquents. J’aimerais aussi beaucoup réaliser un film dans le style de "L’échelle de Jacob", un de mes films référence. Je reconnais par contre ne pas vraiment être intéressé par le film « social » ou la comédie, deux styles pourtant très longtemps majoritaires en France. Heureusement les choses évoluent depuis quelques années.

Comment as-tu fait pour autoproduire tous tes films ?

C’est très stimulant mais aussi parfois usant. C’est chaque fois un challenge, et j’aimerais finir par m’en passer. Ça relève très souvent du système D, de l’acharnement et de quelques sacrifices financiers. Ça n’est surtout possible qu’avec une équipe soudée qui marche dans la même direction et une foi inébranlable. Il faut ensuite du culot et de la persévérance pour tenter de se faire connaître. Le phénomène du film indépendant et autoproduit n’est pas vraiment reconnu par la profession et certains ne nous considèrent que comme des amateurs et la moquerie a souvent été de mise. J’avoue qu’être distribué un peu partout en France avec "The Cross Roads" et bientôt "Last Blues" constitue pour moi une belle revanche.

Arrives-tu à vivre de tes films ou as-tu une autre activité?

Jusqu’à maintenant non, et c’est même le contraire. J’ai dépensé pas mal d’argent pour réaliser mes films et la mésaventure du distributeur canadien n’a pas arrangé les choses. Mais depuis longtemps je rêve d’en vivre. Vivre de sa passion, il n’y a rien de mieux, non ? Quoiqu’il en soit, en « alimentaire » j’ai longtemps travaillé en tant que technicien (cadreur et éclairagiste) sur des plateaux télé et pour des reportages institutionnels.

As-tu un autre film en préparation ?

J’ai un projet qui me tient à cœur depuis quelques années dont la toile de fond est la veille du débarquement de Provence en 1944. Cette partie de l’histoire, souvent méconnue au détriment du débarquement en Normandie, a pourtant marqué la profonde alliance entre les premières forces françaises foulant à nouveau notre sol, les forces alliées et la résistance française. Nous sommes actuellement à la recherche de producteurs, car ce tournage nécessite une production conséquente (même s’il ne devrait pas s’agir d’un budget pharaonique, puisqu’il ne s’agit pas du débarquement en lui même, mais des évènements qui l’ont précédé). Mais le processus est long, donc, parallèlement, je suis aussi en train de préparer un nouveau film qui lui sera autoproduit et qui se fera sûrement en début d’année prochaine. Tourner est une drogue et toute l’équipe commence à être en manque. Il est donc temps de s’activer.

Si on te proposait d’aller tourner un film de commande aux États-Unis,
accepterais-tu ?

Bien sûr, plutôt deux fois qu’une ! Je suis toujours un peu surpris des discours de certains qui affirment qu’il n’en serait pas question argumentant que ça détruirait leur intégrité artistique. Je sais que ce discours en dérange beaucoup, mais quand on voit ce que nous offre les États-Unis en matière de cinéma (et ce n’est pas toujours une histoire de moyens mis en œuvres), on se dit qu’on a encore beaucoup à apprendre et tourner avec eux ne peut être appréhendé que comme une chance et un formidable apprentissage. Il y a d’excellents films français, et de très mauvais films américains, mais soyons juste réalistes...

Que penses-tu des supports DVD et Blu-ray ?

Je ne pourrais pas me prononcer sur le Blu-ray car comme le dit le proverbe « ce sont les cordonniers les plus mal chaussés » et je ne suis pas équipé dans ce sens. Mais que ce soit le Blu-ray ou le DVD, ils permettent d’apporter un plus, ne se limitant pas au film en lui même. En matière de bonus c’est toujours très intéressant de découvrir certains secrets de fabrication (même si parfois ça casse un peu la magie). Et puis étant de la génération VHS, l’arrivée de ces supports numériques a chaque fois constitué une révolution dans le confort de visionnage et la restitution de l’image souhaitée lors du tournage.

Merci David d'avoir pris le temps de répondre à mes questions et également pour ta gentillesse.

The cross roads


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The cross roads - Edition allemande


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The cross roads - Edition hollandaise


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Titre du film : Reykjavick whale watching massacre

Réalisateur : Julius Kemp

Durée du film : 84 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé en exclusivité au NIFFF 2010)

Avec : Pihla Viitala (Annette), Nae (Endo), Terence Anderson (Leon), Miranda Hennessy (Marie-Anne), Aymen Hamdouchi (Jean François), Carlos Takeshi (Nobuyoshi), etc.

Par Nicofeel

Film islandais réalisé par le cinéaste Julius Kemp, Reykjavick whale watching massacre (RWWM) part d'un postulat de base intéressant. Ainsi, on voit au début du film des images d'archives avec des pêcheurs de baleine. Avec l'interdiction de la pêche à la baleine, l'Islande est passée dans les principales nations au niveau de l'observation de baleines (whale watching), d'où le titre du film.
Pour autant, alors que l'on aurait pu s'attendre à un film qui joue la carte du film tendu à souhait (après tout le titre du film est un clin d'oeil au cultissime Massacre à la tronçonneuse), au contraire on va se retrouver avec un long métrage jouant à fond sur le côté humoristique. On est donc plus proche d'un Severance de Christopher Smith que d'un pur survival bien méchant.
L'humour est d'ailleurs bine bien gras avec des acteurs en roue libre totale. On a par exemple ce jeune sud-coréen qui n'hésite pas à vanner certaines femmes qui ont regagné le bateau en déclarant qu'elles sont « encore plus moches que les salopes coréennes ».
Même si le film est clairement orienté dans un style que l'on pourrait qualifier de comédie gore, il faut bien reconnaître que plusieurs passages de RWWM sont vraiment débiles, comme ce moment où la jeune fille blonde dit au garçon noir qu'elle l'aime bien alors que celui-ci lui avoue qu'il est gay et l'invite à calmer ses préjugés sur les gays.
Le film n'oublie pas pour autant de faire dans le gore qui tâche avec par exemple le frère d'un des tueurs qui envoie une hache qui décapite un personnage. Il y a aussi le moment où le garçon noir réussit à exploser la tête du gros frère psychopathe ou encore le frère débile déclare que les fusées de détresse sont réservées pour les cas d'urgence. Et puis il y a l'handicapé avec des baguettes au cou. Tout ceci est plus fun qu'autre chose.
Le film qui se veut (un peu) ironique livre au spectateur du pur gore fun. C'est certes (parfois) sympathique mais le film aurait sans conteste gagné en intérêt avec un traitement plus sérieux.
Car il faut bien reconnaître que les méchants du film ne font franchement pas peur et que la tension n'est pas vraiment présente. Tous les personnages ressemblent surtout à des caricatures. On pourra aussi regretter que le contexte social soit à peine abordé avec les pêcheurs au chômage qui font écho à une Islande en plein désarroi sur le plan économique.
En somme, voilà un film horrifique avec peu d'intérêt qui aurait été plus marquant avec un ton plus sérieux.

Titre du film : Home for Christmas

Réalisateur : Bent Hamer

Durée du film : 1h21

Date de sortie au cinéma : 8 décembre 2010

Avec : Trond Fause Aurvag, Reidar Sorensen, Joachim Calmeyer, etc.

Par Nicofeel

Écrit, produit et réalisé par Bent Hamer, Home for Christmas. est comme son titre l'indique, un film sur Noël. Le film se déroule en Norvège, pays du froid où la neige est reine. C'est donc quelque part le pays du père Noël.
Durant ce film, nous allons voir différentes histoires parallèles qui finissent par se recouper, le tout la veille de Noël. Avec un ton tragi-comique caractéristique des films scandinaves, Home for Christmas passe tour à tour de la comédie au drame et inversement. Certaines scènes sont même un condensé des deux : on ne sait pas trop si on doit plutôt rire ou pleurer.
Dans tous les cas, Home for Christmas est un film humaniste. Les différents personnages qui évoluent dans cette petite ville de Norvège ne cherchent finalement qu'une chose : passer Noël avec les gens qu'ils aiment. C'est ainsi que nous découvrons des personnages très différents mais motivés par cette envie de retrouver l'être ou les êtres proches : il y a Knut, ce médecin qui doit faire une intervention de dernière minute (un accouchement rocambolesque) alors qu'il souhaiterait passer cette soirée avec son épouse ; il y a Paul, ce jeune homme désespéré car il est séparé de sa femme et a fortiori qu'il ne peut plus voir ses deux jeunes enfants, il utilise un subterfuge pour le moins incongru mais parfaitement en lien avec la fête de Noël pour revoir ses enfants, il revient chez lui (d'où le titre Home for Christmas) sous les traits du père Noël ; il y a Jordan, ce clochard, star déchue du football, qui mendie pour pouvoir rentrer chez ses parents ; il y a Karin, une femme qui espère que l'homme marié qu'elle fréquente, Kristen, va quitter sa femme (normalement après Noël d'après ses promesses) ; il y a ces deux jeunes qui sont amis et qui viennent admirer innocemment les étoiles ensemble, ce qui donne un aspect poétique à ce film ; il y a cet homme âgé qui attend fébrilement le retour de son fils ; et enfin il y a ce couple serbo-albanais qui fuit son pays (leur home n'est pas en ex-Yougoslavie mais uniquement en Suède) car leurs parents n'acceptent pas cette union « illégitime ».
Chacun des personnages qui nous est décrit a des espoirs, des craintes mais surtout l'esprit de Noël veille sur eux. Même si les choses ne se passent pas forcément comme ils le souhaiteraient, tous vont voir leur situation se décanter lors de cette veille de Noël. Et puis il y a plusieurs personnages qui vont bénéficier de la gentillesse d'autrui : une femme qui accepte d'accueillir le clochard ou encore le médecin qui fait tout pour aider le couple de futurs parents, sont clairement les bons samaritains de l'histoire. Leur bonté fait vraiment chaud au cœur.
Mais le cinéaste Bent Amer s'amuse à régler le compte de certains personnages peu sympathiques : l'homme marié va comprendre à ses dépens qu'on ne joue pas avec les sentiments d'autrui (ah la scène avec l'écharpe !) et puis l'homme qui a supplanté Paul va lui aussi finir dans une situation très originale qui là encore évoque la nuit de Noël avec l'arrivée du petit Jésus. Avec cet humour si particulier, Bent Hamer donne un certain aspect léger à son film, ce qui permet de dédramatiser certaines situations qui sont pourtant à la base loin d'être marrantes.
Même si le film n'est pas d'une grande originalité car il s'agit avant tout d'un récit polyphonique autour de la fête de Noël, Bent Hamer peut se targuer d'une interprétation tout à fait convenable de ses acteurs et surtout d'un esprit marqué du sceau de la bonté. Aucun des personnages principaux n'est à blâmer et tout un chacun aspire à une amélioration de sa situation personnelle. Le médecin annonce par téléphone à sa femme qu'il souhaite un enfant d'elle et le couple yougoslave part à la recherche d'une terre accueillante, celle-ci étant rendue possible par ce beau rayon vert où tout semble possible.
Pour parachever ce film humaniste, Bent Hamer le termine avec cette très belle chanson Home for Christmas, qui donne envie de retrouver les siens.
Si ce long métrage n'est pas inoubliable, il reste un film tout à fait plaisant à regarder, et ce d'autant plus en cette période de Noël.

Titre du film : Mon pote

Réalisateur : Marc Esposito

Durée du film : 1h45

Date de sortie au cinéma : 1er décembre 2010

Avec : Édouard Baer (Victor), Benoît Magimel (Bruno), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Marc « Le cœur des hommes » Esposito, Mon pote narre l'histoire d'amitié entre Victor, le patron d'un magazine auto et Bruno, un taulard qui a pris pour plusieurs années de zonzon en raison d'un braquage qui a mal tourné. L'idée n'est pas inintéressante en soi mais son traitement rend l'ensemble du film complètement risible.
Dès le début, on sent que le cinéaste livre une histoire littéralement incroyable qui ne peut que laisser perplexe le spectateur. Comment croire en effet qu'un petit chef d'entreprise, à la tête d'une petite équipe, accepte de donner sa chance à une prisonnier juste sur une impression ? Franchement c'est difficilement crédible et malheureusement tout le reste du film va être du même acabit. Joué par Édouard Baer, Victor est un personnage certes sympathique mais dont les choix ont de quoi étonner. Comment penser par exemple qu'il trouve astucieux d'engager Bruno, alors dans un régime de semi-liberté, car « c'est idéal quelqu'un qui apprend le boulot avec nous. » Mais ce n'est pas tout. Victor se passionne pour le personnage de Bruno qu'il prend sans hésitation sous son aile. Ainsi, pour lui faire plaisir et exaucer l'un de ses rêves d'enfant, Victor lui permet de conduire une formule 1 à Magny Cours ! En bon « pote », Victor accepte d'héberger son nouvel ami pour une nuit. Mais il y a toujours plus fort dans ce film : Victor finit par aider Bruno sur un braquage lorsque ce dernier ne peut plus conduire provisoirement un véhicule. Avec une attitude aussi étonnante, non seulement on ne croit pas un instant à de tels choix, mais en outre on peut trouver le personnage de Victor ridicule par son aspect mielleux constant.
On est franchement plus proche d'un véritable nanar que d'une comédie dramatique.
Il faut dire que Benoît Magimel a lui aussi écopé d'un personnage proche de la caricature. Il n'y a aucune finesse dans le rôle de Bruno, ce prisonnier qui est finalement un bon bougre. Tout le monde apprécie Bruno, du surveillant de prison qui trouve que c'est mérité s'il sort aujourd'hui de prison à Victor qui lui apporte un soutien sans faille. Et puis évidemment la famille de Bruno (sa femme et son fils) reviennent vers lui comme si de rien n'était.
Bref, on peut faire n'importe quoi, il n'y a pas de souci. Le réalisateur Marc Esposito en arrive même à réaliser des scènes qui au mieux pourront amuser le spectateur, au pire pourront être considérées comme la preuve évidente que le film s'affranchit de toute morale. Par exemple, le personnage de Victor finit par être tout content d'avoir pu berner de dangereux criminels et il réussit également à feinter des policiers avec des arguments particulièrement grossiers. Peut-on pour autant considérer que le film fait l'apologie de la débrouille avec des personnages qui réussissent à s'en sortir en trompant des policiers ? Peut-être pas, mais le film est tout de même extrêmement maladroit dans son propos.
Malheureusement ce Mon pote n'est pas rehaussé par le jeu des acteurs qui apparaît peu crédible et vraiment assez peu inspiré. Édouard Baer campe un personnage bien peu crédible, à l'image de cette scène où il reste très calme alors que débarque chez lui un huissier ! Quant à Benoît Magimel, cet acteur vu dans plusieurs films d'auteur, est actuellement en roue libre après une interprétation loin d'être extraordinaire dans le film Les petits mouchoirs. Ici il essaie de jouer un taulard « gentil », affectif qui est apprécié de tous. Comme pour le personnage campé par Édouard Baer, on n'y croît pas trop. En fin de compte, ce duo d'acteurs qui est quelque peu à côté de la planque au niveau de l'interprétation finit presque par amuser le spectateur.
On est proche d'un nanar avec des situations incroyables, des dialogues d'une banalité affligeante, le tout agrémenté d'une musique doucereuse qui accroît le côté cul-cul du film. Dans ce monde merveilleux, tout le monde il est beau tout le monde il est gentil. Bruno est au fond un gentil garçon : tout le monde l'aime et il aime ses proches en retour.
Ajoutons à ce tableau peu réjouissant le fait que la mise en scène est d'une platitude incommensurable et l'on comprend aisément que Mon pote est à ranger dans la catégorie des films à oublier au plus vite.
Heureusement que certaines scènes sont involontairement drôles, sinon on s'ennuierait ferme. En tout cas, voilà un film que je ne conseille pas spécialement, à moins que vous souhaitiez vous marrer.

Titre du film : Laisse-moi entrer

Réalisateur : Matt Reeves

Durée du film : 1h52

Date de sortie au cinéma : 6 octobre 2010

Avec : Kodi Smit-McPhee (Owen), Chloe Moretz (Abby), Richard Jenkins (le père), Elias Koteas (le policier),etc.

Par Nicofeel

Remarqué en 2008 avec son film Cloverfield, Matt Reeves s'est vu confié le remake d'un film tout aussi récent, à savoir l'excellent Morse de Tomas Alfredson, récompensé dans de multiples festivals.
Si le cinéaste ne fait évidemment pas preuve d'une grande originalité pour l'occasion, heureusement il a l'idée de planter quelques différences avec l’œuvre originale. Ainsi, le film débute avec la mort du personnage censé jouer le père de la jeune vampire. C'est ensuite seulement qu'un flashback va dérouler une action très connue pour ceux qui ont déjà vu Morse.
Cependant, le cadre est différent puisque l'action du film se déroule au Nouveau Mexique (en 1983), soit dans le sud-ouest des Etats-Unis au lieu de la Suède. Évidemment, les prénoms ont été changés pour mieux cadrer avec le public américain. Le garçon s'appelle désormais Owen et la fille Abby. Ces jeunes acteurs sont d'ailleurs loin d'être des inconnus. En effet, Owen est interprété par Kodi Smit-McPhee qui a joué le rôle du fils dans La route de John Hillcoat et Chloe Moretz interprétant Abby a été vue cette année dans le survolté Kick-ass.
Matt Reeves inclut d'autres éléments qui sont des références bien connues pour le public ciblé. Ainsi, Owen porte un masque qui rappelle celui de Massacre à la tronçonneuse et il se retrouve à un moment donné à jouer à Pacman. Il y a aussi un côté hitchcockien avec Owen qui épie ses voisins.
Et puis Matt Reeves a la bonne idée de fustiger les Etats-Unis dans leur côté conservateur avec cette scène incroyable où les enfants prêtent allégeance au président des Etats-Unis (Ronald Reagan) et à Dieu.
En dehors de la première scène du film, d'autres se démarquent de l’œuvre originale : la scène où une femme infectée s'enflamme concerne désormais une infirmière et est beaucoup plus sanglante ; la deuxième tentative de meurtre du père supposé d'Abby est également dissemblable de la scène vue dans Morse ; même chose pour la scène où Abby est en danger durant son sommeil qui concerne cette fois un policier.
Malgré tous ces éléments, Laisse-moi entrer est décevant pour celui qui a déjà vu Morse. En effet, il faut bien reconnaître que les éléments évoqués ci-dessus représentent peu de choses dans le film. Matt Reeves s'est tout de même très fortement inspiré du long métrage d'origine et a livré un film quasi identique avec cette histoire d'un jeune garçon de 12 ans qui est maltraité par des camarades de classe et qui rencontre une jeune fille vampire. De nombreuses scènes consistent en de quasi copier-coller. Sauf que ces copier-coller reviennent à des scènes moins inspirées et fondamentalement moins bien jouées.
Kodi Smit-McPhee et Chloe Moretz ne sont pas mauvais. Ils sont même plutôt convaincants dans leurs rôles respectifs. Le problème est qu'ils n'arrivent pas à la cheville des acteurs jouant dans le film original le rôle d'Oscar et d'Eli.
Surtout, le film est beaucoup moins fin tant au niveau des dialogues qu'au niveau des diverses explications. La scène de fin est carrément trop explicite.
De même, la mise en scène est plutôt efficace mais elle est moins rigoureuse que dans Morse.
Finalement, pour apprécier pleinement Laisse-moi entrer (qui pour le coup traduit beaucoup mieux le titre original du film de base, plutôt que ce Morse), il est souhaitable de ne pas avoir vu Morse. En effet, Laisse-moi entrer ne tient pas la comparaison. Sans être un mauvais film, il constitue une œuvre où tout est moins bon que dans l’œuvre originale. En somme, ce film est parfaitement inutile, même s'il reste largement regardable.
Laisse-moi entrer va peut-être permettre en revanche à Matt Reeves de donner de l'élan à sa carrière et de faire de lui un gentil yes man à la solde d'Hollywood.

Titre du film : Scott Pilgrim

Réalisateur : Edgar Wright

Durée du film : 1h52

Date de sortie au cinéma : 1er décembre 2010

Avec : Michael Cera (Scott Pilgrim), Mary Elizabeth Winstead (Ramona Victoria Flowers), Jason Schwartzman (Gideon Graves), Kieran Cukin (Wallace Wells), Ellen Wong (Knives Chau), etc.

Par Nicofeel

Après sa parodie cultissime des films de zombies avec Shaun of the dead (2005) et son autre parodie sur les films d'action avec Hot fuzz (2007), Edgar Wright nous revient une nouvelle fois avec une parodie en forme d'hommage.
Cette fois-ci c'est un double univers qui est concerné : celui des super-héros (il faut dire qu'Edgar Wright adapte un comic-book) et celui des jeux vidéo. Pour donner une trame narrative à cet ensemble pour le moins original, Edgar Wright a donc choisi de faire évoluer son héros, Scott Pilgrim, dans un environnement belliqueux où, pour gagner le coeur de sa belle, Ramona Victoria Flowers, il va devoir se battre avec des adversaires extrêmement puissants.
Le début du film est assez prometteur avec ce Scott Pilgrim qui a l'air tout chétif (il est joué par un des acteurs très en vue actuellement, le sympathique Michael Cera, vu notamment dans Juno) et qui a des relations difficiles avec les filles. S'il n'a pas de mal à fréquenter des filles, il a beaucoup plus de mal à stopper la relation quand elle ne lui convient plus : c'est ainsi que ses camarades se moquent de sa relation avec une jeune chinoise, auquelle il n'arrive pas à mettre un terme. La vie de Scott Pilgrim est déjà mouvementée sur ce point, donnant au film un aspect de teen movie, mais elle l'est également parce que Scott Pilgrim fait partie d'un groupe très rock'n'roll.
Le film surprend dès le départ avec le logo d'Universal qui est présenté comme si l'on allait jouer à un jeu vidéo. C'est d'ailleurs l'ambition première d'Edgar Wright : faire de son film un hommage aux jeux vidéo, et plus particulièrement aux vieux jeux vidéo. On ne s'étonnera pas de constater que l'une des méthodes de drague de Scott Pilgrim consiste à évoquer le gentil glouton Pacman qui aurait dû s'appeler Pocman mais si l'on avait le p et qu'on l'aurait remplacé par un f, cela aurait constitué une insulte (fuck) aux Etats-Unis ! Tout le reste du film est du même acabit. Par exemple, le groupe de Scott s'appelle les Sex Bob-Omb, référence explicite aux ennemis de Mario (Bros).
Sans compter ces références littéraires, Edgar Wright a truffé son film d'éléments visuels rappelant les jeux vidéo : ainsi, il y a de nombreux bandeaux à l'écran et des voix off indiquant qu'un combat a lieu. On a même droit à des combos pour le moins curieuses qui sont acquises par Scott ; ce dernier gagne à un moment donné « le pouvoir de l'amour » et à un autre moment « le pouvoir de l'estime de soi ». Le film est plutôt intéressant sur ce point quand on fait la relation entre l'acquisition de ces pouvoirs et le fait que Scott est un jeune adulte qui apprend finalement ce à quoi correspond la vie.
D'autres éléments sont plus terre à terre comme de nombreuses onomatopées qui signifient des bruits (ding, dong), des coups qui sont démultipliés, rappelant clairement l'univers des jeux vidéo. Et puis il y a tout au long du film le fait que les 7 adversaires que doit combattre Scott (7 comme les 7 boules de cristal ?) se transforment en pièces une fait qu'ils sont tués, qui rappelle à l'évidence les « boss » de fin de niveau dans les jeux. Scott gagne à certains moments des « vie », ce que l'on voit dans certains jeux vidéo.
Bref, Edgar Wright en met un max à la vue de son spectateur ce qui au demeurant peut paraître sympathique mais finit clairement par lasser. Autant ces références aux comics et aux jeux vidéo sont amusantes pendant ½ heure voire 1 heure, autant sur un format d'1h52, cela a presque l'effet contraire. Les différents combats sont plutôt bien faits et sont très dynamiques. Mais ils sont extrêmement redondants et ces rappels incessants aux jeux vidéo ont plutôt tendance à fatiguer le spectateur.
Heureusement, les personnalités hautes en couleurs des différents personnages permettent de passer le temps et de rester concentré jusqu'au bout. Scott Pilgrim est un personnage atypique ; son colocataire (joué par un frère de Macaulay Culkin) est un homosexuel qui ne pense évidemment qu'à des hommes alors que Scott lui parle continuellement de filles ; la fameuse Victoria Ramona Flowers change tous les 10 jours de couleurs de cheveux et certaines scènes qu'elle a avec Scott rappellent l'excellent Eternal sunshine of the spotless mind ; le dernier adversaire de Scott, très cynique, est joué par un Jason Scwartzman qui en fait des tonnes et se révèle très drôle.
Au final, Scott Pilgrim est un film très référentiel, destiné avant tout à ceux que l'on nomme les geeks. Edgar Wright a mis en scène un film de fan pour des fans.
Pour les autres, le film peut s'avérer très redondant et donc assez long à regarder. Cependant, l'aspect libertaire du film et son côté atypique font de ce long métrage un divertissement plutôt agréable.

Titre du film : Welcome to the rileys

Réalisateur : Jake Scott

Durée du film : 1h50

Date de sortie au cinéma : 10 novembre 2010

Avec : Kristen Stewart (Mallory), James Gandolfini (Doug Riley), Melissa Leo (Lois Riley), etc.

Par Nicofeel

Produit notamment par Tony et Ridley Scott, Welcome to the rileys est un film du fils de Ridley. Pour autant, le film n'a rien à voir avec les films de son père et de son oncle. Et c'est finalement une bonne nouvelles, tant les frères Scott nous proposent actuellement des produits formatés.
A l'inverse, Jack Scott réalise un petit film américain qui se révèle intéressant tant par ses thématiques fortes que par une direction d'acteurs impeccable.
Ce film montre d'abord un couple d'une cinquantaine d'années, la fameuse famille Riley, qui est constitué de Doug et de Lois. On sent que ces deux-là n'ont plus grand chose à se dire que manifestement quelque chose de grave s'est passé, qui explique le fossé qu'il y a entre eux. Il n'est plus question de discussions entre ces deux êtres, et encore moins de sexe. Doug trompe (depuis manifestement un moment) son épouse et Lois, tel un mort vivant, ne sort jamais de chez elle et est bourrée de médicaments qui lui permettent d'éviter de se confronter avec la réalité. Ces deux personnes sont à la dérive.
Mais ce ne sont pas les seules. Le film nous brosse également le portrait d'une jeune femme, Mallory, une jeune stripteaseuse qui pour quelques dollars n'hésite pas à coucher avec des clients. De manière étonnante on retrouve dans le rôle de Mallory l'actrice Kristen Stewart, bien connue pour son rôle de Bella dans le film pour adolescents Twillight. Cependant, la présence de cette actrice n'est pas usurpée. Très peinturlurée, particulièrement vulgaire dans le film, Kristen Stewart n'hésite pas à écorner son image de star et elle est parfaite en tant qu'adolescente paumée, qui n'a ni argent ni famille et qui est en cruel manque de repères.
Le réalisateur Jake Scott va faire se rencontrer les différents personnages de cette histoire, faisant preuve au demeurant d'une grande finesse. Ne pouvant plus supporter le poids de cette vie qu'il assimile à une mort, Doug Riley profite d'un salon professionnel pour quitter provisoirement son épouse et se rendre à la Nouvelle-Orléans. C'est là qu'il rencontre Mallory, qu'il va aider, se voulant tout à la fois son protecteur mais aussi son père. Doug reprend avec plaisir goût à la vie avec cette jeune femme qui a quasiment l'âge de sa fille décédée dans un accident de voiture.
De son côté, Mallory, bien que rebelle, accepte de se faire à cette nouvelle vie et apprécie la présence de Doug.
Surtout, Lois prend conscience également de sa vie monotone et décide de rejoindre son époux. Cela donne lieu à plusieurs scènes très drôles, avec cette femme qui a peur de tout et qui a bien du mal à quitter son domicile. La scène où elle s'endort dans son garage ou encore celle où elle abîme la voiture donnent un aspect plus détendu à ce long métrage.
Principale thématique de ce film, la difficulté à faire le deuil de l'enfant perdu finit par être acceptée tant par Doug que par Lois. La présence de Mallory apporte une certaine sérénité à ce vieux couple mais permet surtout à ce dernier de faire preuve de résilience. C'est en parlant des choses telles qu'elles sont et en arrêtant de vivre dans le passé que la famille Riley peut redevenir une vraie famille. Evoquer les choses et reconnaître que l'on n'est pas coupable, que l'on n'a rien à se reproche permet de faire disparaître le trauma.
Le film est très intelligent car il ne joue pas pour autant les « bisounours ». Les relations entre les divers personnages sont difficiles, il y a parfois des heurts, mais ces gens savent pertinemment qu'ils ont besoin les uns des autres.
Décidément, les questions familiales sont au coeur de plusieurs films actuels. Après la famille factice de La famille Jones, c'est cette fois-ci la famille recomposée avec La famille Riley qui nous est proposée. La différence entre les deux films est que le second joue clairement sur un aspect humaniste car tous les personnages, malgré leurs défauts (adultère du mari, maladie psychique de l'épouse, adolescente qui se prostitue), sont des gens auxquels on s'attache assez rapidement. C'est la preuve que leurs caractères ont été bien étudiés et qu'ils ne sont nullement des caricatures.
Alors quand on voit que la distribution du film est de qualité, que l'histoire est forte et que la mise en scène est tout à fait appréciable, on comprend bien que Welcome to the rileys est un film à voir.
Surtout qu'il n'est pas fréquent qu'un même film fasse état (avec brio au demeurant) de deux éléments graves de notre société – la mort et la prostitution.

Titre du film : Mon babysitter

Réalisateur : Bart Freundlich

Durée du film : 1h34

Date de sortie au cinéma : 17 novembre 2010

Avec : Catherine Zeta-Jones (Sandy), Justin Bartha (Aram), etc.

Par Nicofeel

Réalisateur de certains épisodes de la série sulfureuse Californication comprenant un David Duchovny méconnaissable, Bart Freundlich était donc plutôt attendu lors de son retour (car il a déjà mis en scène des films, mais qui n'avaient pas été spécialement remarqué) au cinéma.
Eh bien le moins que l'on puisse dire est que Mon babysitter n'est pas le film qui devrait lui ouvrir de nombreuses portes. Bien au contraire. A plusieurs titres, ce film est proche d'être lamentable.
D'abord il y a un grand souci entre ce que le cinéaste espère faire de son film (une sorte de Californication en grand format) et le résultat effectif. En effet, il y a bien des références claires où l'on retrouve ce réalisateur de plusieurs épisodes de Californication. Le côté cash de plusieurs dialogues à tendance sexuel est plus que visible : « Touche à ma bite » ; « Arrêtez, les enfants, je ne suis pas devenu le roi du monde, j'ai seulement sauté votre mère ». Le problème est que dans un film grand public, à l'ambiance gentillette, de tels dialogues sont complètement incongrus. Au mieux ces dialogues tombent à plat, au pire ils sont révélateurs d'un mauvais goût certain.
Les raisons de ce sentiment d'échec résultent notamment d'un scénario qui a vraiment été très mal ficelé. L'idée de base : un jeune homme de bonne famille qui devient babysitter pour une femme d'une quarantaine d'années qui vient de quitter son mari volage, aurait pu éventuellement donner lieu à une réflexion intéressante sur notre société actuelle. Cela n'est nullement le cas. En fait, l'enjeu dramatique tombe rapidement à plat. Mais l'enjeu comique également car le scénario est débile au possible. On pourrait décortiquer l'intégralité du film et le jeter aux orties. On se contentera de quelques scènes bien révélatrices du manque flagrant d'efforts scénaristiques : Comment croire que ce jeune homme, Aram, refuse sur le plan professionnel des postes importants suite à des entretiens d'embauche concluants, pour rester simplement la nounou de deux enfants ? Comment imaginer que le premier rancard de Sandy, la mère des deux enfants, décide de sortir avec le premier venu, lequel va avoir l'idée ridicule d'aller dans des toilettes mobiles (pour ressortir débraillé), aussitôt après qu'il l'eut embrassé ? Le scénario est vraiment très mal ficelé.

Mais cela n'est pas la seule cause d'échec de ce film. Il y a aussi une direction d'acteurs qui est sans conteste aux abonnés absents. Le babysitter est joué par un Justin Bartha qui paraît bien transparent. Son personnage manque en plus clairement de nuances. Pour lui rendre la pareille, on retrouve dans le rôle de Sandy la belle Catherine Zeta-Jones. Capable d'intéresser le spectateur dans des comédies du style de Le goût de la vie, l'actrice est malheureusement complètement à côté de son sujet dans ce film. Son jeu n'est pas du tout crédible, particulièrement lorsqu'elle se lance des crises d'hystérie qui n'ont ni queue ni tête. Si on comprend sur le fond le fait qu'elle interprète une femme qui a été sous le joug de son époux et entend désormais se battre, la manière dont cette idée est amenée a de quoi laisser dubitatif.
Proche de la niaiserie la plus totale, Mon babysitter offre au spectateur un spectacle affligeant , avec des blagues qui n'arrivent même pas à faire rire tellement elles manquent singulièrement de finesse : « Jusqu'à récemment je m’apprêtais à passer le restant de mes jours avec une femme, ce qui ne veut pas dire que je veux passer ma vie avec un homme ! ».
Le manque d'ambition du film finit par le couler. Le scénario est prévisible et le seul enjeu dramatique qui a lieu vers la fin du film n'a pour but que de mieux rassembler le couple créé pour l'occasion. En somme, si dans le film tout est pour le mieux dans le meilleur des mondes, dans la salle obscure le spectateur n'est pas vraiment logé à la même enseigne. Il a bien du mal à se passionner pour ce long métrage qui accumule de manière très maladroite les lieux communs. Dans ces conditions, 1h34 paraît bien long.
Mon babysitter est donc clairement à éviter.

par Nicore

Si depuis deux mois on avait noté une certaine recrudescence de l'activité des éditeurs au niveau des genres nous intéressant ici, ce mois de nombre qui vient de se terminer aura été hélas bien plus calme, avec quand même l'événement crée par Wild Side et la parution et ressortie des meilleurs films de Dario Argento, tandis que les rééditions, notamment en Blu-ray continent et que quelques inédits sont venus éclabousser la fraîcheur automnale.

Pour ce qui est des titres déjà disponibles en DVD et désormais édités en Blu-ray, Sony aura eu la bonne idée de présenter le classique Evil dead, Warner l'amusant Peur bleue de Renny Harlin, tandis que de son côté M6 Vidéo se sera fendu des Blu-ray de l'excellent Vampires de John Carpenter et du controversé Emprise, tout en nous proposant comme vraie nouveauté le remake de The crazies,

Pour sa part, Universal Pictures se sera contenté des Blu-ray de Dead Silence et de La porte des secrets, Studio Canal aura profité de la sortie de Cold prey 2 pour rééditer le premier volet de la courte franchise du "slasher" nordique et Gaumont, outre l'intéressant Splice aura offert une édition Blu-ray à Les yeux sans visage, le classique de Georges Franju, tout en éditant un autre classique, La main du Diable de Maurice Tourneur.

Seul titre sorti ce mois-ci à être passé par la case "salles obscures", le nouveau Predators est désormais disponible grâce à 20th Century Fox qui en aura profité pour nous gratifier d'éditions regroupant la trilogie.

Passons rapidement sur les nouveautés d'Elephant Films aux titres guère engageants, entre Le sorcier macabre qui cache pourtant le remake de "Wizard of gore" et surtout Carnage-blood hunt, qui sent le "Z" à plein nez, tout comme le La fureur des gargouilles qu'a osé mettre en vente Zylo, pour nous intéresser à Emylia qui a encore fait fort ce mois-ci avec l'incroyable Mega Pirahna (présenté ici et critiqué là) et surtout Resurrection, "survival" original à la violence tant psychologique que graphique dont les éditions en DVD et en Blu-ray ont été mises en avant ici, alors que la critique est disponible là.

Un peu moins généreux, Seven 7 se sera limité à trois titres sans réelle ampleur, avec un Killing room pourtant réalisé par Jonathan Liebesman, Les messagers 2 que l'on attendait pas vraiment et un Shoot oriental intriguant, tandis que Action & Communication aura enfin sorti Lady blood, suite tardive et hélas presque inutile du sympathique Baby blood.

De son côté, l'éditeur E1 Entertainment aura proposé une alternative à son éprouvant Les 7 jours du Talion avec The tortured, ainsi que le remake Night of the demons, généreux et idéal pour les nostalgiques des années 90.

Et donc, Wild Side, occultant ainsi presque complètement la sortie de Hierro, l'île du mal, aura tenu promesse (malgré quelques choix aléatoires au niveau des formats) avec le retour tant attendu dans les bacs des meilleurs "giallo" du réalisateur italien Dario Argento, avec Le chat a neuf queues, Suspiria (pour désormais proposer un Blu-ray du film), L'oiseau au plumage de cristal, Ténèbres ou encore Phenomena, titre qui marqua pour beaucoup la fin d'une époque pour son auteur, tandis que le mythique Inferno est enfin disponible par chez nous pour une sortie tant attendue et espérée !

Donc, ce mois de novembre aura quand même été porteur de quelques bonnes surprises, en attendant ce dernier mois de l'année qui vient de commencer et qui on l'espère nous réservera des surprises juteuses ! Le rendez-vous est déjà pris pour vérifier le bien fondé de ces espérances au début de l'année prochaine !

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The crazies


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Predator : La trilogie / Coffret 3 DVD


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Le sorcier macabre


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Carnage : Blood hunt


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Mega piranha


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Resurrection


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Killing room


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Les messagers : Les origines du mal


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Shoot


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Lady Blood


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The tortured


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Night of the demons


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L'oiseau au plumage de cristal


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Phenomena


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Inferno - Collection Les Introuvables fnac


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Titre du film : Machete

Réalisateurs : Robert Rodriguez et Ethan Maniquis

Durée du film : 1h45

Date de sortie au cinéma : 1er décembre 2010

Avec : Danny Trejo (Machete), Michelle Rodriguez (Luz), Jessica Alba (Sartana), Robert de Niro (le sénateur McLaughlin), Cheech Marin (Padre Benito del Toro), Lindsay Lohan (April Benz), Jeff Fahey (Michael Benz), Steven Seagal (Torrez), Don Johnson (lieutenant Stillman), etc.

Par Nicofeel

Au départ Machete est une des fausses bandes annonces du programme Grindhouse (Boulevard de la mort, Planète terreur), mise en scène par Robert Rodriguez.
Le film dispose d'un synopsis de base des plus simples avec un homme, Machete, le meilleur policier mexicain, qui voit son épouse décapitée sous ses yeux et est ensuite considéré comme mort (voilà un début de film qui n'est pas sans rappeler Kill Bill de Tarantino). Trois ans plus tard, Machete est aux Etats-Unis et se retrouve accusé d'une tentative de meurtre contre un sénateur.
Voilà pour les premières minutes du film. Mais cela ne permet pas de juger de l'orientation du film. Car il faut savoir que dès le départ Robert Rodriguez a mis le paquet côté action. Tout commence par un pur flingage avec des gens qui se font mitrailler dans tous les coins et, bonus sur le gâteau, on a droit à une décapitation de plusieurs personnages par un 360 degrés assez hallucinant. Et quelle est l'identité de ce tueur ? Eh bien c'est tout bonnement le fameux Machete, incarné par l'acteur Danny Trejo qui est vraiment excellent dans le rôle. Danny Trejo, avec sa trogne très particulière (visage abîmé par le temps, cicatrices, tatouages) est sans conteste l'homme idéal.

Aux côtés de Machete gravitent de belles actrices aux allures hispaniques : Michelle Rodriguez, une femme qui prend fait et cause pour les immigrés mexicains qui tentent de réaliser leur « rêve américain » ; Jessica Alba qui travaille dans un service d'immigration et est censée renvoyer des personnes en situation irrégulière. Dans les faits, ces deux personnes, a priori totalement opposées, vont être du côté de Machete et donc in fine des Mexicains. Même s'il s'amuse beaucoup dans ce film, Robert Rodriguez prend tout de même manifestement fait et cause pour ces personnes immigrées, considérées tantôt comme de la main-d'oeuvre pas chère tantôt comme de véritables pestiférés.
Mine de rien, sans avoir l'air d'y toucher, Robert Rodriguez effectue un véritable pamphlet contre une politique d'immigration radicale ou en tout cas présentée comme tel. Il y a d'abord cette ahurissante bande promotionnelle du sénateur McLaughlin (excellent Robert de Niro qui incarne un politicien véreux, prêt à tout pour réussir et capable à tout moment de changer de camp pour sauver sa peau) où les immigrés Mexicains sont assimilés à des parasites et où les propositions de résorption d'immigration illégale sont pour le moins effarantes : installation d'une frontière électrifiée et absence de soins aux immigrants. Et puis certains exemples font vraiment peur comme ce moment où un flic à la frontière américaine se met à tuer une femme enceinte.
Et comment donner plus de poids au propos de Rodriguez qu'en faisant déclarer à Sartana (Jessica Alba) que la révolution des Mexicains est légitime : « C'est pas nous qui avons trahi l'Amérique, c'est l'Amérique qui nous a trahis ».
Le propos politique du film est évident mais il ne faudrait pas le sur-dimensionner. Car Machete est avant tout un film d'action débridé, complètement jouissif et fait avant tout pour faire plaisir au spectateur.
Et de ce côté-là, on n'est pas non plus déçu avec des scènes d'action sans discontinuer. Machete y va de son quota avec un nombre de meurtres incalculable. Et souvent ces meurtres se font dans une ambiance fun. Les marques d'humour sont bien présentes. Elles donnent lieu à des scènes amusantes (le meurtre des deux faux policiers dans la voiture), voire carrément à du grand n'importe quoi que l'on a vraiment pas l'occasion de voir dans d'autres films (l'intestin d'un homme qui sert à Machete de corde ! ; le sang d'un homme qui fait monter le niveau du thermomètre).
Côté amusement, les dialogues sont également bien sympathiques, même s'ils ne sont pas d'une grande finesse, à l'instar de ce prêtre, prenant des allures de Petit Jean contemporain, qui tue un ennemi en déclarant « Dieu va te pardonner, je t'envoie le voir ».
Rien ne semble arrêter Robert Rodriguez, et tout y passe. On a droit également à des scènes érotiques (qui sont peu nombreuses) qui sont purement gratuites et ne sont là que pour divertir le spectateur masculin, qui aura plaisir à voir Lindsay Lohan et celle qui joue sa mère dans le film, nues.
Car il va sans dire qu'un tel film est particulièrement viril. Si le scénario n'est pas forcément son point fort – quoique l'alliance entre un politicien véreux, quelques policiers bien facho et un haut magnat de drogue sont plutôt bien vues – Machete remplit haut la main sa mission de divertissement.
Muni d'acteurs charismatiques, d'un rythme endiablé et de scènes jusqu'au-boutistes, Robert Rodriguez réalise un spectacle tout à fait plaisant à regarder. On se surprend même à apprécier de retrouver des acteurs un peu « has been » tels que Robert de Niro et Steven Seagal, dans des rôles de méchants qui leur vont comme un gant.
Et puis Machete n'est peut-être qu'un début. En effet, comme l'a déclaré Robert Rodriguez, il s'agit du premier film de « Mex-ploitation ». Ce n'est peut-être pas un hasard si le film se termine en indiquant que Machete reviendra dans « Machete tue » puis dans « Machete tue encore ». Ce clin d'oeil n'est pas forcément innocent. Surtout qu'avec Danny Trejo on tient un acteur qui incarne brillamment ce fameux Machete : « Pourquoi je voudrais devenir une personne réelle alors que je suis déjà un mythe. »
To be continued...

par Nicore

Comédie douce-amère traitant d'un sujet grave, la prostitution adolescente, ce "Les babysitters" va pourtant choisir un ton parfois bien léger pour suivre l'ascension et la déchéance d'une demoiselle fondant un vrai réseau de prostitution sous couvert de baby-sitting, tout en trouvant un attachement à ses protagonistes et des séquences justes et même parfois émouvantes.
Le script va laisser Shirley, une adolescente "normale" être amenée à fonder un réseau de prostitution dans son lycée après avoir eu une aventure avec un homme marié dont elle gardait les enfants.

Dans son introduction le métrage va directement nous présenter son personnage principal, une adolescente nommée Shirley, entourée d'hommes et de jeunes filles pour une "party" sensuelle dont elle semblera diriger les ébats, la laissant en voix-off se présenter comme une jeune fille banale, faisant capable de faire des choses anormales, nous proposant alors de revenir en arrière pour découvrir son passif. Nous découvrirons alors une adolescente studieuse préparant les examens pour pouvoir aller en fac et s'apprêtant à faire du baby-sitting pour Mikey Beltran et sa femme Gail.

La rencontre de cet homme plus mûr ne va pas laisser Shirley indifférente, celle-ci tombant apparemment tout de suite sous le charme de son nouvel employeur, et lorsque, après que Shirley ait gardé les enfants et même fait du ménage chez le Beltran, Mikey va, en la ramenant chez elle, lui proposer de s'arrêter prendre un café et manger un morceau, elle va accepter. La conversation qui en découlera montrera bien l'attirance de Shirley pour Mikey et après que Mikey ait emmené sa baby-sitter voir des vieux trains, un concours de circonstance va les pousser l'un dans les bras de l'autre sans que cela n'aille trop loin.

Chacun va après reprendre sa vie, sans pour autant oublier ce qui s'est passé ce soir-là, et lorsque par hasard Shirley va retomber sur les Beltran, ce sera pour se voir proposer une nouvelle soirée de baby-sitting qui s'achèvera par une première relation amoureuse pour Shirley, dépucelée par Mikey, celle-ci acceptant l'argent donné par son amant. Mais Mikey, certainement désireux de parler de cette expérience appelée à bouleverser sa vie, va l'évoquer à son meilleur ami qui lui demandera si Shirley n'aurait pas dans ses relations lycéennes une baby-sitter dans son genre. Shirley la trouvera en la personne de sa meilleure amie, Melissa, qu'elle va enrôler dans ce qui va devenir un véritable trafic puisque les demandes vont affluer chez Shirley qui va devoir employer plusieurs filles de son lycée, prenant à chaque fois un pourcentage sur les rendez-vous et organisant les plannings.

La suite de l'intrigue va suivre l'ascension du réseau de Shirley, qui culminera lors d'un week-end organisé dans le chalet de l'un des clients et réunissant les filles et les hommes à qui elles accordent leurs faveurs (reprenant ainsi la scène de l'introduction), mais tout en suivant l'attachement de Mikey pour Shirley dont il sera véritablement amoureux et tandis que l'une des filles voudra tout arrêter, sonnant ainsi le début de la chute du petit empire de Shirley jusqu'à ce final nous réservant une surprise quelque part attendue mais bien immorale mais faisant ouvrir les yeux à Shirley sur ce qu'elle a fait.

Malgré son sujet, le métrage ne versera presque jamais dans un quelconque érotisme douteux pour au contraire rester souvent évasif sur les passages "hot" et ainsi préférer s'intéresser à ses protagonistes qui vont occuper le terrain de manière effective et souvent attachante pour suivre les dérives de ces jeunes filles attirées par l'argent et ne se rendant pas forcément compte de la gravité de leurs actes, tandis que leurs clients vont afficher des personnalités bien différentes et participant largement à l'humour du métrage, tandis que ce Mikey restera à part puisque cet homme n'ayant pas vraiment mûri complètement va tomber littéralement sous le charme de la jeunesse de Shirley.

Car en effet l'intrigue va se réserver bien des passages lorgnant du côté de la comédie sarcastique, égratignant au passage un certain mode de vie américain qui cachera bien des vices derrière une bienséance de façade, tout en laissant aussi des situations purement lycéennes venir se mêler à l'ensemble sans pour autant faire sien cet humour potache qui aurait dénoté dans le contexte. Cela va certes masquer en partie la gravité du propos du film, mais on pourra compter sur plusieurs séquences pour nous ramener à la réalité de ce trafic, lorsque l'une des filles va vouloir fonder son propre réseau ou encore avec les remords et la volonté de tout arrêter de l'une des participantes, mais bien entendu, ce sera ce final acerbe qui va œuvrer le plus dans ce sens.

L'interprétation est convaincante, portée par une Katherine Waterston peut-être un brin trop inexpressive mais en tout cas souvent remarquable dans son rôle de maquerelle dominatrice, ce qui contrastera avec sa présentation initiale, tandis que la craquante Lauren Birkell flambera pour interpréter Mélissa, la meilleure amie de Shirley, laissant John Leguizamo camper un Mikey avec justesse et précision. La mise en scène du réalisateur est adaptée, sans effets de style inutile pour au contraire parvenir à laisser passer les émotions des personnages.

Donc, ce "Les babysitters" illustrera avec un humour précis et jamais potache son sujet grave traité ici de manière humaine et dérivant vers une critique piquante de la classe moyenne américaine !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur les éditions DVD et Blu-ray proposées par Emylia, une présentation est disponible ici !

The babysitters (Blu-ray)


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The babysitters


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par Nicore

Malgré son sujet d'une réelle gravité, la prostitution adolescente, ce Les babysitters va adopter un ton de comédie sarcastique douce-amère sur fond de film lycéen mais sans heureusement jamais sombrer dans l'humour potache, pour un film n'étant pas passé par la case "salles obscures" et qui débarque donc directement chez nous en DVD et en Blu-ray sous l'égide de l'éditeur Emylia.

Le script va laisser une lycéenne aux apparences communes monter un réseau de prostitution sous couvert de baby-sitting.

Après un démarrage sous forme de comédie romantique avec cet amour "impossible" entre une adolescente et l'homme l'employant pour faire du baby-sitting, l'intrigue va gentiment dériver vers une gravité de fond qui ne va pourtant pas s'étaler sur l'écran puisque le métrage va continuer à avancer des situations parfois souriantes, mais aussi largement ironiques pour fustiger les comportement d'une certaine classe américaine qui sous couvert de bienséance va s'adonner au vice et à le perversité, le tout en attachant une importance capitale et adaptée aux différents protagonistes qui vont venir se mêler à ce réseau de prostitution adolescente dont nous suivrons l'ascension et le déclin.

L'édition DVD proposée par Emylia proposera une image en 1.78 (16/9 anamorphique) pour une bande-son en français en DD 5.1 et en anglais sous-titré en français en DD 5.1 et en DTS. Au niveau des bonus, on pourra suivre un sympathique making-of, hélas en anglais non sous-titré.
Le Blu-ray du film avancera aussi une image en 1.78 (AVC 1080p/24) pour une bande-son en français et en anglais en DTS HD 5.1., avec le même bonus en supplément.

Donc, depuis le 2 décembre, il nous est possible d'apprécier cette comédie qui aura le mérite de pointer du doigt un thème sérieux avec un humour adapté et une intrigue riche en rebondissements !

The babysitters (Blu-ray)


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The babysitters


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Titre du film : The door
Réalisateur : Anno Saul
Durée du film : 1h39
Date de sortie au cinéma : inconnue (film diffusé en avant-première au festival du NIFFF 2010)

Avec : Mads Mikkelsen (David), Jessica Schwarz (Maja), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Anno Saul, The door est arrivé au festival du film fantastique de Neuchâtel nanti du Grand prix du festival de Gérardmer. Est-ce mérité ? Eh bien oui. Et pourtant, au départ on s'attend à regarder un film fantastique ou un drame mâtiné de fantastique tout à fait quelconque.
Dès le générique du film, on voit un beau papillon. Le cinéaste fait un raccord directement avec ce qui va arriver puisque l'on voit un peintre, David, qui trompe sa femme, ce qui va l'empêche de surveiller sa petite fille, laquelle va se noyer accidentellement en faisant une chasse aux papillons. Dès lors, la vie de David est brisée et il se sépare de sa femme. C'est alors que toute l'originalité du film commence à jouer. On se situe 5 ans après le drame. Après avoir manqué de se suicider, David trouve une porte étrange en suivant la trace d'un papillon, qui le ramène juste avant le drame.
L'intérêt premier du film est de se demander si l'on n'est pas dans un long métrage à la Shyamalan avec une histoire de fantôme. Ou alors peut-être que David est déjà mort ? Ou peut-être qu'il rêve de pouvoir revivre les mêmes événements, mais en changeant cette fois-ci le cours de l'histoire ?
Eh bien non c'est encore autre chose car David est visible aux yeux de tous et il ressent la douleur, notamment lorsqu'il est renversé par un camion. Le plus étonnant est que l'on voit rapidement que David est un nouveau David (ou plutôt un David qui a 5 ans de plus) puisqu'il se retrouve aux prises avec son double. Il doit donc l'éliminer pour rester dans ce « monde parallèle ». Le film dispose donc d'un scénario bien torturé et qui pose des questions sur le plan moral. En effet, alors qu'il rêve de se donner une deuxième et de s'offrir ainsi une sorte de rédemption, David commence dans ce nouveau monde par un meurtre.
Le film joue au demeurant sur plusieurs oppositions : il y a d'un côté le nouveau David et l'ancien David (à tous points de vue, aussi bien au niveau de l'existence de deux personnages différents que dans le changement de ligne de conduite de David) ; il y a les couleurs chaudes et le soleil qui accompagne tout cela quand David est avec sa famille et les couleurs froides quand David est seul en hiver.
Le film est intéressant également devant les doutes de la fille de David qui pense qu'il n'est pas son père mais lui trouve une réponse originale aux interrogations de sa fille (« je suis comme ton papa, mais en mieux »). Les nouveaux rapports de David avec sa femme ainsi qu'avec ses amis ne manquent pas non plus d'intérêt. Ajoutons à cela que pour pimenter l'histoire, il y a d'autres doubles qui peuvent apparaître (en franchissant la porte) et on comprend aisément que le film est plus que plaisant à suivre.
Surtout que les deux acteurs principaux sont très convaincants, Mads Mikkelsen (vu dans Le guerrier silencieux, Valhalla rising) joue parfaitement le rôle de cet homme détruit psychologiquement qui cherche à obtenir une seconde chance et Jessica Schwartz est très bien dans le rôle de Maja, son épouse dans le film.
Au final, voilà un film fantastique bien intrigant qui bénéficie de plusieurs atouts : un scénario bien pensé, de bons acteurs et une belle photographie. Bref, voilà un film à voir.

parNicore

Malgré ses allures de "survival" basique, ce Resurrection va réussir le tour de force de parvenir à surprendre, à intriguer et à créer une véritable tension tout en n'hésitant pas à verser dans la violence sèche et sanglante quand il le faudra.
Le script va laisser deux couples partis faire du camping et du quad en forêt devoir faire face aux autochtones dégénérés après un incident qui va modifier radicalement le déroulement de leur séjour.

Après un générique accrocheur, le métrage va se lancer dans la présentation de ses quatre personnages principaux, deux couples, Sam et Kat accompagnés de Tommy et Lucy, en route pour un parc national afin de pouvoir y camper et faire du quad. Mais perdus, ils vont demander leur chemin dans un drugstore faisant également office de station-service, mais contrairement à ce qu'on pouvait attendre, ce sera gentiment et sans arrière pensées qu'ils seront renseignés par Cody, un gars du coin à l'allure presque patibulaire mais qui se montrera aimable et serviable. Le premier avertissement aura lieu lorsque Sam, au volant, va manquer d'écraser deus gamins restés en plein milieu de la route, déclenchant la fureur d'un homme qui sortira nu de chez lui armé d'un fusil, mais il n'aura pas à tirer puisque les jeunes vont déguerpir sans demander leur reste.

Cette première alerte aura lieu dans un village crasseux et avancera d'entrée un aspect glauque et repoussant pour ces habitants ruraux bien opposés au style urbain des deux couples dont l'intrigue va se charger ensuite de nous les rendre sympathique en approfondissant la présentation de manière naturelle, bien éloignée de tout les stéréotypes d'usage, créant ainsi un lien entre ces protagonistes et le spectateur avec des réactions bien normales suite à l'annonce de l'attente d'un bébé pour une Lucy prête à se marier avec Tommy, ce qui ne sera pas pour plaire à Sam, en fait le frère de Lucy et qui verra d'un mauvais œil l'avenir de sa sœur entre les mains de ce Tommy à la situation professionnelle et financière plus qu'incertaine.

Mais le métrage ne va pas pour autant faire traîner les choses et ce sera au cours d'une balade en quad au cours de laquelle Sam va se défouler que les ennuis vont commencer. En effet, s'étant perdus Sam et Tommy vont aller quémander de l'aide après avoir repéré une cabane à moitié délabrée. Ils seront reçus de manière mitigée et presque haineuse par un homme qui sortira lui aussi avec un fusil en main mais qui va se contenter de leur faire comprendre qu'ils n'ont rien à faire chez lui et se proposera quand même de les renseigner. Mais il n'aura pas le temps puisque va débarquer un second personnage, plus jeune et visiblement ivre, qui va faire monter la pression en se montrant aussi agressif que violent, mettant même en joue les deux touristes et après un concours de circonstances qui montrera bien que tout peut déraper en un millième de seconde, tommy va lui tirer dessus, le blessant mortellement à la gorge.

Ce sera la début d'une traque à travers bois, l'homme voulant venger la mort de celui tué par Tommy, mais finalement ce sera vers Lucy et Kat restées seule qu'il va se rabattre, bientôt rejoint par d'autres, tout aussi dangereux, pour un petit jeu au caractère humiliant et sexuel pour la malheureuse Kat. Ensuite l'intrigue va poursuivre dans la voie du "survival", non sans nous avoir réservé quelques surprises parfois perfectibles, mais en s'attachant d'une part à bien mettre en avant l'antagonisme existant entre les touristes et ces autochtones lassés de voir arriver sur leurs terres des citadins irrespectueux, et de l'autre en avançant un caractère sectaire pour ces habitants écoutant et obéissant à un pasteur radical au discours flirtant avec l'extrémisme.

L'intrigue arrivera donc à placer ici ou là des surprises de taille, ne laissant pas ainsi le spectateur parvenir à anticiper l'ordre dans lequel certains protagonistes vont mourir, mais ce sera toujours d'une manière graphique que les mises à mort vont s'imposer dans une violence sanglante avérée et qui fera même parfois très mal, tout en ne jouant jamais avec une surenchère qui de toutes façons n'aurait pas eu sa place dans le contexte brutal et froid du métrage qui va même imposer une dimension psychologique forte et sordide à certains des méfaits causés par ces habitants vivant reclus sur eux-mêmes et refusant l'autorité incarnée par ce shérif trop curieux.

Les personnages seront donc crédibles et suffisamment travaillés pour générer une certaine empathie de la part du spectateur, ce qui rendra bien entendu les souffrances et les coups reçus encore plus marquants et effroyables, tandis que les mises à mort prendront un caractère odieux et vil. L'interprétation suivra heureusement avec de jeunes acteurs impliqués et naturel dans leur jeu sans surjouage ou excès pour ceux incarnant les dégénérés, tandis que la mise en scène du réalisateur est efficace, dynamique pour donner un rythme vif à l'ensemble, sans pour autant céder aux effets clippesques à la mode. Les effets spéciaux sont probants pour verser dans un gore franc et brutal mais sans exagération inutile.

Donc, ce Resurrection s'avérera être une excellente surprise que l'on attendait pas avec cette manière hardie et originale d'appréhender le "survival" sans sombrer dans les clichés d'usage !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur les éditions françaises en DVD et en Blu-ray proposées par Emylia, une présentation est disponible ici !

Titre du film : La famille Jones

Réalisateur : Derrick Borte

Durée du film : 1h36

Date de sortie au cinéma : 17 novembre 2010

Avec : Demi Moore (Kate), David Duchovny (Steve), Amber Heard (Jenn), Ben Hollingsworth (Mick), Gary Cole (Larry), Glenne Headly (Summer), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Derrick Borte, La famille Jones est une comédie qui, sous ses dehors extrêmement drôles et détendus, procède en une critique virulente de la société américaine actuelle.
Le film part d'une idée de base pour le moins incongrue, qui va pourtant lui permettre de donner progressivement toute sa pleine puissance. On voit au début du film une famille qui emménage dans une ville, et précisément dans l'un des quartiers riches de la ville. Steve Jones, le père, Kate, la mère, leurs enfants adolescents Mick et Jenn se présentent comme une famille modèle. Sauf que dans les faits la famille Jones n'existe pas. C'est un procédé utilisé par une société pour disposer de vendeurs qui vont pouvoir se rendre proches de la population et ainsi vendre indirectement d'autant plus facilement les produits qu'ils déclarent posséder.
Le réalisateur Derrick Borte tient là un sujet en or massif qu'il ne va pas se gêner d'utiliser, et ce à bon escient, pour mettre à jour des pratiques qui font clairement penser à la société américaine contemporaine.
Ainsi, le film devient une critique de la société de consommation avec des gens prêts à acheter tout et n'importe quoi, du moment qu'il s'agit de la dernière nouveauté du moment et qu'elle paraît intéressante pour se montrer ou tout simplement pour satisfaire des besoins futiles. Le film est impitoyable sur ce point avec des gens – aussi bien des adolescents que des jeunes – qui sont facilement influençables et sont prêts à faire des achats compulsifs. Ce sont ces mêmes achats censés permettre aux gens de se différencier qui vont au contraire les uniformiser puisqu'ils achètent tous les mêmes produits. Le film montre de façon évidente que le pouvoir de la mode est tenace et que le besoin d'ETRE quelqu'un passe bien souvent par une copie de l'autre. On est complètement dans un monde d'illusions.
Et ce d'autant plus que cette famille Jones n'existe pas. Elle ne correspond qu'à une méthode de vente qui s'apparente à de la manipulation car les acheteurs potentiels sont influencés par les propos des membres de cette famille. On assiste finalement à une american way of life qui est imposée, standardisée. Et les vendeurs sont eux-mêmes briefés en permanence puisqu'on leur communique leurs chiffres de vente, les invitant à redoubler d'efforts si les chiffres ne révèlent pas une amélioration sensible des ventes.
Le film pointe également du doigt un système capitaliste où des vendeurs sont prêts à tout pour vendre des produits, quitte à s'inventer une fausse identité et à devenir de faux amis de leurs voisins de circonstances.
Surtout que ces vendeurs ne sont finalement que des personnages lambda qui ont comme tout le monde des qualités et des défauts. Ainsi, le père est un « vieux » célibataire, ancien chaud lapin ; la mère est une ambitieuse qui est très calculatrice dans ses faits et gestes ; le fils est gay et la fille est nymphomane. Alors certes les traits de caractères peuvent apparaître quelque peu forcés mais le but est de signifier que derrière son côté lisse, la fameuse famille Jones a beaucoup de choses à se reprocher. On comprend d'autant plus que tout cela risque d'exploser un jour ou l'autre.
L'interprétation dans le film est de très bon niveau alors que les acteurs sont soit inconnus soit pas forcément reconnus comme étant de grands acteurs. Et pourtant David Duchovny est excellent dans le rôle de ce faux père de famille qui au départ a beaucoup de mal à bien vendre en raison des cas de conscience que ça lui pose ; Demi Moore n'est pas moins remarquable en femme déterminée qui cache pourtant une sensibilité certaine. Quant à Amber Heard et à Ben Hollingsworth, ils campent avec brio ces adolescents qui sont comme leurs faux parents bien décidés à faire consommer leurs camarades de classe.
Bien qu'étant dominé par un ton résolument humoristique, La famille Jones traite de choses très sérieuses et en vient même à la fin à virer au drame avec l'exemple de cet homme qui, souhaitant lui aussi tout jouer sur le paraître, a vidé le compte de sa famille et a choisi de se suicider, ne sachant plus quoi faire pour s'en sortir. N'est-ce pas là une évocation des gens qui se mettent dans des situations pour le moins délicates avec des risques de surendettement ?
Malgré tout, La famille Jones n'est pas le film parfait. La mise en scène ne comporte rien d'exceptionnel. On a souvent affaire à de simples champs – contre-champs qui laissent entendre que le cinéaste a plus été à l'aise dans la transcription de son scénario et dans la direction d'acteurs.
Ce léger défaut mis à part, le film demeure prenant de bout en bout. Il n'est pas si courant dans une comédie américaine d'assister de manière aussi pertinente à l'envers du décor du rêve américain. On peut même aller plus loin. En faisant rêver les gens sur quelque chose qui n'existe pas, on crée une société sur du vide. Et surtout en « formatant » les gens de cette façon, on obère leur capacité de penser, ce qui peut avoir des conséquences particulièrement désastreuses.
En somme, c'est peut-être le côté extrêmement caustique du propos qui a amené le réalisateur à mettre un peu d'eau dans son vin (ou tout simplement ses producteurs l'ont invité à le faire) en choisissant un happy end. Après tout, la fin du film semble rappeler que le cœur a ses raisons que la raison ignore et même dans un monde dominé par les notions d'argent, de profit, les notions humaines existent.
Au final, La famille Jones n'en reste pas moins dans sa globalité un film extrêmement intéressant.

par Nicore

Produit par "The asylum" pour surfer sur la sortie du remake de "Piranhas" réalisé par Alexandre Aja, ce Mega Piranha va de manière décomplexée dérouler une intrigue typiquement de la firme, mêlant action pure à la présence de ces piranhas grandissant au fil du récit pour un résultat fun et doté d'un humour au second degré parfois croustillant.
Le script va laisser des piranhas issus de manipulations génétiques proliférer dans une rivière du Venezuela, menaçant même de gagner l'océan et les côtes américaines.

Après une entame classique avançant une première attaque presque saignante, le métrage ne va pas tarder à lancer son intrigue grâce à une seconde agression de la part de ces piranhas pour l'instant de taille "normale" qui vont s'en prendre à un petit bateau transportant l'ambassadeur américain au Venezuela ainsi qu'un ministre local, alors que ceux-ci s'amusaient (tout en discutant politique !) en compagnie de charmantes demoiselles et bien entendu d'un peu d'alcool pour une fiesta vite stoppée par les poissons carnivores qui vont littéralement dévaster le bateau.

Ce drame va mettre en alerte le gouvernement américain qui va croire en première intention à une attaque terroriste ou encore à un assaut de l'armée vénézuelienne, dépêchant donc sur place un agent de l'armée, Jason Fitch, pour enquêter. Mais ce dernier, à peine arrivé sur place, va rencontrer Sarah Monroe, une scientifique à l'origine de la mutation des piranhas qui va essayer de l'alerter du danger. Bien entendu, Fitch ne la prendra pas au sérieux et va aller rejoindre les militaires locaux pour aller sur les lieux du drame ce qu'il en retourne. Le métrage mettra tout de suite en évidence l'animosité régnant entre Fitch et ses homologues du cru amenés à l'escorter, dans une caricature de militaires de pays dictatoriaux qui ne fera que se confirmer par la suite.

Devant la mauvaise foi du chef des soldats qui vont le flouer dans son enquête et même le cantonner dans leur base, Fitch va s'échapper pour aller véritablement mener son enquête et bien entendu subir une attaque des piranhas qui auront déjà grossi depuis leur dernière apparition. La suite de l'intrigue va multiplier les rebondissements avec d'abord une prise de conscience de la part des autorités vénézuelienne du danger (grâce à l'intervention de Fitch qui va leur ramener un spécimen bien plus gros que la moyenne) qui va déclencher une attaque massive destinées à détruire les poissons carnivore, mais sans y réussir pour alors laisser des développements résolument tournés vers l'action pure avec poursuites entre Fitch, bientôt rejoint par Sarah et ses deux collègues, et les soldats vénézueliens, bagarres, tandis que pendant ce temps-là, les piranhas vont continuer leur mutation et grandir encore et encore, pour bientôt se mettre carrément à attaquer les ports, sautant directement dans les bâtiments pour chercher leur pitance, avant de se propager jusqu'aux côtes et menacer la Floride.

Au milieu de tout cela l'armée américaine va elle aussi intervenir, sous-marin et navires de combat à l'appui, épaulant Fitch dans sa lutte contre les poissons mais aussi contre les vénézuéliens, avec des idées saugrenues mais radicales pour stopper leur progression, mais ce sera bien entendu Fitch qui va trouver une solution toute simple au problème et qui va occuper le dernier acte du film pour ainsi clôturer le métrage sur une happy end largement attendue malgré la volonté du réalisateur de faire douter quant à l'issue finale de ce combat entre humains et piranhas.

Comme à l'accoutumée, cette production "The asylum" portera les stigmates typiques des métrages issus de la firme, avec ces effets spéciaux en CGI quand même régulièrement mitigés pour animer ces piranhas de manière bien visible, cette profusion de détails martiaux et militaires pour tenter de nous faire croire à une production bien plus argentée qu'elle ne l'est en vérité tandis que les personnages demeureront caricaturaux au possible mais leurs réparties seront de manière régulière savoureuses au sein d'un humour au second degré qui on l'espère aura été placé volontairement pour faire sourire le spectateur.

Mais au milieu de ces protagonistes sans réelle saveur, les vraies vedettes du film seront franchement les poissons carnivores qui en plus d'être très agressifs, vont grossir de manière démesurée jusqu'à devenir carrément des monstres marins capables de gober des hélicoptères, en plus de s'attaquer aux immeubles côtiers et autres bateaux militaires, sans pour autant négliger quelques attaques directes sur les personnages, le métrage nous rejouant même le coup de " Peur bleue" dans un clin d'œil évident. Car il faudra les voir, ces bestioles nageant en sortant de l'eau ou littéralement sauter dans les airs pour attaquer, nous réservant au passage quelques surprises amusantes et qui bien que complètement improbables feront passer agréablement le temps.

L'interprétation est ici cohérente, dominée par un Paul Logan fidèle à lui-même, tandis que la mise en scène du réalisateur sera ici efficace pour donner du rythme à l'ensemble, en ne s'attardant pas sur les situations pour tout de suite rebondir sur la prochaine situation chargée d'action, et ce même si les effets de style clippesques ne seront pas toujours gracieux et justifiés, pour parfois même réussir à brouiller la lisibilité de certaines séquences, notamment lors des attaques des piranhas. Les effets spéciaux sont mitigés, avec donc un emploi du numérique souvent bien visible mais pur autant, les piranhas auront de la "gueule" pour assurer un spectacle qui ne sera par contre pas spécialement sanglant.

Donc, ce Mega Piranha restera un bon petit divertissement, léger, dynamique et souriant dans ses situations énergiques et sans connaître le moindre temps mort !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur les éditions DVD et Blu-ray du film proposées par Emylia, une présentation est disponible ici !

Titre du film : Kaboom

Réalisateur : Gregg Araki

Durée du film : 1h26

Date de sortie au cinéma : 6 octobre 2010

Avec : Thomas Dekker (Smith), Haley Bennett (Stella), Juno Temple (London), Roxane Mesquida (Lorelei), Chris Zylka (Thor), James Duval (le messie), Kelly Lynch (Nicole), etc.

Par Nicofeel

Considéré comme un des réalisateurs américains actuels les plus trash, Gregg Araki revient avec Kaboom à ses premières amours. Exit le drame façon Mysterious skin et la comédie potache façon Smiley face.
Kaboom donne singulièrement l'impression d'être un gros délire, filmé sous acide. Le spectateur connaisseur des premières œuvres d'Araki est un terrain connu, peut-être même un peu trop car les références à Nowhere et The doom generation sont explicites.
Ici, comme dans tous ses films, Gregg Araki traite de la jeunesse américaine qui apparaît vraiment complètement paumée, en perte totale de repères.
La première preuve de la difficulté de ces jeunes de se raccrocher à des normes clairement établies est l’ambiguïté sexuelle qui se dégage tout au long du film avec des personnages qui se couchent tous les uns avec les autres. Le principal protagoniste, Smith, donne au départ l'impression d'être homosexuel puisqu'il flashe sur son colocataire, le beau blond mais un tantinet débile Thor (qui rappelle le blond de Splendor, du même Araki), mais dans le même temps il couche avec la blonde London, toujours ouverte à une relation sexuelle. Le personnage de Smith tente même de stabiliser sa relation lorsqu'il souhaite être avec London pour autre chose qu'un simple plan baise.
D'autres personnages sont du même acabit avec certaines personnes à tendance bi-sexuelles. Et puis même lorsque l'orientation sexuelle est bien établie, à l'instar de l'amie de Smith, Stella, qui est une lesbienne assumée ou de sa copine du moment Lorelei, le couple demeure très fragile.

Kaboom va jusqu'à nous narrer une expérience à trois qui est parfaitement en phase avec le reste du film. Le sexe devient une sorte d'exutoire, une façon d'oublier tous les problèmes quotidiens. C'est par exemple le cas de London qui souhaite instamment coucher avec Smith car elle est stressée en raison d'un examen qui est proche et a donc besoin de se détendre. On notera au passage que trois des personnages du film, à savoir Smith, London et Lorelei sont véritablement assoiffés de sexe et sont du coup capables d'épuiser leur partenaire. Pour preuve, ce dialogue savoureux de Stella qui déclare à Lorelei qu'elle n'en peut plus et que si ça doit continuer comme ça, son « minou va exploser ». Les dialogues du film sont au demeurant particulièrement provocateurs, avec des propos sexuels on ne peut plus clairs. Mais tout cela se passe sur un ton très drôle, comme lorsque Smith parle de son sexe en évoquant le terme de « tuyauterie » ou lorsqu'il a une terrible envie d'aller aux toilettes et qu'il déclare qu'il a « envie de pisser comme une femme enceinte ».
Smith est du reste le symbole de cette jeunesse désorientée. A lui tout seul il est un paradoxe : d'un côté il est toujours prêt à coucher aux gens qui s'offrent à lui ; d'un autre côté il cherche à stabiliser ses relations sur le plan sexuel.
La deuxième difficulté de cette jeunesse américaine de se raccrocher à des normes est ce besoin essentiel de quitter le monde réel de manière provisoire en allant à des fêtes, en buvant de l'alcool, en fumant des drogues douces ou encore en mangeant des space cookies. C'est d'ailleurs en mangeant des space cookies que Smith a des hallucinations ou peut-être tout simplement des rêves prémonitoires. Sur ce point, le film demeure extrêmement mystérieux, laissant la part belle à tous types d'interprétations par le spectateur. Avec une mise en scène inventive et adaptée à son sujet par l'utilisation de floutages et de flashbacks, le côté rêve est clairement mis en avant. Est-ce que tout ce qui arrive à Smith est bien réel ou est-ce le résultat de délires quasi paranoïaques ? Cette ambiance lynchienne (le cinéaste s'est d'ailleurs déclaré très influencé par la série Twin peaks de David Lynch) n'est pas sans rappeler l'excellent Mysterious skin de Gregg Araki. Mais ici, si le fond est sérieux, la manière de le raconter ne l'est pas du tout.
Gregg Araki continuer d'explorer des thèmes qui lui sont chers avec la thèse du complot, du kidnapping (qui fait penser au kidnapping par des extraterrestres dans Nowhere du même Araki) ou encore des sectes. Le côté paranoïaque qui parcourt tout le long du film donne une ambiance vraiment étrange à Kaboom. Quel est le lien de cette jeune fille rousse qui a été kidnappée par des hommes portant des masques d'animaux puis assassinée avec Smith ? Pourquoi Lorelei, la petite amie de Stella, semble avoir des pouvoirs paranormaux ? Voilà autant de questions qui ne seront résolues qu'à la fin du film, dans un final apocalyptique complètement délirant, qui fait sans conteste penser à Nowhere et à The doom generation, mais en pire. Car là Gregg Araki apporte une vision planétaire à son film, avec cette thématique de fin du monde. Sur ce sujet, on appréciera la présence en forme de clin d'oeil de l'acteur James Duval (présent dans la « teen apocalypse » de Gregg Araki) dans le rôle d'un gourou censé annoncer la fin du monde. Mais tout cela n'est évidemment pas à prendre au premier degré. L'évocation d'une secte de l'ordre nouveau combattue par une organisation secrète dénommée la résistance est tellement délirante que l'on n'y croit pas une seconde. Mais cela participe parfaitement à l'ambiance chaotique de ce film et en faisant de ces jeunes des victimes d'un système (l'idée de leurs pouvoirs paranormaux qui leur été transmis suite à un kidnapping), Gregg Araki continue de montrer une jeunesse à la dérive, mais cette fois-ci victimes de phénomènes extérieurs. Certaines idées au niveau de la mise en scène sont particulièrement bien vues, à l'instar des divers split-screen qui ne sont pas sans rappeler les thrillers à la Brian de Palma. Et puis l'image qui se détruit souligne bien le côté nihiliste de ce film.
La thématique fin du monde est aussi étayée par une musique qui ambiante qui prend tout à la fois des accents pop que des accents house ou rock. La BO du film participe bien à l'ambiance étrange de cette œuvre qui ne se prend pas au sérieux mais comporte malgré tout une conclusion assez peu enthousiasmante. Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si le dernier morceau du film est le cultissime Bitter end du groupe Placebo. Et puis toute cette musique correspond bien à ce qu'écoute toute cette jeunesse américaine.
Kaboom est sans conteste une véritable curiosité, un film déjanté qui doit beaucoup à la personnalité de son réalisateur mais aussi à son excellente distribution. Les acteurs, pour la plupart inconnus (hormis la jeune française Roxane Mesquida, vue notamment dans le terrible A ma soeur ! ou encore dans Une vieille maîtresse de Catherine Breillat), sont parfaits dans leurs rôles respectifs. La beauté de tous ces acteurs accroît le côté sitcom de l'ensemble. Mais ici il s'agit bien d'une sitcom trash avec en tête d'affiche un héros, Smith, incarné avec conviction par un Thomas Dekker qui fait étrangement penser aux personnages joués par James Duval dans les premiers films d'Araki.
A tout juste cinquante ans (il est né le 17 décembre 1959), Gregg Araki continue d'avoir un regard original sur la jeunesse américaine, très loin de ce que l'on peut voir dans le cinéma traditionnel. Pour cela, Gregg Araki continue d'être un cinéaste majeur à surveiller de près. On attend donc avec jubilation son prochain film.

par Nicore

"Survival" étonnant par certains choix de son intrigue et porté par des personnages naturels attachants, ce Resurrection va constituer une excellente surprise, mais évidemment, c'est directement en DVD et en Blu-ray que le film est disponible en France depuis le 23 novembre, sous l'impulsion de l'éditeur Emylia qui, après Carver et Madness, nous permet de découvrir dans de bonnes conditions une œuvre à la violence sèche tant psychologique que physique.

Le script va laisser quatre campeurs partis vers le sud être accueillis avec l'hospitalité légendaire du sud, trop peut-être. Mais les choses ne sont pas ce qu'elles semblent être et le week-end tourne vite au cauchemar après un incident mortel.

Malgré une intrigue de base sentant le "survival" classique, le métrage va réussir le tour de force de parvenir à détourner les codes du genre à son avantage en plaçant déjà des personnages principaux dégagés de tout stéréotype nuisible ou de tout humour déplacé pour au contraire avancer des protagonistes aux réactions naturelles et plausibles, tandis que l'intrigue va créer une tension permanente chargée de menaces en positionnant les autochtones de ce Sud glauque et dégénéré dans une sorte de secte dirigée par un pasteur radical, sans pour autant négliger la violence qui sera ici froide et brutale sans concession mais sans pour autant verser dans la surenchère gore à la mode en ce moment, laissant même un aspect psychologique sauvage venir prendre part à cette descente aux enfers pour ces citadins confrontés à une menace mortelle.

L'édition DVD éditée par Emylia avancera une image en 1.85 (16/9 anamorphique) pour une bande-son en français en DD 2.0 et en anglais sous-titré en DD 5.1 et en DTS. Hélas, en bonus, seul le sympathique court-métrage "Game of the dead" sera disponible. Le Blu-ray du film disposera d'une image également en 1.85 (1080p/24) et la bande-son sera disponible en français en DD 2.0 et en anglais sous-titré en DTS-HD 5.1, pour reprendre le même bonus.

Donc, depuis le 23 novembre, il nous est possible de se plonger dans ce "survival" étonnant, graphique et monstrueux dans ses développements !

Resurrection


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Titre du film : Potiche
Réalisateur : François Ozon
Durée du film : 1h43
Date de sortie au cinéma : 10 novembre 2010

Avec : Catherine Deneuve (Suzanne Pujol), Fabrice Luchini (Robert Pujol), Gérard Depardieu (Maurice Babin), Karin Viard (Nadège), Judith Godrèche (Joëlle Pujol), Jérémie Rénier (Laurent Pujol), Élodie Frégé (Suzanne Pujol jeune), Sergi Lopez (un routier espagnol), etc.

Par Nicofeel

Après son incursion peu convaincante dans le fantastique avec le film Ricky ou plus récemment son intéressant film sur la maternité avec Le refuge, François Ozon nous revient en très grande forme avec Potiche.
Avec un tel titre, on pouvait craindre une parodie ridicule sur les années 70. Il n'en n'est rien. Certes, comme dans son film 8 femmes, François Ozon a effectué une reconstitution minutieuse des années 70. Ainsi, tous les personnages ont des coupes de cheveux super gonflées et Judith Godrèche a un brushing à la Farrah Fawcett. Les vêtements taille haute sont de sortie, de même que les pattes deff et les cols roulés. Quant aux papiers peints, ils comportent souvent des couleurs orangers et des fleurs. Les téléphones sont de gros téléphones analogiques filaires. Catherine Deneuve, l'actrice principale du film, conduit une autobianchi rouge, petit véhicule typique de cette époque.
Mais François Ozon ne s'est pas contenté de reconstituer un cadre qui rappelle les années 70. Sur un ton parodique qui fait fureur avec des dialogues hilarants, le réalisateur français ne s'est pas gêné pour livrer un vrai message tant social que politique.
François Ozon dresse le portrait d'une famille bourgeoise à la fin des années 70 – le film se déroule en 1977 – ce qui lui permet d'évoquer une époque où les choses étaient différentes d'aujourd'hui sur certains points et identiques sur d'autres. Le titre Potiche se réfère à la situation initiale de Suzanne Pujol qui est la fille d'un riche industriel - qui a fait fortune dans la vente de parapluies - et qui a épousé Robert Pujol, un homme particulièrement autoritaire qui domine l'entreprise familiale tout comme sa propre famille d'une main de fer. Robert Pujol est finalement le symbole d'une époque où l'homme est considéré comme l'être dominant et où la femme est réduite au rôle de femme au foyer et n'a pas le droit de donner son avis. Notre pauvre Suzanne accepte tout, aussi bien de vivre dans l'ombre de son époux que d'être trompée par ce dernier. Monsieur Pujol déconsidère tellement son épouse qu'il en oublie même son anniversaire. Il lui propose alors qu'elle s'achète un cadeau et qu'il la remboursera après ! Bref, le tableau est loin d'être idyllique pour celle qui est même traitée par sa fille de potiche.
Mais l'intérêt ou plutôt l'un des intérêts du film est bien de montrer à travers l'évolution du personnage de Suzanne celui de femmes qui sont sur la voie de l'émancipation. François Ozon évoque sans conteste ce mouvement qui ne va cesser depuis lors de prendre de l'ampleur. Pour autant, la chose est loin d'être acquise dès le départ comme le prouve le personnage de Suzanne qui n'a pas vraiment le droit à des égards (« Tu as un avis ? » lui déclare son mari) avec un mari dominant à tous points de vue. Mais profitant d'ennuis de santé de son mari, Suzanne va avoir sans conteste l'occasion de prouver qu'elle est loin d'être une potiche en reprenant les rennes de la société et surtout en proposant de multiples idées novatrices. Catherine Deneuve qui joue le rôle de Suzanne a véritablement un rôle en or. L'actrice est pleine de vie et attire autour d'elle par son personnage ô combien positif et sympathique tous les suffrages des spectateurs. Mieux, l'évolution de son personnage est spectaculaire, lui permettant non seulement de prendre à un moment donné les rennes de la société familiale mais en outre de se lancer en politique.
Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si Suzanne a un slogan de campagne intitulé « La liberté guide nos pas ». C'est une allusion évidente au chant du départ puisque les premières paroles de celui-ci sont : «  La victoire en chantant nous ouvre la barrière. La liberté guide nos pas. Et du nord au midi, la trompette guerrière a sonné l'heure des combats. Or, ce même chant du départ a été utilisé par Valéry Giscard d'Estaing qui en a fait son chant de campagne lors de son élection présidentielle en 1974. Et puis le titre original du chant du départ (qui a été changé par Robespierre) est Hymne à la liberté. Cela fait bien écho à la situation de Suzanne qui prend les choses en main et décide enfin de vivre sa vie.
Si l'ascension de Suzanne est peu crédible, cela demeure sans importance. Car le propos d'Ozon est très clair : évoquer l'émancipation des femmes à une époque où le machisme est encore ambiant. Suzanne se retrouve d'ailleurs avec des idées en phase avec son temps, déclarant à sa fille que si elle ne souhaitait pas un nouvel enfant, il existe la pilule et que dans tous les cas, l'avortement (qui a été légalisé en 1975 par Simone Veil, soit pendant le même septennat durant lequel se déroule l'action du film, sous Valéry Giscard d'Estaing) reste possible. On appréciera le fait que Suzanne devient une pure féministe et que c'est au contraire sa fille, victime d'idées conservatrices sur le plan familial, qui finit par devenir la potiche de service. Suzanne fait également des émules autour d'elle puisqu'elle réussit à avoir l'assistante et maîtresse de son mari qui se rallie à sa cause, allant jusqu'à distribuer des tracts clandestinement en faveur de la candidate Suzanne aux législatives.
Si la thématique socio-familiale est très présente dans le film d'Ozon, le réalisateur se permet également de brocarder l'ensemble de la classe politique. C'est d'abord Nicolas Sarkozy qui en fait les frais avec Robert Pujol qui reprend les fameux « Casse-toi pauvre con » et « Travailler plus pour gagner plus ». Ne cherchant pas à inscrire son film dans une idéologie particulière, François Ozon a la bonne idée de faire que son héroïne se porte candidate aux législatives en tant que « sans étiquette », autrement dit sans parti politique avec elle. C'est tout l'intérêt de constater que Suzanne réussit à bouger les lignes en battant tous les représentants des divers partis politiques, et notamment le communiste Maurice Babin (Gérard Depardieu), censé pourtant représenter le peuple lors de ses revendications salariales.
Le cinéaste François Ozon a la bonne idée de terminer son film par le succès de son héroine aux législatives qui va pour l'occasion chanter le morceau « C'est beau la vie » (réinterprété par Benjamin Biolay). Ce morceau prouve à lui tout seul l'évolution de la situation de Suzanne, qui est désormais pleinement épanouie.
Et puis la musique a une importance fondamentale dans le film. Elle comporte tout à la fois un aspect nostalgique avec tous ces flash-backs qui évoquent le passé (avec une belle Elodie Frégé dans le rôle de Suzanne jeune) mais aussi un rappel, évident à cette société des années 70 avec des tubes de Il était une fois (Viens faire un tour sous la pluie) ou de Michèle Torr (Emmène-moi danser ce soir). C'est au demeurant cette nostalgie qui ramène sur la piste de danse de la boîte Le Badaboum le député-maire Maurice Babin et Suzanne Pujol dans une chorégraphie improbable.
Comédie de mœurs, le dernier film de François Ozon est tout à la fois un film sur la guerre des sexes avec cette Suzanne Pujol symbole de femmes prêtes à prendre leur destin entre leurs mains et à ne plus se cacher comme par le passé (voir la révélation sur ses nombreux amants dans le film) mais également un film sur la guerre des classes avec d'un côté un patronat obtus (Robert Pujol) et de l'autre un prolétariat revendicatif.
Ajoutons que la distribution du film, de grande qualité, est au top niveau avec, outre une Catherine Deneuve volontaire et drôle, un Fabrice Luchini qui en fait des tonnes dans un rôle de dirigeant macho, un Gérard Depardieu nostalgique dans son rôle de député-maire amoureux transi mais également des seconds rôles savoureux où l'on croise Karin Viard, Judith Godrèche, Jérémie Rénier et Sergi Lopez dans un caméo en forme de clin d’œil.
La réussite de ce film est totale et il ne serait pas étonnant que ce long métrage constitue le film français de l'année.

par Nicore

Profitant de la mise en chantier du remake de Piranhas par Alexandre Aja, ce Mega Piranha issu de la boîte de production "The asylum" réputée pour son opportunisme à tout épreuve, va mettre en scène des poissons carnivores de plus en plus gros au sein d'une intrigue mêlant de manière dynamique action pure et horreur pour un métrage qui n'aura évidemment pas connu les honneurs d'une sortie en salles et débarque directement chez nous le 23 novembre en DVD et en Blu-ray grâce à l'éditeur Emylia.

Le script va laisser le secrétaire d’État des USA demander à Jason Fitch, de l’unité des Navy Seals, d’enquêter sur la mort suspecte d’un ambassadeur américain au Venezuela. Sur place, il rencontre Sarah Monroe, chercheuse spécialisée en génétique. Elle, et le biologiste Eli Gordon, ont découvert des preuves étranges, qui après une analyse dans leur laboratoire révèlent une terrifiante nouvelle. Des poissons carnassiers génétiquement modifiés sont à l’origine de bien des dégâts, et cette espèce profite d’une croissance exponentielle, qui lui permet de doubler de taille toutes les 36 heures.

Produit typique de la firme "The asylum", le film va mélanger une action virile et militaire avec cet aspect horrifique malgré tout bien présent avec ces piranhas carnivores qui vont grossir au fil des situations jusqu'à devenir carrément gigantesques au point d'attaquer littéralement les immeubles et autres installations côtières, le tout à grand renfort de CGI plus ou moins perfectibles, mais qui auront en tout cas le mérite de donner un côté irrésistiblement fun à l'ensemble, faisant même du coup passer les extravagances du script et les quelques incohérences et autres ellipses notoires, surtout qu'un humour au second degré va aussi venir se mêler à la partie pour rendre également souriante ses péripéties militaires qui aurait sans cela été quand même fades et sans grande originalité, créant ainsi un ensemble plus que dynamique avec ces situations sans cesse renouvelées sans jamais connaître le moindre temps mort et donc réellement amusant avec ces énormités scénaristiques et ces réparties humoristiques.

L'édition DVD du film proposera une image en 1.77 (16/9 anamorphique) pour une bande-son en français en DD2.0 et en anglais sous-titré en DD5.1 et en DTS. Au niveau des bonus, on pourra suivre un petit making-of sympathique malgré son côté promotionnel mais que l'éditeur n'aura pris le soin de sous-titrer, un bêtisier qui remplira son rôle ainsi que le plaisant court métrage "Game of the dead". Le Blu-ray du film avancera quant à lui une image également en 1.77 (AVC 1080p/24) et une bande-son en français en DTS-HD 2.0et en anglais sous-titré en DTS-HD 5.1, pour reprendre les mêmes bonus que le DVD.

Donc, c'est à partir du 23 novembre prochain que nous allons pouvoir découvrir les méfaits de ces piranhas gigantesques et affamés au sein d'une intrigue vive et largement fun !

Titre du film : Entre nos mains

Réalisatrice : Mariana Otero

Durée du film : 1h28

Date de sortie au cinéma : 6 octobre 2010

Par Nicofeel

Avec Entre nos mains, la documentariste Mariano Otero s'est intéressée à une société de lingerie du Loiret menacée de disparition. La réalisatrice a réussi à parfaitement introduire sa caméra dans cette société de 50 salariés. La cinéaste a visiblement brillamment réussi à mettre en confiance ces personnes pour les filmer de manière très réaliste dans leur quotidien.
Le titre Entre nos mains a sans doute été utilisé car il symbolise la volonté de ces salariés de reprendre leur entreprise mise en redressement judiciaire. D'où l'idée de créer une SCOP à savoir une société coopérative de production où le capital de l'entreprise est alors détenu à au moins 51 % par les salariés, qui disposent au demeurant chacun d'une voix.
Entre nos mains laisse la part belle à ces ouvrières qui n'ont, comme elles disent si bien, jamais l'occasion de donner leur avis. Le film montre une mobilisation importante de toutes les personnes de l'entreprise, qu'il s'agisse des cadres, des commerciaux ou des diverses ouvrières. Car dans cette société cloisonnée où tout est très sectorisé (il y a les couturières, les ouvrières qui emballent les produits, les préparateurs de commandes, les expéditeurs, etc.), les gens entretiennent ensemble des rapports nouveaux. Ils se parlent tous pour sauver leur entreprise et donc pour sauver leurs emplois. Tout le monde se mobilise et finit par accepter de s'engager à mobiliser au moins l'équivalent d'un salaire mensuel pour créer la SCOP. Et pourtant au départ la démarche était loin d'être gagnée tant les incertitudes amènent les gens à se poser beaucoup de questions et tant le fait de mobiliser un salaire n'est pas forcément évident pour ces gens qui disposent de salaires modestes. Mais la bonne volonté de tous, et pas seulement des représentants du personnel, permet à la SCOP de faire son petit bonhomme de chemin.
Et tout cela est possible par la volonté de ces gens qui souhaitent coûte que coûte conserver leur emploi. Certaines de ces personnes expliquent d'ailleurs qu'elles sont là depuis des années et qu'elles sont donc salariées depuis un moment dans cette entreprise. D'un point de vue individuel avec une cinéaste qui interviewe les différentes personnes par le biais de gros plans, le point de vue devient collectif avec des plans larges sur l'ensemble du personnel.
Mais le film documentaire montre aussi que les embûches sont nombreuses et que malgré les efforts consentis par chaque employé pour permettre la pérennité de leur entreprise, la lutte est parfois inégale. Ainsi, on apprend à un moment donné que le patron de la société (qu'on ne verra jamais, et qui est visiblement considéré comme quelqu'un de peu intéressé par le devenir de ses employés, comme semblerait indiquer le fait qu'il n'ait pas accepté d'être filmé) a effectué une contre-proposition à la SCOP, ce qui a tendance à brouiller les cartes dans les esprits des salariés. Pire, plus tard dans le documentaire, on apprend que l'un des gros clients de la société, précisément CORA, la lâche (déréférencement de la marque) ce qui implique qu'une partie très importante du chiffre d'affaires n'est plus assurée. Si une ouvrière déclare qu'elle ne croit pas aux coïncidences – le rejet de la contre-proposition du patron et la perte soudaine de ce gros client – cet élément n'est nullement vérifiable. Toujours est-il que le film évoque bien que le rêve de la réalisation de cette SCOP était fragile et qu'en raison du désengagement d'un client et in fine de l'absence de l'aide des banques, la fin devenait inéluctable.
La fin du film s'achève par une chanson qui rappelle les comédies musicales dans le style des parapluies de Cherbourg. Cette chanson peut paraître un peu surfaite et en décalage avec le ton du documentaire mais en fait la création de cette chanson par tous les salariés de cette usine qui vont se trouver au chômage sonne comme un message d'espoir. Elle donne une note de gaieté à des gens qui sont sur le point de perdre leur emploi. Et puis la mise en scène est également changeante avec pour la première fois un travelling latéral qui a pour effet de donner une cohésion à ce groupe d'individus.
Documentaire très humaniste qui laisse la part belle à ces hommes et ces femmes qui ont tenté de sauver leur entreprise du dépôt de bilan, Entre nos mains est finalement symptomatique de notre économie actuelle où depuis de nombreuses années les métiers liés à l'habillement (ici la lingerie féminine) sont sujets à une crise tendancielle liée à une concurrence internationale accrue.
Voilà en tout cas un documentaire très instructif et qui mérite bien d'être vu. Le témoignage de ces hommes et de ces femmes est leur dernier message avant la fermeture de leur usine.

Titre du film : Date limite

Réalisateur : Todd Phillips

Durée du film : 1h35

Date de sortie au cinéma : 10 novembre 2010

Avec : Robert Downey Junior (Peter Highman), Zach Galifianikis (Ethan Tremblay), Michelle Monaghan (Christine Highman), Jamie Foxx (Darryl), Juliette Lewis (Heidi), etc.

Par Nicofeel

Avec Date limite, Todd Phillips, auteur en 2009 du fameux Very bad trip qui est à mon sens une des comédies les plus drôles de ces dernières années, revient derrière la caméra.
Si l'histoire est différente et les acteurs ont changé – hormis le très sympathique Zach Galifianikis – Date limite porte clairement la marque Todd Phillips. Les gags lourdingues sont là pour l'attester. Mais cela n'est pas un handicap, loin s'en faut. Very bad trip se révélait extrêmement amusant par son côté jusqu'au-boutiste et par sa capacité à faire monter la mayonnaise progressivement.
Mais le fait que Date limite porte sans conteste la marque de son auteur ne suffit pas. On sent tout de même que Todd Phillips a souhaité surfer sur la vague du succès commercial et critique de Very bad trip. C'est certainement la raison pour laquelle il a inclus dans son film Zach Galifianikis et sa bonne bouille. A ses côtés, il a décidé de lui adjoindre l'excellent acteur que constitue Robert Downey Junior.
L'histoire est assez simple : elle raconte les péripéties que vont vivre ensemble Ethan Tremblay, un homme assez simple, rêvant d'être acteur à Hollywood, et Peter Highman, un architecte qui souhaite coûte que coûte rejoindre son épouse qui va accoucher dans cinq jours.
A partir de là, on va avoir droit à un road-movie assez délirant. Mais là où le film est moins jouissif qu'un Very bad trip, c'est par le fait que l'on sent que le scénario a été rédigé un peu à la va-vite et que pour combler les failles de ce scénario, on a axé l'histoire sur cette rencontre atypique entre deux hommes que tout oppose.
Reconnaissons-le, les gags sont vraiment par moments très amusants mais il n'y a pas spécialement de lien entre eux et tout cela paraît un peu surfait. On a l'impression que Todd Phillips cherche avant tout à amuser le spectateur avec toutes sortes de gags.
Le film n'en reste pas moins réussi car certaines scènes sont – dans leur lourdeur – extrêmement amusantes. On a tout de même des choses incroyables comme cet homme simple, Ethan Tremblay, qui se masturbe dans une voiture avec son chien qui fait la même chose à l'arrière de la voiture. Ce gag, bien que énorme, rappelle tout de même la blague avec l'enfant dans Very bad trip dont on faisait mimer une branlette. Ici, c'est un chien particulièrement charismatique et nanti d'une bonne trogne (avec son côté bouledogue) qui remplace le capital-sympathique apporté dans Very bad trip par l'enfant.
D'autres scènes sont significatives comme ce moment où tous les acteurs sont shootés dans une voiture et donnent l'impression de planer en écoutant le superbe morceau Eh you des Pink Floyd. Au hasard signalons également une virée étonnante au Mexique ou encore un grave accident de voiture dont sort indemne le chauffeur !
Le duo d'acteurs formé par Robert Downey Junior et Zach Galifianikis fonctionne parfaitement. Le premier est très bon dans son style sérieux qui finit par péter les plombs (il se met à s'en prendre à son camarade de virée mais aussi à cracher sur le chien de ce dernier !) et le second est fidèle à lui-même en enchaînant les bêtises de haut vol.
La musique du film vaut aussi bien le coup, dans des styles très différents mais qui donnent l'impression de suivre ce road movie aux côtés de ces deux acteurs.
En revanche, les seconds rôles du film, où l'on retrouve tout de même Jamie Foxx, Michelle Monaghan et Juliette Lewis, sont nantis de personnages un peu creux et qui leur donnent à peine l'occasion de se distinguer.
Au final, Date limite donne au spectateur ce dont il a envie : un film « fun » et décérébré où le but du jeu est de faire rire à partir d'un road movie bien barré qui n'est sans rappeler l'histoire abracadabrantesque du début du film avec cette histoire d'ours qui rompt le cordon ombilical.
Cependant, Date limite n'atteint pas le niveau de plaisir d'un Very bad trip qui donnait tout de même l'impression d'être plus honnête dans son contenu, en ne cherchant pas un quelconque compromis mais en mettant des gags de plus en plus hallucinants à la vue du spectateur. On attend tout de même le prochain film de Todd Phillips, ce Date limite étant tout de même plutôt réussi.

Titre du film : Buried
Réalisateur : Rodrigo Cortés
Durée du film : 1h35
Date de sortie au cinéma : 3 novembre 2010
Avec : Ryan Reynolds (Paul Conroy)
Par Nicofeel

Réalisé par Rodrigo Cortés, Buried est une sorte de thriller qui a bénéficié de critiques plutôt favorables et de plusieurs prix dans des festivals.
Le film est pour le moins un huis-clos extrêmement resserré. Pendant plus d'une heure trente, on ne va pas quitter Paul Conroy, un citoyen américain qui travaille pour une société chargée de livrer du matériel de cuisine à l'armée américaine en Irak. Son convoi ayant été attaqué, Paul Conroy se retrouve enfermé le 23 octobre 2006 dans un cercueil qui est lui-même enterré plusieurs pieds sous terre.
Le film ne manque pas d'intérêt, éveillant dès le départ la curiosité du spectateur : comment cet homme a-t-il pu se retrouver là ? Qui est son ravisseur ? Quelles sont les motivations de ce dernier ?
Bref, beaucoup de questions en suspens qui ne seront levée que progressivement.
Évidemment, une fois la surprise de cet enfermement passée, il faut que le réalisateur Rodrigo Cortés parvienne à continuer à intéresser le spectateur.
Le cinéaste a donc choisi de développer progressivement son intrigue en mettant à disposition de Paul Conroy un briquet (ce qui lui permettra de le voir) et un téléphone cellulaire (ce qui lui permettra d'appeler l'extérieur.
La quête de Paul Conroy s'apparente à une véritable course-contre-la-montre. En effet, il doit faire face à deux éléments : d'une part, il faut qu'il économise son oxygène et d'autre part il doit utiliser opportunément son portable qui est déjà à moitié déchargé, la batterie se vidant assez rapidement.

Paul Conroy décide donc d'appeler plusieurs personnes pour tenter de les alerter et qu'elles l'aident à sortir de cette galère. Il appelle sa famille, le FBI et in fine il obtient un interlocuteur privilégié avec une personne d'une cellule Anti-kidnapping aux Etats-Unis.
L'intrigue passe bien et on ne s'ennuie pas car le réalisateur a la bonne idée de varier les angles et de filmer de différentes façons l'unique personnage, qui est interprété par l'acteur Ryan Reynolds. Ce dernier est la hauteur du rôle qui lui est confié. Il incarne parfaitement un monsieur-tout-le-monde (ce qui n'aurait pas été forcément le cas si l'on avait choisi un militaire) et le spectateur s'identifie d'autant plus à lui. Ryan Reynolds réussit bien à restituer l'univers clos dans lequel il est confiné. Il a de plus en plus de mal à respirer et comme tout un chacun il est capable de s'énerver, de stresser. Il est crédible lorsqu'il interprète cet homme qui en vient parfois à péter les plombs et souvent à paniquer.
Pour relancer l'action, le réalisateur a également l'idée de varier les coups de téléphone. Déjà, on ne sait jamais qui l'appelle. Et puis surtout le cinéaste met parfois le personnage aux prises avec son ravisseur qui veut d'abord une somme de 5 millions de dollars puis d'un million de dollars (pour quelle raison un tel changement ?), à d'autres moments avec cette cellule Anti-kidnapping et à d'autres moments avec la famille de Paul Conroy.
Avec tout ça, il y a un vrai suspense qui s'instaure pour savoir si cet homme va réussir dans ces conditions extrêmes à s'en sortir.
Le problème, car il y a un bien un hic, est que le scénario s'enlise quelque peu – et je ne dis pas cela car le personnage principal va être confronté à du sable à un moment donné – et donne lieu à des scènes incohérentes ou à tout le moins peu crédibles. Le coup de l'appel de Paul Conroy à sa mère alors qu'il n'a visiblement plus de rapports avec et qu'il doit économiser la batterie de son portable n'est pas forcément une astuce scénaristique géniale. Mais il y a pire avec la survenance d'un crotale tout d'un coup (d'où sort-il ?) ou encore de l'arrivée de sable. Le pire en la matière est l'appel de son patron qui ne rime à pas grand chose puisque Paul Conroy est entre la vie et la mort.
Si l'on fait abstraction de ces défauts, le film est plutôt bien troussé et nous offre une fin assez surprenante. Voilà donc un petit huis-clos tout à fait satisfaisant qui mérite d'être vu. On pourra en revanche penser qu'une seconde vision du film risque de le rendre bien inoffensif.

Titre du film : Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu

Réalisateur : Woody Allen

Durée du film : 1h38

Date de sortie au cinéma : 6 octobre 2010

Avec : Naomi Watts (Sally), Antonio Banderas (Greg), Josh Brolin (Roy), Anthony Hopkins (Alfie), Gemma Jones (Helena Shepridge), Freida Pinto (Dia), Lucy Punch (Charmaine), etc.

Par Nicofeel

Plutôt en bonne forme depuis Match point (2005) avec des films tels que Scoop, Le rêve de Cassandre, Vicky, Cristina et Barcelona ou plus récemment Whatever works, Woody Allen nous offre avec Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu son dernier film sorti sur les écrans de cinéma.
Et si le film ne comporte pas de grosses surprises, il s'avère un film tout à fait plaisant, d'un niveau satisfaisant tant sur le fond que sur la forme.
Ce dernier long métrage de Woody Allen se déroule dans un milieu artistique (écrivains, peintres, personnes qui tiennent des galeries d'art) qui est si chère au cinéaste new-yorkais. Pour autant, cette micro-société est à l'image de la société toute entière. Il y a des gens brillants, des gens médiocres, des gens qui sont sincères, d'autres qui mentent ou qui tout simplement cachent la vérité.
Sous des dehors très cools avec un ton adopté qui reste léger du début à la fin du film, comme si l'on racontait une histoire futile, le film est extrêmement sérieux dans son fond, avec notamment une étude de mœurs de notre société contemporaine qui est loin d'être admirable. Si des personnes pourraient être amenées à penser que Woody Allen est misogyne par certaines de ses remarques, cela n'est nullement le cas. Au contraire. Dans ce film, l'Homme en prend pour son grade. Aucun homme n'est à sauver dans cette histoire. Il y a d'abord Roy (Josh Brolin) qui flirte avec une jeune femme, Dia (interprétée par Freida Pinto, la superbe actrice de Slumdog millionaire). Cela nous amène à rapprocher le scénario de ce film avec celui de Vicky, Cristina et Barcelona puisque comme Dia, le personnage de Vicky est une femme de raison, fiancée, sur le point de se marier. Pour autant, Roy va particulièrement chambouler ses plans, au même titre que Roy va changer son existence, en décidant de quitter son épouse, Sally (Naomi Watts) du jour au lendemain.

Roy n'est pas le seul homme à être présenté sous un jour peu appréciable. Il y a tout simplement le père de Sally, Alfie (excellent Anthony Hopkins dans le rôle d'un homme pour le moins pathétique) qui a quitté son épouse et qui a décidé d'entretenir puis d'épouser une ex-prostituée. Cet homme, comme certains autres à son âge, refuse de vieillir alors qu'il voit bien sa condition physique changer. Le sport qu'il pratique et sa jeune épouse n'y changent rien.
Et puis il y a aussi le bel et sombre inconnu que l'on pourrait assimiler au personnage de Greg joué par un Antonio Banderas qui pour le coup n'accuse pas le poids des années. Mais le personnage qu'il interprète se révèle assez peu sérieux, quittant sa femme et retrouvant dans la foulée une autre femme, rencontrée par le biais de sa secrétaire Sally. Cette dernière n'a même pas le temps d'envisager une relation avec son patron que ce dernier est déjà parti tête baissé dans une nouvelle relation.
Le moins que l'on puisse dire est que les hommes du film de Woody Allen n'apparaissent pas vraiment à leur avantage. Et la réflexion n'a pas lieu que sur le plan amoureux. Elle est plus générale. Ainsi, Roy, écrivain qui a eu le chance d'avoir un livre qui a connu un succès éditorial, rame sérieusement pour rééditer sa performance passée. Il n'hésite pas à subtiliser les écrits d'un ami censé être dans le coma afin de retrouver une nouvelle notoriété.
Le cinéaste Woody Allen ne prend pas que pour cible les hommes. Il s'amuse également beaucoup des croyances de certains. Il prend ainsi comme exemple celui d'Helena, la mère envahissante de Sally, qui va voir une charlatan qui se déclare voyante mais ne fait que confirmer des éléments cités par Helena. Ici, la voyante s'appelle comme par hasard Cristal.
On comprend bien que Woody Allen dépeint de manière assez frontale les mœurs de certaines personnes de notre société, en prenant comme base tous les gens qui gravitent autour de son héroïne, Sally. Le portrait est pour le moins peu flatteur entre des hommes qui quittent leurs épouses pour aller retrouver des jeunes femmes plus jeunes et des gens complètement à côté de la plaque qui donnent du crédit à des charlatans ou à des sciences occultes. Le propos est certes à chaque fois tourné à la dérision, il n'empêche que le résultat n'est pas fondamentalement enthousiasmant.
Si le film marche bien, c'est aussi en raison de son excellente distribution avec une Naomi Watts parfaite dans le rôle de madame tout le monde ou encore une palette d'acteurs qui ont joué le jeu de paraître pour de purs salauds, comme le montrent les personnages interprétés par Antonio Banderas, Josh Brolin et Anthony Hopkins.
Voilà une comédie qui ne manque pas d'attrait et mérite largement d'être vu, même s'il ne s'agit pas pour autant d'un Woody Allen majeur.

Titre du film : L'inconnu de Shandigor

Réalisateur : Jean-Louis Roy

Durée du film : 90 minutes

Date de sortie du film : 1967 (film diffusé en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Daniel Emilfork (von Krantz, le savant), Howard Vernon (Yank / Bobby Gun), Serge Gainsbourg (le chef des chauves), Marie-France Boyer (Sylvaine), Ben Carruthers (Manuel), etc.

Par Nicofeel

Réalisé en 1967 par le cinéaste suisse Jean-Louis Roy (auteur du très différent et pourtant intéressant Black-out), qui fait partie des cinéastes suisses importants (d'où sa présence au club des 5 qui a justifié sa volonté de faire ce film), L'inconnu de Shandigor a été présenté au au festival de Cannes.
Si le film rappelle sans conteste les James Bond, il en propose délibérément une version parodique.
La première image du film montre la bombe nucléaire et cela permet directement de faire le lien avec Herbert von Krantz, sorte de savant fou. Ce dernier possède l'annulator, un objet que l'on peut considérer comme le macguffin hitchcokien du film, et qui doit permettre à son propriétaire de devenir le maître du monde.
Présenté dans un beau noir et blanc, L'inconnu de Shandigor ne se prend jamais au sérieux. Il y a d'abord toute une ribambelle de personnages plus curieux les uns que les autres. Le savant fou est joué par Daniel Emilfork qui a déjà un physique pour le moins atypique ; au rayon des personnages étonnants il y a aussi Serge Gainsbourg qui interprète le rôle du chef des chauves. On a également l'excellent Howard Vernon qui joue le rôle de Yank, un ancien chef SS reconverti qui travaille désormais pour le Pentagone.
De manière délibérée, Jean-Louis Roy a choisi de ne pas expliciter les rapports entre tous les personnages, de telle sorte qu'il est parfois un peu difficile de tout comprendre.
Pour autant, le rythme rapide du film, le jeu outrancier des acteurs et les scènes très drôles permettent de passer un bon moment.
Et puis il faut tout de même bien voir que la finalité du film est loin d'être très complexe. On voit bien que le but du jeu est d'annihiler ce savant fou qui, sur le plan privée retient sa fille dans une situation de quasi prisonnière et qui sur le plan public menace le monde.
On a donc droit à un fabuleux duel final, totalement décalé, entre Howard Vernon et un Daniel Emilfork au physique si particulier déguisé en homme-poisson.
Evidemment, tout finit pour le mieux dans le meilleur des mondes avec un « vilain » qui est supprimé. Les couples que l'on aura vu dans le film repartent chacun de leur côté.
Au final, même si L'inconnu de Shandigor a un aspect fun incontestable, cela demeure un film mineur qui vaut avant tout pour son casting particulièrement étonnant et hétéroclite.

Jean-Louis Roy a été présent à Neuchâtel au début du film pour présenter son long métrage et à la fin pour répondre à quelques questions. Il a fait savoir entre autres que :
- Black out a été tourné parce qu'il faisait partie du groupe des 5, sinon il n'aurait jamais tourné ce film.
- La musique est signée comme Black out Alphonse Roy. C'est le père de Jean-Louis Roy. Il s'agit d'un musicien de musique classique.
- Les décors naturels ont été choisis pour leur côté graphique (le parc Güel, la cathédrale faite par Gaudi à Barcelone).
- en plus des évocations aux films noirs et notamment ceux d'Aldrich, la référence principale du film reste James Bond.

Titre du film : Saw 3D

Réalisateur : Kevin Greutert

Durée du film : 1h30

Date de sortie au cinéma : 10 novembre 2010

Avec : Cary Elwes (docteur Lawrence Gordon), Tobin Bell (Jigsaw/John), Costas Mandylor (Mark Hoffman), Betsy Russell (Jill Tuck), Sean Patrick Flanery (Bobby Dagen), Gina Holden (Joyce), etc.

Par Nicofeel

Saw 7 en tant que tel ne verra pas le jour. On ne pourra pas rigoler d'un nouveau titre ridicule de cette saga à rallonge après un « Saucisse » bien nase. Il n'empêche.
Techniquement parlant, Saw 3D est bien le 7ème film de la saga Saw. Et malheureusement il ne se démarque nullement des autres opus.
Si on commence avec une sympathique torture en public où le but du jeu est comme d'habitude de tuer l'autre pour sauver sa peau – ici en l’occurrence une femme qui va être la victime de deux hommes qui sont ses amants – le reste du long métrage ressemble carrément à un vaste copier-coller des films 2 à 7, le tout mélangé pour donner un copieux repas quasi indigeste.
Il n'y a aucune cohérence dans ce long métrage. On passe d'une scène à l'autre et serais-je tenté de dire d'un personnage à l'autre sans véritable lien. Le spectateur lambda qui ne connaîtrait rien à la saga Saw risque sans nul doute d'être complètement largué. Et même celui qui a déjà vu les opus précédents, à moins de les avoir revu récemment, peut lui aussi être complètement paumé en tentant de remettre tous les éléments de l'intrigue dans l'ordre.
Le seul moyen pour le spectateur de ne pas s'ennuyer est d'assister aux nombreuses tortures qui émaillent le film.

Le problème est que ces tortures, pour le spectateur connaisseur de Saw, ne sont nullement surprenantes. Et pour cause, on les connaît déjà, en tout dans leur principe.
Saw 3D part dans tous les sens avec des personnages qui sont parfois censés être morts. Tout cela tourne carrément au grotesque. On se demande bien si le réalisateur ne souhaite pas se tirer une balle dans le pied ou tout simplement s'il n'en fait pas carrément trop dans le côté « too much ».
On touche vraiment le fond et cela devient usant d'avoir d'une part les mêmes tortures et d'autre part les mêmes personnages qui reviennent continuellement. A l'inverse, même si la morale de Jigsaw, qui vaut ce qu'elle vaut elle est censée justifier ses agissements. Cette morale est ici tout juste effleurée avec des questions relatives au mensonge, à l'adultère, au vol. Tout est complètement bâclé dans ce film qui constitue peut-être le pire opus de la série. Et pourtant les derniers n'étaient franchement pas terribles.
On retrouve certes dans ce film : le vilain Mark Hoffman devenu un erastz de Jigsaw ; un pseudo survivant (ce qui est faux et constitue le principe même de l'intrigue) du Jigsaw avec ce Bobby Dagen qui n'a pas de chances car il essaie de sauver ses proches (une collègue de boulot, sa femme) de tortures terrifiantes mais il va assister à chaque fois à leur mise à mort (ce qui va donner lieu à des scènes très graphiques) ; Jill Tuck qui n'est autre que l'ancienne compagne de John, qui tente de faire arrêter Hoffman par la police ; et puis un personnage vu dans le premier Saw qui va être à l'origine du twist final.
Mais dans ce magma d'invraisemblances, on part un peu dans tous les sens et Saw 3D nous propose une fin à rallonge avec notamment un tueur final qui n'est absolument pas la personne que l'on imaginait à la base. C'est la preuve que tout est décidément possible dans cette saga et c'est aussi un clin d’œil au premier Saw, qui se voit du coup nanti d'une nouvelle fin.
Alors et la 3D dans tout ça. Eh bien oui elle est bien présente mais elle n'est tout de même pas prépondérante pendant l'heure trente que dure le film. Elle apporte tout de même un plus certain côté sanglant avec des morceaux de chair ou de sang qui donnent la sensation d'arriver directement sur le spectateur. Cela accroît finalement le côté torture – pop corn vers lequel s'est engagé Saw depuis bien longtemps (après le premier film pour être précis).
Ajoutons qu'à l'instar de Saw 6, ce chapitre final est toujours aussi mal filmé avec une mise en scène qui rapproche plus Saw 3D d'un clip géant que d'un film. Et puis les acteurs sont également lamentables dans leur jeu avec une conviction proche du néant.
Bref, pas grand chose n'est à sauver dans ce film si ce n'est pour les néophytes des tortures qui pourront les distraire. Pour les autres, le but d'aller voir ce film et uniquement de savoir comment va s'achever cette saga pour le moins inégale voire médiocre mais aura rapporté beaucoup d'argent à ses producteurs.

Titre du film : Black death

Réalisateur : Christopher Smith

Durée du film : 102 minutes

Date de sortie du film : prochainement (film diffusé en avant-première au festival du NIFFF 2010)

Avec : Sean Bean (Ulric), Eddie Redmayne (Osmund), Kimberley Nixon (Averill), Carice van Houten (Langiva), etc.

Par Nicofeel

Après de purs films d'horreur que représentent Creep, Severance et Triangle (excellent film d'horreur qui propose une relecture très intéressante du mythe de Sisyphe et qui bénéficie d'un montage très bien pensé, pour moi sans nul doute un film majeur du cinéma l'horreur ,malheureusement encore inédit en France), Christopher Smith nous revient avec un film, Black death, qui se situe à une époque très différente de ses autres longs métrages.
L'action du film se déroule en 1348, au moment où sévit la peste noire, d'où le titre du film. Bénéficiant d'une très belle photographie grisâtre qui accroît l'ambiance inquiétante, Black death retranscrit parfaitement cet univers moyen moyen âgeux où la peste est crainte plus que tout.
On nous montre bien que durant cette époque trouble, certaines femmes sont accusées d'être responsables de ces maux. On brûle sur des bûchers des femmes que l'on pense être des sorcières.
Le film est efficace par sa capacité à évoquer une période où les superstitions sont particulièrement marquées. Les scènes d'action ou plus généralement celles de meurtres ne sont pas très nombreuses mais elles ne s'oublient pas de sitôt en raison de leur violence (personnes brûlées, tuées froidement, écartelées).
On suit tout au long du film les pérégrinations d'un moine, Osmund, qui est secrètement à la recherche de son amie Averill, et de l'équipe d'un chevalier, Ulric, bien décidée à brûler les sorcières et à tuer les impies. Ce chevalier, interprété par un excellent Sean Bean (le Boromir du Seigneur des anneaux), ne fait pas dans le sentimentalisme et se révèle intransigeant à l'égard de ceux qui refusent le catholicisme.
A l'inverse, on aura droit durant le film à une confrontation avec des personnages très différents lors de la description d'une communauté de païens.
La force du film de Christopher Smith est qu'il ne se montre jamais en faveur d'un côté ou d'un autre.
Black death donne à son cinéaste l'occasion d'évoquer clairement les dérives de la religion avec l'exemple d'Ulric puis de Osmund qui acquiert une haine certaine envers l'humanité et se sert de Dieu pour tuer des gens. La fin du film rappelle sans conteste les tortures de soi-disantes sorcières. Pour christopher Smith, personne n'est à sauver dans cette histoire, à commencer par son principal protagoniste, devenu un véritable anti-héros.
En synthèse, malgré une fin de film trop rapidement exécutée, Black death est une vraie réussite. Ce long métrage est beaucoup plus ambitieux que les précédents films de Christopher Smith, qui souhaite manifestement dépasser son statut de réalisateur de séries B.

Christopher Smith a été présent à Neuchâtel au début du film pour présenter son long métrage et à la fin pour répondre à quelques questions. Il a fait savoir entre autres que :
- Son inspiration principale pour faire Black death a été Au nom de la rose ;
- Le choix de cette histoire est dû au fait qu'il s'intéresse à la religion et à cette époque historique.
- Son prochain projet est un film de science-fiction réaliste.

Titre du film : Grande Ourse - la clé des possibles

Réalisateur : Patrick Sauvé

Durée du film : 1h44

Date de sortie au cinéma : inconnue (film diffusé au festival du NIFFF 2010)

Avec : Marc Messier, Normand Daneau, Fanny Mallette, etc.

Par Nicofeel

Réalisé par le québécois Patrick Sauvé, Grande Ourse – la clé des possibles est un film fantastique, ce qui n'est pas fréquent dans le cinéma québécois.
Le film est une adaptation des séries télévisées Grande Ourse et L'héritière de grande Ourse, qui ont été diffusées à la télévision de Radio-Canada de 2004 à 2006.
Le scénario est plutôt simple avec une clé qui permettrait à son possesseur de visiter toutes sortes d'univers où toutes les possibilités de la vie seraient offertes. Le médium Louis-Bernard Lapointe a son ami Emile qui est kidnappé par une sorcière et il fait tout pour le retrouver avec la détective privée Gastonne.
Avec un tel pitch on pouvait légitimement espérer un film plutôt intéressant. Surtout qu'en vue de trouver la fameuse clé des possibles Lapointe doit résoudre une étrange énigme en seulement 12 heures.
Oui mais voilà le film est un peu brouillon et le lien entre les scènes est parfois abrupt en raison de raccords pour le moins hasardeux.
Peut-être que l'intrigue et ses différents personnages sont on ne peut plus clairs dans la version télévisée, seulement dans un format d'1h44, le film est un peu confus pour les non-initiés, partant un peu dans tous les sens.
Et puis les références à la mythologie (Rhode, Neptune, le Styx) sont quelque peu lourdes.
Mais bon, ce film demeure malgré tout largement regardable. Il y a d'abord continuellement un humour bien présent qui joue sur un côté décalé, ce sentiment étant renforcé par la veine fantastique du film. Certaines répliques, même assez basiques, font mouche comme celle où Lapointe se retrouve enfermé dehors et qu'il est pris à parti par un passant : « Y a des journée de merde ». Réponse de Lapointe : Y a des vies entières de merde ! ». Et puis certaines expressions canadiennes sont originales et amènent le spectateur à rigoler. A titre d'exemple, on a l'acteur jouant Émile qui déclare : « Sac à main, c'était quoi ça ? ».

Globalement cependant, la tonalité du film est assez sérieuse. On appréciera d'ailleurs que l'intrigue comprenne des rebondissements sur le porteur de la clé et que l'on apprenne les motivations de chacun. Les différents personnages sont tous concernés dans cette histoire, en raison de différentes histoires d'amour (il y a au total 3 histoires d'amour différentes).
De plus, le film est plutôt bien mis en scène, avec notamment des plans en plongée. Ces beaux plans ont également à leur crédit des effets spéciaux convaincants.
Enfin, le film est une réflexion sur la notion du destin. On ne peut pas refaire sa vie. Toute la quête de Lapointe s'apparente à un rite initiatique. Chacun est en fait le porteur de sa propre clé.
Au final, voilà un film fantastique un peu brouillon qui peut en revanche se targuer d'autres qualités (sa thématique principale, sa mise en scène, ses effets spéciaux, son humour). A voir.
A noter qu'après le générique de fin, on a droit à un clin d’œil de ce qui a été vu jusque-là dans le film.

Titre du film : The american

Réalisateur : Anton Corbijn

Durée du film : 1h43

Date de sortie au cinéma : 27 octobre 2010

Avec : Georges Clooney (Jack/Edward), Thekla Reuten (Mathilde), Bruce Altman (Larry), Violante Placido (Clara), Paolo Bonacelli (Père Benedetto), etc.

Par Nicofeel

The american est un long métrage qui, au moins sur le papier, est particulièrement enthousiasmant. En effet, il est réalisé par le néerlandais Anton Corbijn, auteur en 2007 de l'excellent Control, un superbe biopic en noir et blanc sur la disparition tragique de Ian Curtis, le chanteur culte du groupe Joy Division. Et puis The american a comme acteur principal l'ami Doug Ross (Urgences), à savoir monsieur Georges Clooney, un acteur ô combien charismatique. Ce dernier est d'ailleurs producteur du film.
The american constitue, comme on va le voir ci-après, un bon film mais il ne correspond pas du tout à ce qu'il a été vendu au vu de sa bande annonce.
Dans cette histoire de tueur à gages, on est bien loin du film d'action qui nous était promis. Il faut dire qu'avec Corbijin derrière la caméra, il était assez peu probable d'avoir un film jouant sur l'action. En fait, comme dans Control, Corbijn a réalisé un film lancinant, où il a fait un gros effort sur le cadrage et sur la photographie du film. C'est normal dans le sens où Corbijn est à la base un photographe.
Mais que raconte The american ? C'est donc l'histoire d'un tueur à gages, Jack, qui décide de se faire oublier en Italie après avoir tué plusieurs personnes.
Georges Clooney, ce bel acteur charimatique qui joue beaucoup sur la séduction, va se retrouver à fréquenter des femmes dans ce film pour diverses raisons. Côté professionnel, il rencontre l'étrange Mathilde, une femme qui change à loisir de couleurs de cheveux, et pour laquelle Jack (qui change alors son identité en Edward) confectionne une arme sophistiquée. Côté vie privée, Jack est un homme qui a une vie bien solitaire et c'est la raison pour laquelle on le voit à plusieurs reprises auprès de prostituées. Il va d'ailleurs s'enticher d'une belle jeune femme, Clara, avec laquelle il se sent revivre.
Ces deux femmes sont essentielles dans le cadre de ce long métrage et dans le cadre du réseau de Jack mais ce dernier conserve toujours un caractère très particulier. On appréciera ainsi le côté métronome, appliqué de Georges Clooney. L'acteur n'en fait absolument pas des tonnes. Au contraire il n'exprime quasiment aucun sentiment de joie sur son visage, de telle sorte qu'on le sent plutôt désabusé de sa vie morne et solitaire.
Jack est en quelque sorte un anti-héros – étant donné qu'il s'agit d'un tueur à gages (alors qu'il déclare en Italie être un photographe, clin d’œil évident à la profession de Corbijn) – d'un autre temps, comme le montre son code de l'honneur (alors qu'il évolue dans une société pervertie) ou encore son refus d'accepter les nouvelles technologies. Ainsi, Jack refuse d'utiliser des téléphones cellulaires et il appelle systématiquement son employeur depuis une cabine téléphonique.
Mais la réussite du film ne tient pas qu'à ses acteurs et aux relations qu'entretiennent les personnages entre eux. Le film est sidérant par sa superbe photographie. Dès la première scène du film avec les meurtres qui ont lieu dans une forêt enneigée, on est stupéfait par la beauté de la photographie.
Ce sentiment est d'ailleurs renforcé en raison d'un travail minutieux de Corbijn au niveau du cadre. Le cinéaste filme superbement les paysages italiens, de telle sorte que cela permet de voir de véritables tableaux filmés. De très beaux plans sont filmés, notamment en plongée, montrant par là même la petitesse de l'homme dans son environnement.
Par ailleurs, on appréciera dans ce film la violence qui arrive de manière sèche, à l'instar du final très westernien de The american. Il n'y a aucune concession là-dedans, le film constitue un polar sérieux, dénué d'humour.
Pour autant, The american n'est pas LE film de l'année. En effet, force est de constater que s'il n'y avait pas la belle photographie et le cadrage de Corbijn, le film constituerait un polar quelconque. De plus, même si le tueur à gages du film n'est pas aussi énigmatique que celui du film The limits of control de Jim Jarmusch, il n'empêche que le côté relativement lent du film a de quoi décontenancer plus d'un spectateur.
Au final, The american demeure un film original qui n'est cependant pas dénué de défauts.

Titre du film : Requiem

Réalisateur : Alain Tanner

Durée du film : 100 minutes

Date de sortie du film : 1998 (film diffusé en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Francis Frappat (Paul), André Marcon (Pierre), Alexandre Zloto (le père), Cécile Tanner (Christine), Miguel Yeco (Fernando Pessoa), etc.

Par Nicofeel

Requiem marque le retour d'Alain Tanner, un des plus grands cinéastes suisses, à Lisbonne, plus de 15 ans après son film Dans La ville blanche (le surnom de la capitale portugaise). Le film va être l'occasion pour Alain Tanner de rendre hommage au grand poète Fernando Pessoa.
Francis Frappat interprète le rôle de Paul, un homme venu à Lisbonne afin de retrouver les fantômes de son passé.
Pas besoin chez Tanner de proposer des effets spéciaux, l'incursion dans le fantastique se fait tout naturellement avec la rencontre par son principal protagoniste de personnages qui ne sont plus de notre monde. C'est donc la rencontre du vivant avec les morts.
Le ton du film est au départ plutôt tranquille avec toutes ces rencontres qui se font naturellement et avec un côté plutôt cool. Au fur et à mesure que le film avance, le ton devient plus sérieux, avec par exemple Paul qui reproche à son ami Pierre d'avoir couché avec Isabelle, l'amour de sa vie. Requiem est un film très mortuaire puisque Paul est amené à parler à des personnes décédées. Mais pas uniquement à des personnes mortes. On remarquera que Paul parle tout aussi bien à des inconnus (le jeune homme rencontré sur le port ; l'homme dans le jardin public ; la fille de l'hôtel ; le contrôleur du train ; la femme qui lui montre une maison où il a vécu auparavant) qui font partie du monde des vivants qu'à des personnes qui l'ont marquées dans sa vie et font partie du monde des morts. Ce voyage de Paul est une façon pour lui de sonder le passé pour mieux appréhender le futur.
Requiem est aussi l'occasion pour le réalisateur suisse de faire une véritable déclaration d'amour à Lisbonne. Il y a d'abord cette mise en scène où l'on découvre en même temps que le principal personnage qui déambule dans la ville de beaux endroits de la ville blanche. Et puis il y a aussi de nombreuses références à la littérature (romans, poèmes) et à de la peinture, par la représentation de Les tentation de Saint-Antoine de Jérôme Bosch (1510, musée national d'art ancien à Lisbonne) . D'ailleurs, Paul parle à un homme de ce tableau et de sa capacité à guérir des maladies de peau. Cerise sur le gateau pour les amateurs d'art, le film propose une rencontre fictive entre Paul et Fernando Pessoa. Avec ce dernier, il parle de diverses choses de la vie et de la perte d'identité du Portugal par son intégration dans l'Europe.
Film pas forcément facile d'accès de par son rythme que par son incursion « naturelle » du fantastique, Requiem est un beau film d'auteur, hommage évident à la ville de Lisbonne.

Titre du film : Les petits mouchoirs

Réalisateur : Guillaume Canet

Durée du film : 2h34

Date de sortie au cinéma : 20 octobre 2010

Avec : François Cluzet (Max), Marion Cotillard (Marie), Benoît Magimel (Vincent), Jean Dujardin (Ludo), Gilles Lellouche (Éric), Laurent Lafitte (Antoine), Valérie Bonneton (Véronique), Pascale Arbillot (Isabelle), Joël Dupuch (Jean-Louis), Anne Marivin (Juliette), Louise Monot (Léa), Maxim Nucci (Franck), Hocine Mérabet (Nassim), etc.

Par Nicofeel

Tous les quatre ans, l'acteur Guillaume Canet s'essaye à la réalisation de films. Après Mon idole (2002), Ne le dis à personne (2006), monsieur Canet est donc cette fois de retour avec Les petits mouchoirs (2010).
Dans un registre très différent de son précédent film, Guillaume Canet a décidé de réaliser une comédie dramatique. L'intention est louable et les premières images du film pleines d'espoir. En effet, on a droit à une caméra très fluide qui suit le personnage de Ludo (Jean Dujardin) de sa sortie des toilettes d'une boîte parisienne jusqu'à son accident brutal en scooter. On peut alors se dire que le film, qui ne manque pas d'intensité et fait preuve d'une solide mise en scène, va valoir le coup. Le problème est qu'à ce moment on ne sait pas encore qu'il s'agit de la scène la plus intéressante (l'unique ?) du film.
Car autant le dire tout de suite Les petits mouchoirs est un ratage total.
D'abord, on se demande bien où veut en venir Guillaume Canet. Il décrit les vacances d'amis dans la périphérie de Bordeaux, tout en rappelant à de rares occasions qu'un de leurs amis, le fameux Ludo, est entre la vie et la mort dans un hôpital à Paris. Si le film est dénué de fond, c'est notamment en raison de la description de personnages qui n'évoluent jamais tout au long du film. Un comble pour un long métrage de 2h34 ! On a l'impression que le film pourrait durer comme ça encore pendant dix heures sans qu'il ne se passe rien de remarquable.
Il faut dire qu'il est particulièrement difficile de voir des personnages évoluer quand on constate que ceux-ci sont plus proches de caricatures qu'autre chose. Si Guillaume Canet peut d'enorgueillir d'un casting de « stars » avec entre autres François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel et Jean Dujardin, les rôles qu'ils interprètent sont complètement ridicules. Au mieux on a peu de choses à dire sur eux (les personnages féminins de Véronique et d'Isabelle), au pire on atteint un degré de crétinerie qui est tout bonnement affligeant.

Sur ce dernier point, les acteurs masculins tiennent le haut du pavé. La palme revient sans conteste à François Cluzet qui surjoue à fond dans son rôle de riche psychorigide. Mais François Cluzet n'est pas un cas isolé. Il est tout de même brillamment épaulé, si l'on peut dire, par un trio d'acteurs bien risibles. Benoît Magimel, habitué à des rôles sérieux dans des films d'auteur, a la malchance d'écoper du rôle du copain qui décide d'avouer à celui-ci son homosexualité (alors que, comme il le dit, il n'est pas homosexuel, il aime juste les mains de son pote et souhaite éventuellement coucher avec celui-ci !). Le rôle de Magimel n'est pas du tout crédible. Mais bon, il y a pire.
Les acteurs Gilles Lellouche et Laurent Laffite sont des révélations à un tel niveau de nanardise. Gilles Lellouche incarne Éric, un homme qui trompe à tout-va sa copine et s'étonne que celle-ci ne souhaite pas lui parler lorsqu'il se décide enfin de la revoir sur Paris. Quant à Laurent Laffite, il est Antoine, le benêt du groupe, un homme de 34 ans qui a besoin de l'avis de tous pour savoir s'il doit ou non répondre à des texto en provenance de son ex. Les interventions de ces deux personnages frisent parfois le fou-rire tellement les gags sont d'une incroyable lourdeur. Citons à titre non exhaustif la scène avec le bateau qui s'écrase car Antoine tentait de répondre à un appel téléphonique. Du côté d’Éric, il y a aussi du lourd avec une déclaration à la Roméo et Juliette complètement surjouée ou plus tard le fait qu'il décide de boire un coup directement après avoir évoqué sa séparation d'avec sa copine. Et puis les deux acolytes que sont Antoine et Éric sont constamment réunis par leur côté inculte. Le coup des grains de riz à qui l'on parle pour faire évoluer sa texture est tellement énorme qu'on ne peut s'empêcher de l'évoquer.
Mais me direz-vous, l'histoire dans tout ça ? Eh bien, comme dit précédemment, elle reste toujours au même point, zéro. On en arrive même à ne pas comprendre pourquoi Guillaume Canet a décidé de donner un aspect dramatique à son film car exception faite du début, on ne reparle du fameux Ludo que très épisodiquement. D'ailleurs, on ne saura jamais pourquoi le film s'intitule les petits mouchoirs. Honnêtement on ne peut pas dire que tous ces copains soient sympathiques et encore moins qu'ils soient tournés vers un humanisme béat. Ils se font des coups-bas (à l'instar du personnage de Marie, jouée par Marion Cotillard qui a visiblement couché avec tout le monde, hormis nos deux zozos, Éric et Antoine), ils n'osent pas dire ce qu'ils pensent les uns des autres et in fine ils ne sont tournés que vers leurs préoccupations personnelles. Bref, difficile de croire que ce film fait l'apologie de l'amitié.
En revanche, ce qui est certain, c'est que sans le vouloir, Guillaume Canet réussit le tour de force de faire de son film haut de gamme un pur nanar. Les scènes hilarantes, dues à des acteurs en sur-jeu ou tout simplement à des incohérences scénaristiques, sont légion. Pour le plaisir, évoquons tout de même la personne de Max qui devient fou à cause de ses fouines et se met à péter une porte. Le même personnage obtient également un oscar du ridicule lorsqu'on le voit perdre son slip dans la vase. Côté incohérences citons par exemple le coup de la copine d’Éric qui vient jusqu'à l'aéroport de Bordeaux pour finalement lui dire que tout est fini (pourquoi dans ce cas n'est-elle pas restée à Paris ?) ou encore le choix de Juliette de retourner avec Antoine alors qu'elle vit avec quelqu'un depuis un an et est sur le point de se marier. Et puis il y a Jean-Louis (Joël Dupuch) qui connaît tout le monde par coeur et qui est le meilleur ami de chacun alors qu'au fond il ne voit ces gens qu'une fois par an, tout au plus. C'est pas très crédible tout ça.
Mais que dire de la fin du film ? Le changement de ton est radical avec un côté comique qui disparaît pour laisser la place au drame. Évidemment, tout cela est très mal amené et le changement de situation est tellement brutal qu'il apparaît peu crédible. Alors que les « amis » de Ludo ne parlaient jamais de lui, tout d'un coup ils se souviennent qu'il existe. Ah manque de chance il vient juste de décéder. Bon c'est pas grave cela va tout de même permettre à Guillaume Canet d'offrir au spectateur des obsèques à Ludo longues et larmoyantes à souhait. Quand on voit plusieurs des protagonistes faire leur déclaration sur le cercueil de Ludo, on a peur que tous décident de s'y mettre. Heureusement ça ne sera pas le cas.
Mais au final y-a-t-il quelque chose à sauver dans ce film ? Oui, la musique. La bande son orientée soul est très agréable. Et puis il y a Maxim Nucci qui a droit à un petit rôle, ce qui lui permet à l'occasion de faire étalage de son talent de chanteur. Mais au fait, pourquoi celui que l'on appelle désormais Yodelice apparaît dans le film de Canet ? Certainement parce qu'il s'agit d'un de ses copains? En effet, on notera que Guillaume Canet a réalisé le clip du single « Sunday with a flu » du premier album de Yodelice.
En conclusion, Les petits mouchoirs est un film où Guillaume Canet ne prouve ni être un bon directeur d'acteurs ni un bon dialoguiste. Cela plombe largement un film qui en outre n'évolue guère pendant sa longue durée. Les 2h34 sont donc d'autant plus difficiles à encaisser. Heureusement le côté outrancier des personnages permet de passer le temps.

Titre du film : Paranormal activity 2

Réalisateur : Tod Williams

Durée du film : 1h31

Date de sortie au cinéma : 20 octobre 2010

Avec : Brian Boland (Daniel), Molly Ephraim (Ali), Sprague Grayden (Kristi), Katie Featherston (Katie), Micah Sloat (Michah), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Tod Williams, Paranormal activity 2 est très logiquement la suite de Paranormal activity. Le film entend surfer sur la vague de ce film d'horreur qui avait fait le buzz autour de lui et avait permis à son réalisateur d'engranger beaucoup d'argent alors que le film avait coûté quasiment rien.
Évidemment, il vaut mieux battre le fer tant qu'il est encore chaud. C'est la raison pour laquelle seulement 10 mois après la sortie du premier opus, on a droit à un second Paranormal activity.
Exit Oren Peli, cette fois-ci c'est Tod Williams qui est aux manettes de ce film narrant des phénomènes surnaturels. Le budget est également beaucoup plus conséquent puisque l'on dépasse les 2 millions de dollars. Au vu du film, on peut se demander où est passé le budget. Dans la publicité pour faire venir les spectateurs ? Peut-être.
Toujours est-il que Paranormal activity 2 n'a semble-t-il aucun autre but que celui de rapporter de l'argent.
Autant le premier opus pouvait apparaître un peu original en utilisant le filmage d'un caméscope et des caméras de surveillance pour faire monter progressivement la peur, autant le second opus n'apporte rien de plus.

On serait même tenté de dire que ce film tourne à vide. Le réalisateur ne s'est pas embêté la vie au niveau du scénario en décidant de planter l'esprit maléfique dans une maison où vivent une famille entière avec un couple, une adolescente et un bébé. Comme pour hasard, ou en tout cas pour faire le lien entre les deux opus, le réalisateur a choisi que la femme du couple serait tout simplement Kristi, la soeur de Katie, héroïne de Paranormal activity.
Le film débute d'ailleurs 62 jours avant le meurtre de Micah pour s'achever un jour après ce même meurtre. On voit donc plusieurs fois Katie mais également Micah qui va se retrouver une fois à filmer une scène du film que l'on observe. Quel intérêt de cette scène ? Aucun.
Paranormal activity 2 se démarque d'ailleurs du premier opus par sa capacité à provoquer l'ennui. Pendant tout de même au moins la moitié du film, il ne se passe strictement rien. On voit juste la vie quotidienne d'une famille tout à fait banale de la middle-class américaine.
C'est intéressant de faire comme le premier film et d'indiquer à chaque fois qu'il s'agit de la première nuit, de la deuxième, etc. et d'indiquer constamment l'heure mais encore faudrait-il qu'il y ait une raison. Car s'il ne se passe rien, cela n'est pas très utile. En effet, hormis regarder un robot de piscine qui bouge tout seul la nuit, le spectateur n'a vraiment rien à se mettre sous la dent pendant un bon moment.
Le réalisateur tente manifestement par instants de réveiller le spectateur avec le bruit de portes qui claquent, des ustensiles de cuisine qui tombent tous seuls, le chien qui flaire une présence, les meubles de la cuisine qui s'ouvrent tous tout d'un coup ou encore le bébé qui sort, aidé par une force, de son parc.
Non seulement ces éléments sont vraiment peu de choses, mais en outre on a la désagréable impression d'avoir vu et revu tout ça à plusieurs reprises. C'est le cas dans plusieurs films d'horreur mais aussi et surtout tout simplement dans Paranormal activity premier du nom.
Certaines scènes sont littéralement pompées du premier opus comme l'idée du ouija qui bouge tout seul ou encore la jeune femme qui voit ses mouvements dictées violemment par une force inconnue. En fait, tant au niveau des personnages qu'au niveau des situations, on a l'impression de revivre la même chose que le premier opus, le côté surprise ou buzz ne pouvant plus marcher.
Et puis il y a même dans ce film un humour qui ne vole pas haut, avec des blagues sur la présence d'esprits. On ne peut même pas se raccrocher à un côté sérieux entièrement assumé.
En outre, certaines scènes peuvent paraître incohérentes. En effet, pourquoi décider d'accélérer la bobine (qui est censée avoir été récupérée par la contribution des familles de victimes et par la police de Carlsbad) à deux reprises ? De cette façon, on sent trop qu'il va – peut-être – se passer une chose extraordinaire.
Le seul élément positif du film tient à la façon de lier les deux opus à la fin du film dans un final certes quelque peu tiré par les cheveux mais qui a le mérite d'être assez énergique (à tel point que par moments on ne comprend plus ce qui a lieu).
En conclusion, Paranormal activity 2 est un film totalement inutile, qui sent vraiment le réchauffé. L'originalité du premier opus – qui n'était déjà pas un film exempt de défauts, en raison de son faible budget notamment – a disparu et laissé la place à un film parfaitement anecdotique. Dans le genre film de maison hantée, mieux vaut cent fois se regarder Poltergeist, film beaucoup plus convaincant et prenant.

par Nicore

Après un mois de septembre ayant été marqué par un regain d’activité chez les éditeurs au niveau des sorties de titres du genre fantastique ou horrifique, ce mois d’octobre qui vient de s’achever aura largement confirmer cette tendance, avec bien entendu des ressorties en DVD et surtout en Blu-ray de films déjà disponibles, mais également avec de nombreux inédits qu’il nous est désormais disponible de découvrir.

Commençons par ces ressorties avec TF1 Vidéo qui s’est offert les Blu-ray de Paradise lost et du mitigé Captivity, tandis que Universal aura étoffé son catalogue d’une copieuse édition Blu-ray du célèbre Psychose, laissant 20th Century Fox disposer d’un Alien Anthology en Blu-ray en édition limitée et en édition événementielle avec un packaging collector, en attendant l’édition ultime prévue pour début novembre.

Mais au jeu des ressorties, Opening aura une fois encore frappé fort en profitant de la sortie du dernier film de zombies de Georges A. Romero survival of the dead pour rééditer aussi bien La nuit des morts-vivants en édition spéciale que zombie en DVD et en Blu-ray, sans oublier Le jour des morts-vivants toujours sur les deux supports, et même le mauvais Le jour des morts-vivants 2, mais uniquement en DVD, faisant du coup passer complètement inaperçu le retour du très moyen Caved in dans les bacs. Dans le même ordre d’idée, Metropolitan aura profité de la sortie chez New Line de l’attendu (à tort ?) remake des Griffes de la nuit pour proposer une édition en Blu-ray de l’original mais aussi de Freddy contre Jason.

Après les remakes, les suites, avec encore 20th Century Fox mais cette fois pour la sortie du bien gore Détour mortel 3, et ce même si la franchise commence gentiment à battre de l'aile, et alors que Sony Pictures aura donné sa chance à un 30 jours de nuit 2 que l'on espère aussi probant que son prédécesseur, et M6 vidéo se sera aussi contenté de verser dans la redite avec un néanmoins amusant et bien sanglant Feast 2 et un Pulse 3 par contre sans grand intérêt.

On pourra saluer la sortie de l’hommage français au "giallo", le controversé Amer que Wild Side aura eu le bonne idée de proposer après un passage en salles trop discret. De son côté Zylo aura permis au très sympathique Autopsy (critiqué ici dans son édition en zone 1) de se faire connaître chez nous, amis aussi à un Supercroc bien plus banal, tout comme le Flu birds mis en vente par WE productions.

Elephant Films sera resté discret avec uniquement l'édition d'un Mutant assassin sentant bon la série B à plein nez, Universal ayant pour sa part disposé d'un Sexy killer à la réputation partagée et France Télévisions aura mis en vente un Fear island flirtant avec le "survival". De son côté, Emylia aura continué à nous proposer des inédits intéressants, avec d'abord Chasseur de têtes (présenté ici et critiqué là) mais surtout l'excellent Jack Brooks, tueur de monstres (présenté ici et critiqué dans son édition en zone 2 anglaise là !).

Artus Films aura pour sa part poursuivi sa recherche de titres anciens et rares avec deux sorties inespérées, celle du Spectre du professeur Hitchcock de Riccardo Freda avec Barbara Steele et du trop méconnu Messiah of evil pour deux titres à (re)découvrir d'urgence, auxquels viendra s'ajouter une œuvre horrifique française, Climax.

Enfin, revenons vers Metropolitan qui aura en ce mois d'octobre sorti l'artillerie lourde avec déjà l'anthologie Fear itself, souvent présenté comme une troisième saison des "Masters of horror" et son édition collector alléchante, mais cela ne devra pas occulter les sorties de Cabin fever 2 de Ti West qui même s'il renie en partie le film à cause d'un remontage sévère aura laissé une œuvre probante (l'éditeur ayant profité de l'occasion pour éditer un Blu-ray du premier volet de la courte franchise), de Long week-end, le nouvel effort de l'attachant Jamie Blanks (l'auteur de Storm warning) ou encore d'un Pathology trop longtemps attendu, et ce sans oublier un fort réussi Infectés qui gagnera à s'éloigner des traditionnels films de zombies rapides, toutes ces sorties faisant ainsi presque oublier un Carny bien anodin.

Donc, comme on vient de le voir, ce mois d'octobre aura été riche et largement fourni pour l'amateur d'œuvres fantastiques et horrifiques, pourvu que cela dure en novembre et comme d'habitude, le rendez-vous est déjà pris pour vérifier si cette vitalité retrouvée des éditeurs se sera confirmée ce mois-ci !

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Captivity (Blu-ray)


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Psychose (Blu-ray)


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Survival of the dead


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Feast 2 : No limit


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Pulse 3


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Flu birds


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Mutant assassin


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Sexy killer


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Fear island - Edition 2010


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Titre du film : Vénus noire

Réalisateur : Abdellatif Kechiche

Durée du film : 2h44

Date de sortie au cinéma : 27 octobre 2010

Avec : Yahima Torres (Saartjie Baartman), André Jacobs (Hendrick Caezar), Olivier Gourmet (Réaux), Elina Löwensohn (Jeanne), François Marthouret (Georges Cuvier), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Abdellatif Kechiche (auteur de l'excellent film L'esquive, variation subtile du marivaudage en banlieue ; et de La graine et le mulet, film bien ancré dans un univers à la Pialat), Vénus noire revient sur un épisode tristement célèbre de l'histoire avec la vie ô combien difficile de Saartjie Baartman, une africaine hottentote qui n'aurait cessé d'être asservie durant toute sa vie.
La première grande réussite d'Abdellatif Kechiche est d'avoir respecté dans ses grandes lignes tout ce qui est connu de cette femme, ce qui rend d'autant plus terrible le déroulement de cette histoire.
Dès le départ, avec cette femme qui est exposée tel un animal de foire, on pense au sublime Elephant man de David Lynch. D'autant que comme Elephant man, Saartjie va être étudiée par des spécialistes de son époque. Le parallèle s'arrête là. Car même si Elephant man est un film terrible dans ce qu'il décrit, il n'en reste pas moins un film humaniste. Ce n'est pas le cas du film Vénus noire.
A aucun moment, le film d'Abdellatif Kechiche évoque une bonté ou à tout le moins une condescendance de certains hommes à l'égard de Sartjie. Bien au contraire. Sa situation n'aura de cesse d'évoluer, et pas vraiment dans le bon sens. Au début du film, on voit que la statue de celle qui a été surnommée la Vénus noire ainsi que ses attributs qui ont été disséqués, est montré par l'anatomiste Georges Curvier, comme si elle était un animal. D'ailleurs, cette femme hottentote qui se caractérise par un fessier très imposant ainsi que des lèvres vaginales très allongées, est comparée à un singe. Elle serait un être unique prouvant que l'on peut trouver des êtres proches du singe.

Cette scène est terrifiante, elle est même abjecte. Mais le reste du film, particulièrement brillant, va permettre de raconter l'histoire cruelle de cette femme, qui n'aura de cesse d'être jetée en pâture de tous les curieux ou de tous les gens malsains. Et Abdellatif Kechiche, qui déjà fait preuve d'un certain talent narratif, joue beaucoup sur l'aspect d'une part répétitif et d'autre part cumulatif. En effet, pendant un bon moment, on voit à plusieurs reprises notre Vénus noire qui doit participer à un spectacle où elle commence dans une cage pour faire croire qu'elle est une sauvage. Lors de ce spectacle, elle doit accepter que les spectateurs lui touchent ses fesses proéminentes.
Les choses ne vont cesser d'aller de mal en pis. Ainsi, lors le spectacle arrive en France en 1815, l'humiliation devient encore plus grande puisqu'elle donne cette fois l'impression d'être un animal puisque les gens la chevauchent s'ils le souhaitent. Le fait est que l'on soit dans des endroits malfamés de Londres ou dans des endroits chics de Paris, la réaction est toujours la même et les gens sont friands de voir cette Vénus noire.
Les choses ne cessent de se dégrader et la Vénus noire terminera dans la prostitution et lorsqu'elle décèdera ses restes seront récupérés par la science, faisant dans ce dernier cas écho au début du film.
Si le film est bien réussi malgré sa longueur (2h40), c'est non seulement en raison de cette sorte de biopic très documenté et très « cash » (les organes de Saartjie qui sont récupérés à la fin du film ont un aspect vraiment clinique qui rend le spectateur proche de l’écœurement), mais également en raison d'autres facteurs. Comptons parmi ceux-ci la distribution de haut niveau dans ce film avec une Yahima Torres époustouflante dans le rôle très physique de la Vénus noire mais aussi de ses patrons, particulièrement salauds et avides d'argent qui sont joués avec brio par les acteurs André Jacobs et un bien sadique Olivier Gourmet.
On signalera aussi que le film est superbement filmé, avec notamment de très beaux gros plans, qui insistent sur la détresse de cette femme qui subit les événements et laisse clairement comprendre qu'elle ne supporte pas que sa dignité de femme soit bafouée. En vain. On appréciera d'ailleurs ces plans serrés qui mettent également en lumière le côté inhumain des spectateurs, qui sont soit indifférents aux sévices qu'on fait subir à la Vénus noire soit se montrent odieux par leurs faits et gestes ou leurs paroles. Par là même, Abdellatif Kechiche pose une vraie réflexion sur la nature humaine.
On notera en outre que la photographie du film est superbe, on a vraiment par instants l'impression d'assister à de véritables tableaux animés, lors des représentations de la Vénus noire.
Film très ambitieux d'Abdellatif Kechiche qui a tenté par là même de rendre justice à cette femme dont l'honneur a été sali toute sa vie, Vénus noire est une vraie réussite. C'est un film choc qui laisse pantois et ne peut que toucher le spectateur dans son for intérieur. C'est un beau film mais d'une grande intensité et réservé a priori à un public averti. On attend avec impatience le prochain film d'Abdellatif Kechiche.

Titre du film : Il reste du jambon ?

Réalisatrice : Anne Depetrini

Durée du film : 1h30

Date de sortie au cinéma : 27 octobre 2010

Avec : Ramzi Bedia (Djalil), Anne Marivin (Justine), Jean-Luc Bideau (Charles), Marie-France Pisier (Nicole), Géraldine Nakache (Sophie), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Anne Depetrini, la compagne à la ville de Ramzi Bedia, Il reste du jambon ? est une comédie qui souhaite évoquer la difficulté des couples mixtes en France, à l'instar du long métrage Mauvaise foi de Roschdy Zem.
Seulement, si les bonnes intentions du film sont une chose, la façon de les exprimer en sont une autre. Passons rapidement sur la mise en scène et la photographie qui n'ont rien de génial, et donnent plutôt l'impression de voir un téléfilm quelconque qu'un film. Car il y a bien pire.
Le film contient une accumulation de clichés, et finit par desservir les bonnes intentions de base.
Rappelons d'abord que le scénario du film concerne la romance entre une jeune femme, Juliette, qui travaille à la télévision et un médecin urgentiste arabe, Djalil. La femme est jouée par Anne Marivin et l'homme par Ramzi Bedia, le comédien célèbre avec son camarade Eric.
Pour parler de cette histoire, Anne Depetrini n'hésite pas à aligner les clichés les plus ridicules : le personnage de Djalil est pris à parti dans un magasin où il est suspecté d'être un voleur (le cliché de l'arabe voleur) ; les copains de Djalil sont tous des garçons de banlieue qui au demeurant volent des portables ; la belle-famille de Djalil est raciste et pense sans le connaître que Djalil est un terroriste qui appartient au mouvement d'Al Kaïda ; tous les arabes adhèrent à l'Islam et pratiquent la religion ; tous les arabes font le ramadan ; dans le cadre de la fête de l'Aid El Kébir (« fête du sacrifice ») Djalil a évidemment chez lui un mouton qui est dans la baignoire, prêt à être égorgé ; dans un mariage islamiste les hommes et les femmes sont séparées et il n'y a pas de consommation d'alcool.
De telles caricatures sont tellement mal amenées qu'elles finissent par être quasiment dangereuses. En effet, si certaines personnes avaient la mauvaise idée de prendre pour argent comptant ce qui est dit dans ce film, il y a de quoi être inquiet.
Certaines scènes sont carrément pathétiques, à l'instar de cette scène où les étrangers sont comparés à des chiens. La mère de Juliette, jouée par une Marie-France Pisier qu'on a senti plus inspirée, déclare que son chien afghan n'a jamais pu s'habituer aux autres. Et puis elle déclare que son chien chinois, nommé Mao (quelle finesse !) est fourbe. C'est sympathique pour les Chinois qui n'ont rien demandé à personne et ne sont pas concernés en tant quel tel dans le film. Il y a plus grave : la mère de Juliette déclare qu'il y a des races (au passage, notons que dans le monde, il n'y a qu'une race, à savoir la race humaine) qui sont incompatibles.
Les préjugés censés être combattus dans le film se retournent en fait contre ce dernier. Il faut dire qu'au-delà d'éléments évoqués de manière caricaturale, les répliques censées être drôles se démarquent plutôt par une lourdeur certaine. Au début du film, la scène avec les croquettes mi-homme mi-chien qui fait gonfler la joue de Juliette n'est pas sans rappeler Banzaï avec Coluche, mais finit par fatiguer avec son aspect répétitif. Plus nul, il y a la scène avec le paquet de jambon dans le frigo qui explique le titre du film et se révèle ridicule. On a même des scènes incohérentes comme le fait que Juliette s'offusque que sa belle-mère se moque d'elle et ne parle qu'en arabe, et cette même belle-mère qui devient l'amie de Juliette en disant que sa belle-fille a du caractère !
Côté direction d'acteurs, c'est le néant total. On a presque mal de voir dans un tel film Jean-Luc Bideau et Marie-France Pisier dans des rôles de racistes. Les autres acteurs sont tout aussi caricaturaux et semblent naviguer à vue. On a l'impression de retrouver des acteurs en roue libre, à l'instar de Ramzi Bedia qui en fait des tonnes.
Au final, y a-t-il quelque chose à sauver dans ce film ? Non, même en regardant attentivement il n'y a vraiment rien. Au mieux ce film peut être qualifié de maladroit avec ses clichés présents à foison et ses personnages qui sont de véritables caricatures. Au pire ce film sans intérêt pourrait véhiculer le contraire de ce qu'il souhaite, à savoir des préjugés racistes. Franchement, sur le sujet des unions mixtes, il y a bien mieux. Voilà un film à éviter.

"Les dents de la mer " en 1975 fut le premier des soubresauts qui révolutionna l'ère du nouvel Hollywood et de ses personnages atypiques (Scorsese, Coppola, William Friedkin, John Cassavettes, etc.).

Spielberg ne fait pas partie de cette nouvelle vague, ou drogues, sexes, est le quotidien, il se place comme Georges Lucas dans une veine classique de réalisateur.

Ce film d'horreur dont tout le monde pensaient voir la chute fut un choc ! il explosa le box office d'une phénoménale manière ! Spielberg devint riche du jour au lendemain !
Ce succès vint en partie de l'aspect technique, le requin mécanique fonctionnait très mal et ses réactions étaient peu crédibles, le retard du tournage prenaient des proportions importantes.

Désespéré, la production chercha l'idée qui pourrait les sauver du naufrage.....
Elle fusa brusquement pourquoi ne pas visualiser le requin par des effets de caméra qui donnera l'impression au public d'être au contact direct du monstre ! et puis caractérisons son arrivée par un passage musical menaçant et personnalisé ! idée de génie !

Cette approche filmique aidée par le scénario brillant, dense en épisodes chocs et par l'interprétation de personnages bien écrits assura la construction narrative du métrage d'un formidable manière. Spielberg fit un film superbe et ce fut la seule fois où il permis cette assemblage de compétences et de foisonnement d'idées. Ces prochains films seront verrouillés et seul son égo cinématographique sera admis. Le succès monte très vite à la tête !

" La guerre des étoiles " apporta le deuxième choc filmique l'envie du jeune public vers le film technologique. Cette production ouvrit un univers fascinant et un terreau de qualité pour les superproductions.
Ce métrage arriva au bon moment, le spectateur se lassait de la violence, de la noirceur du cinéma d'auteur, ce nouveau spectacle activa l'éblouissement des pupilles et le divertissement de loisir sans prises de têtes, sans messages spécifiques, juste un amusement pop corn, qui arriva en concordance avec la demande publique.
Ce métrage fut la fin de l'intérêt des jeunes pour la contre-culture du cinéma du nouvel Hollywood.

"La porte du paradis" fut un ratage public complet, Cimino sut vaincre tous les obstacles pour monter son film. La distribution brillante, bien que d'acteurs de seconds plans, assura au film une ossature de qualité pour donner vie aux personnages.
Plus important encore il sut se mettre dans la poche les producteurs qui le laissèrent exploser le budget !
44 millions de dollars plus tard et avec 1,3 millions (somme dérisoire) de dollars en entrées, United Artists ne put que se déclarer en faillite. Ce fut également la fin professionnelle du réalisateur.

L'électrochoc fut profond pour les studios, Paramount initia un mouvement et décida d'enlever aux réalisateurs les rênes du pouvoir. Dorénavant ce sera les producteurs qui mèneront la barque du cinéma américain !
C'est l'ère des Don Simpson, des Bruckeimer, des Kassar et Vajna et la fin de petites sociétés qui avaient contribué à la vitalité du cinéma d'auteur des années 70.

Scorsese dira en 1977....

" Lucas était in, Spielberg était in, et nous nous étions foutus."

Spielberg....

J'ai juste compris ce que les gens avaient envie de voir, j'ai agi en conséquence. "

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La porte du paradis - Edition 2006


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Star Wars : La trilogie : Episodes IV - V - VI / 4 DVD


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Titre du film : Macao
Réalisateur : Clemens Klopfenstein
Durée du film : 90 minutes
Date de sortie du film : 1988 (film diffusé en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Hans-Dieter Jendreyko, Christine Lauterburg, Max Rüdlinger, Hans-Rudolf Twerendold, Tin Hong Che, Sio Heng Ieong, etc.

Par Nicofeel

Réalisé en 1988 par Clemens Klopfenstein, Macao ou l'envers des eaux est certainement l'un des films les plus anthropologiques du cinéma suisse. Il mélange en effet deux cultures différentes, à savoir d'un côté le folklore suisse et de l'autre des croyances asiatiques.
Furieusement romantique, le film l'est aussi bien par sa thématique (l'amour pur d'un couple) que par sa mise en scène très audacieuse.
On est mis dans l'ambiance du film dès le départ avec un couple, Mark et Alice, qui s'aime passionnément et fait l'amour. Le cinéaste a décidé de donner un côté atemporel à cet amour en mettant un filtre bleu.
On voit que Mark a un accident d'avion et c'est la raison pour laquelle on le retrouve dans l'eau avec la valise. La question qui se pose est alors de savoir s'il vit réellement les événements auxquels on assiste ou si tout se passe dans sa tête et qu'il est finalement au seuil de la mort.
Pour l'instant ce n'est pas la question. Mark débarque à Macao (une presqu'île au sud de la Chine) et est accueilli par un chinois. Il y a d'abord la barrière de la langue. Très intelligemment, le cinéaste a mis le spectateur dans la même situation que son principal protagoniste en décidant de ne pas sous-titrer le langage parlé par le chinois.
Ce séjour va être l'occasion pour Mark, qui ne réussit pas à quitter cet endroit, de s'adapter à la langue (la jeune Ping-Ping lui apprend quelques mots) et aux coutumes locales.
A de nombreuses reprises, il y a des raccords entre ce que vit (ou ce que fantasme) Mark et ce que vit sa femme Alice. Comme sublime preuve d'amour, cette dernière décide d'ailleurs de partir à sa recherche.
Très beau sur le plan visuel avec notamment de superbes paysages naturels, Macao offre de nombreuses scènes surréalistes comme ce moment où Mark et le capitaine Kreuger rament sur une barque, avec comme fond d'écran de fausses étoiles. D'ailleurs, les relations entre ces deux hommes donne parfois lieu à des scènes drôles, complètement décalées.
L'interprétation des acteurs est sans faille et on appréciera aussi bien leur jeu pur que les chansons qui émaillent le film et accroissent le côté romantique de ce long métrage.
Au final, Macao est un beau drame romantique qui comporte un vrai côté dépaysant par son action qui se déroule en grande partie en Asie.

Titre du film : Happy few

Réalisateur : Antony Cordier

Durée du film : 103 minutes

Date de sortie du film : 15 septembre 2010

Avec : Elodie Bouchez, Nicolas Duvauchelle, Roschdy Zem, Marina Foïs, Jean-François Stévenin, etc.

Par Nicofeel

Un film avec la nouvelle vague d'acteurs français avec des personnes telles qu'Elodie Bouchez, Nicolas Duvauchelle, Roschdy Zem ou encore Marina Foïs, voilà à la base une nouvelle plutôt plaisante.
Surtout que la thématique, deux couples qui décident de changer mutuellement leurs partenaires peut poser question.
Le problème est que le cinéaste réalise un film qui tourne assez vite en rond et se révèle même plutôt malaisant, sans que l'on soit forcément quelqu'un de réac'.
Le premier problème du film est le point de vue utilisé par le cinéaste. Dès le départ, il part bille en tête avec l'idée qu'il est tout à fait possible que des couples décident immédiatement de relancer leur amour en changeant de partenaire, avec un couple unique qu'ils viennent juste de rencontrer.
Il faut bien reconnaître que tout ceci manque tout de même de crédibilité, surtout si l'on part du postulat que vous aimez votre conjoint.
Mais surtout tout est accepté de part et d'autre et cela paraît normal de coucher avec une amie et de retrouver quelques heures plus tard son époux ou épouse. Et pour appuyer un propos déjà bien lourd, le réalisateur décide de multiplier les scènes de sexe qui ont plutôt pour effet de mettre le spectateur dans une situation de voyeur, assistant à des scènes que l'on peut aisément qualifier de gratuites.
Dans ce film qui se veut sans doute libertaire, on ne se pose jamais beaucoup de questions. Les couples couchent ensemble et recouchent ensemble. Dès le début, personne ne se demande s'il n'y a pas tromperie dans cette affaire ?
Non il y a juste une histoire d'être mieux. Si l'on décide d'accepter ce postulat qui est tout de même très spécial, reste l'idée de savoir si l'on peut aimer deux personnes à la fois. Le réalisateur esquisse à peine cette hypothèse.
Ce qui est tout de même dommage car on aurait bien aimé au contraire que les points de vue se confrontent et révèlent les doutes de cette situation. Car les doutes n'arrivent qu'au moment où les personnages en ont marre de cette situation, ayant peur de perdre leurs conjoints.
A fortiori, on se doute bien que cette affaire va forcément se terminer un jour ou l'autre. Alors quel est le but de ce film ? On ne voit pas bien. Choquer pour choquer ou donner une pseudo idée de liberté.
Il n'y a malheureusement pas grand chose à sauver de ce film soit très maladroit soit carrément contestable sur son fond. On notera tout de même la très sympathique apparition de Jean-François Stévenin qui évoque la parabole du fils prodigue. On peut bien évidemment faire le lien entre cette parabole et nos protagonistes. Sauf que ces derniers ne cherchent qu'à la fin à revenir à leur situation initiale. Et évidemment cela n'a porté à aucune conséquence. Encore qu'ils regrettent surtout de ne plus voir l'autre couple.
Bref, ce film Happy few est une vraie déception. S'il est sympathique de constater que des couples peuvent apprendre des choses d'autres couples, ce que nous montre clairement le film, il n'est pas besoin pour autant de coucher avec l'autre. Le propos du film paraît assez douteux.
Les acteurs ne sont pas mauvais en tant que tels mais ils sont forcément aspirés par cette histoire qui a de quoi laisser dubitatif. Mieux vaut voir ces acteurs dans d'autres films. Pour ma part, je préfère revoir notamment Marina Foïs dans l'excellent J'me sens pas belle, où elle interprète brillamment une trentenaire de son temps.
Ici, si le but est de s'inscrire dans notre monde contemporain, la méthode utilisée n'est pas forcément la bonne. Le réalisateur, Antony Cordier, nous a habitué à bien mieux avec plus particulièrement le troublant Douches froides (2005).

Titre du film : The housemaid

Réalisateur : Im sang-Soo

Durée du film : 1h47

Date de sortie du film en salles : 15 septembre 2010

Avec : Jeon Do-Yeon (Euny) ; Lee Jung-Jae (Hoo) ; Youn Yuh-Jung (Byung Shik) ; Seo Woo (Hera), Ahn Seo-Hyun (Nami), etc.

Par Nicofeel

Très concerné par la condition féminine depuis qu'il est cinéaste (Une femme coréenne en 2005 ; Le vieux jardin en 2007), le sud-coréen Im sang-Soo continue dans ce qui constitue sa thématique favorite, sauf que désormais ce sujet prend une ampleur encore plus importante.
Signifiant littéralement « la femme de chambre » ou « la bonne », The housemaid est le remake d'un film de 1960, qui a été remis au goût du jour de notre société actuelle.
Le synopsis de The housemaid est simple : une jeune femme, Euny, est engagée par une famille de riches, pour être la servante. Sauf que son contrat ne précisait évidemment pas qu'elle allait se retrouver à coucher avec le père de famille, et être enceinte de lui, ce qui va avoir pour effet de compléter désorganiser les plans de la famille.
Si Im Sang-Soo propose un film autour de la famille, ce n'est que pour mieux critiquer celle-ci. En effet, la famille de nobles qui occupe l'action du film est particulièrement peu sympathique : les gens qui la constituent sont hautains et n'ont pas vraiment d'humanité. Ils pensent que dans notre société tout peut se régler avec l'argent.
A fortiori, ces gens riches ne cherchent qu'une chose : le pouvoir. Et ils l'inculquent même à leur petite fille, Nami. De manière incroyable, cette dernière déclare à Euny que si elle est polie avec tout le monde, c'est que son père lui a demandé d'agir ainsi, car cela prouverait que l'on est supérieur aux autres.
Tout le film est centré sur ce besoin de pouvoir, qui se retrouve à tous les niveaux et se matérialise dans les rapports humains. Au premier niveau, on a droit à des rapports de force entre le maître et son serviteur, ce qui rappelle un peu l'excellent The servant de Joseph Losey. Au deuxième niveau, il y a tout simplement le rapport entre l'homme et la femme. Là, c'est tout bonnement la thématique favorite du réalisateur sud-coréen. Il n'hésite pas à montrer une société inégalitaire où l'homme est tout puissant et où la femme semble bien souvent cantonnée à un rôle second, en lien direct avec les volontés de son époux (faire des enfants, éduquer ces mêmes enfants). Ce n'est absolument pas un hasard si Im Sang-Soo cite dans son film Le deuxième sexe de Simone de Beauvoir, œuvre fondamentale du mouvement féministe, écrit en 1949. Les points évoqués dans ce livre sont toujours d'actualité, plus de soixante ans après sa parution.
Le film indique de manière explicite qu'il y a un troisième niveau de pouvoir, celui entre femmes. Là encore, on peut faire des subdivisions car il y a les rapports entre les femmes de milieux riches et celles de milieux plus modestes. Mais il y a aussi des rapports de force entre des femmes de même milieu. Les femmes sont véritablement terribles entre elles, comme le prouvent les agissements contre Euny quand les femmes de la famille riche apprennent qu'elle est enceinte et donc en capacité de mettre au monde un bâtard si l'on suit leur logique. La grand-mère tente ainsi de tuer Euny et par la suite de la droguer afin de provoquer une fausse couche.
Le mari laisse les femmes régler leurs affaires entre elles alors qu'il est responsable à 100 % et qu'il n'a pas hésité à prendre Euny, cette femme simple et gentille (qui accepte finalement tout ce qu'on lui demande), pour son esclave sexuel, l'obligeant à subir des actes dégradants. L'homme se lave les mains de la cruauté des femmes entre elles et a en outre le toupet de se plaindre à sa belle-mère qu'on ait tué son fils illégitime.
A tous les niveaux de cette société contemporaine, il y a toujours la volonté de prendre l'ascendant sur l'autre. La mise en scène, très soignée, illustre parfaitement cette idée du rapport de force avec de nombreux mouvements à la grue.
Mais comme dans The servant de Joseph Losey tout ne se passe pas forcément comme on l'entend. La révolte des classes populaires peut avoir lieu, même si dans le cas d'espèce il s'agit plus d'un sursaut d'orgueil, d'un cri du cœur que d'une véritable révolte. Euny est une femme fatiguée qui n'en peut plus de vivre dans cette société cruelle où les sentiments n'ont pas cours et où seuls l'argent et le pouvoir sont recherchés.
Cela nous amène à faire un parallèle avec le début du film où la mise en scène était très rapide et rappelait le déséquilibre mental de cette femme qui avait décidé de se suicider. Tout le monde s'en moquait et n'a fait quasiment comme si de rien n'était : on est dans une société déshumanisée. Cette scène évoque avec de l'avance l'acte qui va être commis vers la fin du film par l’héroïne. Elle n'en peut plus de cette société qui l'a littéralement broyée.
De manière très subtile, le film vire progressivement d'un érotisme ambiant (quoique tout cela apparaît généralement comme une relation bestiale, avec un homme qui se considère comme dominateur) vers un drame particulièrement noir (voire cynique comme le prouve la fin). La petite fille, Nami, représente certainement le point de vue du réalisateur, refusant cette société qui est somme toute sordide et pathétique.
En plus d'une mise en scène particulièrement réussie, de thématiques très fortes, on notera l'excellence de la distribution tant de la part de l'actrice interprétant Euny que de ceux jouant le rôle de ces bourgeois qui sont très beaux mais ont un cœur de pierre.
Voilà sans conteste un film essentiel de l'année 2010 qui prouve une nouvelle fois tout le talent d'Im Sang-Soo, qui est vraiment un réalisateur contemporain à suive.

Titre du film : Jenatsch

Réalisateur : Daniel Schmid

Durée du film : 97 minutes

Date de sortie du film : 1987 (film vu en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Michel Voïta (Christophe), Christine Boisson (Nina), Vittorio Mezzogiorno (Jenatsch), Jean Bouise (docteur Tobler), Carole Bouquet (Lucrezia), Fredi M. Murer (l'archiviste), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par l'excellent Daniel Schmid, auteur du sublime film La paloma, Jenatsch est la première collaboration de ce cinéaste suisse avec le romancier Suter. Le film utilise le canevas du roman policier, avec une dose d'humour délibérée et bienvenue.
Le film part d'un reportage autour du squelette de Jenatsch (pasteur protestant qui se fit remarquer au XVIIème siècle notamment lors de la guerre de 30 ans et qui mourut en 1639), héros des Grisons, qui a été découvert récemment.
Le professeur Tobler (interprété par un formidable Jean Bouise qui en fait des tonnes !) est un anthropologue qui a découvert Jenatsch. Il possède le grelot de Jenatsch (macguffin hitchcockien ?) qui devrait permettre de retrouver par extension son tueur. Cela va donner l'idée à un journaliste (très bon Michel Voïta), Christophe Sprecher, fait un article sur Jenatsch.
Dans le cadre de ses investigations, Christophe va rencontrer des gens et des lieux qui vont lui rappeler des lieux de l'époque de Jenatch, à tel point qu'à de nombreuses reprises il se retrouve en plein XVIIème siècle. Avec finalement très peu de moyens (juste des habits d'époque et quelques objets caractéristiques), Daniel Schmid réussit à nous faire passer d'une époque à l'autre. Le fantastique peut intervenir dans ce film à n'importe quel moment du quotidien et c'est une qualité évidente de ce long métrage pour le moins curieux.
Comme le dit la dame Von Planta, maîtresse du château où a vécu autrefois Jenatsch, « chaque vérité devient une fiction au moment où elle est passée ».
La question qui se pose dans ce film où on attend impatiemment la résolution de l'intrigue est alors de savoir si Christophe est en mesure d'influer sur l'histoire ou s'il est simplement doué de revoir le passé. Le cinéaste propose à plusieurs reprises de superbes raccords entre le passé et le présent, comme ce moment où Christophe voit Carole Bouquet, qui joue le rôle de l'amie de Jenatsch, passer dans un train.
La fin du film est particulièrement mystérieuse et pose de sérieuses questions sur l'implication de Christophe dans toute cette histoire.
Voilà donc un beau film qui utilise les codes du film d'enquête pour mieux égarer le spectateur avec un aspect fantastique qui s'immisce dans le quotidien le plus banal. C'est sans conteste un film vraiment intéressant qui prouve la capacité de Daniel Schmid de passer d'un genre à un autre sans souci, tout en conservant une vraie atmosphère et une mise en scène au cordeau. Film réservé tant aux amateurs de cinéma d'auteur qu'aux gens curieux.

par Nicore

Vibrant hommage aux films de monstres des glorieuses années 80, ce Jack Brooks, tueur de monstres, resté honteusement inédit en France depuis deux ans, est enfin arrivé chez nous depuis le 19 octobre grâce à l'éditeur Emylia qui a l'excellente idée de nous proposer le film en DVD et en Blu-ray.

Le script va suivre le destin de Jack, un jeune plombier dont la famille s’est fait décimer par un monstre dans sa jeunesse. Alors qu’il aide le Dr. Crowley à réparer sa tuyauterie, un démon se réveille dans la maison et ne tarde pas à prendre possession du docteur. Jack devra alors lutter contre sa colère, combattre le démon, affronter des créatures meurtrières libérées et enfin venger sa famille !

Afin de bien cadrer son intrigue et de présenter copieusement son personnage principal, un anti-héros sympathique au possible, le métrage va donc s'attarder dans sa première partie sur le quotidien de ce Jack Brooks avant de véritablement lancer son action qui heureusement sera largement généreuse aussi bien pour avancer des plans sanglants jouissifs que pour mettre en scène ces monstres graphiques énormes, la critique complète du film dans son édition en zone 2 anglaise étant disponible ici !

L'édition DVD du film proposée par Emylia avancera une image en 1.85 (16/9 anamorphique) pour une bande-son en français en DD5.1 et en anglais sous-titré en DD5.1 et en DTS. Au niveau des bonus, on pourra suivre un sympathique court-métrage français, Game of the dead.Le Blu-ray proposera une image également en 1.85 (1080p/24) et la bande-son en français et en anglais sous-titré en DTS-HD, reprenant par ailleurs le même bonus.

Donc, depuis le 19 octobre prochain, cet excellent film de monstres aussi souriant que graphique est disponible chez nous en DVD et en Blu-ray grâce à Emylia, et pour ceux qui n'ont pas attendu cette date, le DVD est disponible en pack avec le magazine Mad Movies du mois.

Jack Brooks : Tueur de monstres


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Titre du film : Primal

Réalisateur : Josh Reed

Durée du film : 85 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé au festival du NIFFF 2010)

Avec : Krew Boylan (Mel), Lindsay Farris (Chad), Wil Traval (Dace), Rebekah Foord (Kris), Damien Freeleagus (Warren), Zoe Tuckwell-Smith (Anja), etc.

Par Nicofeel

Film australien réalisé par Josh Reed (complètement inconnu au bataillon), Primal est un pur film d'horreur bien gore qui malheureusement ne brille pas vraiment par son originalité. Le film est un banal survival qui ne dispose au final d'aucun élément original. Pire, le côté fauché de ce long métrage l'handicape sérieusement.
Le film démarre d'ailleurs par une introduction où l'on découvre des décors sont particulièrement sommaires. Censée se dérouler il y a 12000 ans, cette scène représente un homme préhistorique en train de peindre des peintures rupestres qui se fait tuer par être mystérieux.
La suite de l'histoire met en scène les principaux protagonistes du film, à savoir comme souvent dans ce genre de films une bande de jeunes, qui passe dans un endroit très sauvage. Particulièrement peu malins, ces jeunes sont à eux seuls de véritables caricatures. On a par exemple droit à la blonde de service qui n'est pas vraiment futée et qui se la joue sexy, souhaitant se baigner en pleine nuit. Cela va être à l'origine de changements en elle, la transformant en sorte de bête assoiffée de sang.
Si l'on passe sur le côté complètement incroyable de l'histoire, on retiendra surtout une caméra qui tremble énormément lors des scènes d'action. Sans compter les nombreux accélérés qui sont là pour donner du rythme. Le cinéaste essaie de dynamiser son film mais il réussit plutôt à saouler le spectateur.
Les défauts du film ne s'arrêtent pas là. La photographie, qui manque cruellement de netteté, laisse clairement entendre que le film a été tourné en vidéo. On a donc d'autant plus de mal à rentrer dans ce film qui est surtout fauché et bien souvent ridicule par les scènes qui sont proposées (on a droit à un moment à une idée complètement saugrenue quand un cannibale décide de forniquer avec la jeune fille transformée en cannibale ; il y même des scènes involontairement drôles, comme lorsque le petit-ami de la blonde pense qu'elle est malade et a besoin d'aide alors que l'on voit clairement qu'elle est dangereuse).
Mais heureusement tout n'est pas à jeter. Les SFX sont plutôt bons avec des effets gore convaincants. C'est d'ailleurs la seule vraie réussite du film. Eu égard aux nombreuses scènes sanglantes, cela permet au moins de passer le temps sans trop s'ennuyer.
Sans conteste, Primal est un film primaire (bon d'accord celle-là elle était facile !) sans aucun côté original et de nombreux défauts inhérents à son faible budget. Voilà un film parfaitement dispensable. C'est sans conteste avec Der damon des himalaya une des deux grosses déceptions du festival du NIFFF 2010.

Par Nicore

Petit film indépendant réalisé par Paul Tarantino (rien à voir avec Quentin), ce Chasseur de têtes ne va pas trop oser se prendre au sérieux pour avancer son intrigue surnaturelle classique mais délivrant un certain humour en caricaturant les "golden boys" américains, tout en souffrant hélas quand même d'une interprétation limitée.
Le script va laisser un jeune agent d'assurances désireux de gagner plus accepter l'offre d'une chasseuse de têtes d'intégrer l'équipe de nuit d'une société dans un immeuble qui va rapidement paraître étrange au nouveau venu, voir même hanté.

Après une séquence d'introduction prometteuse avec cette jeune femme enceinte qui sera décapitée par l'homme l'accompagnant après une brève course-poursuite, le métrage va nous présenter son personnage principal, Ben Caruso, un jeune agent d'assurances rendant visite à Doug Bennet, un de ses clients pour au cours de la conversation être amené à dire qu'il veut changer de boulot afin de gagner plus, Bennet va alors lui confier l'adresse d'une chasseuse de têtes, Sarah Tierney, tout en lui offrant un étrange porte-clés censé porter bonheur et en invitant Ben à aller le soir même rencontrer Sarah.

Ben ira donc au bureau de Sarah, pénétrant dans l'immeuble malgré les avertissements d'un clochard, et découvrira en Sarah une ravissante jeune femme qui ne va pas lui cacher qu'elle a déjà peut-être quelque chose pour lui, chose qui sera confirmée peu après par un appel téléphonique alors que Ben se trouvera chez lui en compagnie de sa petite amie Donna. Ben acceptera l'offre de Sarah très (trop ?) facilement et se tiendra prêt à embaucher le lendemain soir. Cette présentation des personnages principaux sera assez efficace pour rendre ce Ben presque sympathique malgré ses choix hasardeux et rapides, tandis que Sarah dégagera un sex-appeal fort et envoûtant.

Mais dès la première nuit dans son nouveau poste, Ben va commencer à déchanter. En effet, l'immeuble dans lequel il va travailler sera quasiment vide, mis à part ces ombres aperçues et cette voix hostile grésillant dans un interphone et même alors que le lendemain Ben sera retourné au bureau de Sarah pour tomber sur un cabinet de comptables n'ayant jamais entendu parler de Sarah, il retournera travailler le lendemain pour ne pas tarder à voir apparaître Sarah qui va chercher du réconfort auprès de Ben pour finalement coucher avec lui au cours d'une séquence porteuse d'un érotisme presque osé.

La suite ne tardera pas à mettre à jour le twist anticipé par le spectateur pour alors lancer un ultimatum à Ben qui va devoir se plonger dans cette affaire criminelle vieille de dix ans et retrouver la tête de la malheureuse Sarah, fantôme obligé d'errer entre deux mondes jusqu'à ce que sa tête soit retrouvée. La séquence d'introduction ayant déjà défloré ce twist qui n'en sera donc pas vraiment un, le métrage va pouvoir essayer de se jouer du spectateur pour se permettre de délivrer un dernier acte dérivant quelque peu hors des sentiers battus et en tous cas s'éloignant de la trame prévue, et ce malgré une certaine facilité ambiante.

Le réalisateur va s'amuser avec l'univers de cet immeuble de bureaux pour le moins étrange avec ce vide sidéral entourant Ben lors de ses arrivées nocturnes uniquement ponctuées par la présence de cet homme lui tournant invariablement le dos dans l'ascenseur ou encore cet homme de ménage disparaissant au coin d'un couloir, tandis que ses "collègues" sembleront vouloir lui jouer des farces et l'effrayer au lieu de l'intégrer, pour le laisser peu à peu découvrir une vérité surnaturelle guère engageante. Mais ce ne sera pas la seule façon utilisée par l'auteur pour se gausser en arrière-plan de l'arrivisme de son personnage principal puis que tout dans sa façon d'agir précipitée aura de quoi stigmatiser un certain comportement guidée par l'argent.

Par contre, l'aspect surnaturel du métrage restera en majeure partie assez classique et jamais effrayant avec ces spectres aux maquillages très limités et il faudra compter sur quelques apparitions-chocs pour espérer trouver un élan graphique qui viendra aussi se montrer par quelques plans gores volontaires mais sans jamais verser dans l'excès ou la démesure sanglante, ce qui n'empêchera pas certaines séquences d'être baignées d'une ambiance macabre avérée comme ces passages dans ce cimetière noyé dans la brume ou encore lors de ce final sataniste, mais là encore, le manque de budget se fera cruellement sentir au niveau d'effets spéciaux mitigés.

Les personnages seront donc assez bien travaillés pour garantir cette critique sous-jacente, mais l'interprétation ne suivra pas toujours, avec par exemple un Ben John Parillo guère inspiré pour jouer Ben, et ainsi seule la belle Kristi Clainos tirera son épingle du jeu grâce à son charme naturel bien mis en avant par l'auteur. La mise en scène du réalisateur est assez classique et peinera parfois à donner du rythme à l'ensemble, notamment lors de séquences de dialogues mollassonnes. Les effets spéciaux sont donc partagés, avec ces masques spectraux presque risibles qui seront compensés en partie par des plans sanglants plus graphiques.

Donc, ce Chasseur de têtes devrait avoir de quoi distraire son spectateur et l'amuser, mais ne pourra raisonnablement pas pouvoir espérer l'effrayer !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur l'édition française proposée par Emylia, une présentation est disponible ici !

Titre du film : Murderer

Réalisateur : Roy Chow

Durée du film : 120 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Aaron Kwok (Ling), Chun-Ning Chang (Hazel), Siu-Fai Cheung (Ghost), Josie Ho (Minnie), Jan-Yut Tam (Sonny), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Roy Chow, assistant réalisateur d'Ang Lee, et dont c'est le premier film, Murderer est un pur thriller, en tout cas c'est ce qu'il censé être. Car comme vous pourrez comprendre plus bas, le film est très surprenant mais pas vraiment pour les raisons dont on pourrait se douter. Comme souvent dans ce genre de films, il y a un twist et le moins que l'on puisse dire est que celui-ci est étonnant et va réellement donner un côté instantanément culte à ce film. On arrive tout de même à passer du pur thriller un peu tendu (quoique un peu mou) à la Seven pour passer au thriller complètement Z avec des idées saugrenues, quasi surréalistes dont seul un Bruno Matéi pourrait être capable.
Sauf que Bruno Matéi n'a jamais eu droit à un budget confortable, une photo plutôt réussie et un acteur du standing de Aaron Kwok, vu notamment dans A name called hero ou Divergences de Benny Chan. L'acteur a d'ailleurs un rôle de composition. Pendant une heure il est plutôt convaincant en interprétant Ling, ce policier qui est à la recherche d'un tueur et qui découvre progressivement que toutes les preuves l'accablent mais qui cherche coûte que coûte à prouver son innocence. Le passage d'une interprétation sobre à un sur-jeu ridicule intervient au moment où il tue son meilleur ami et se met à crier dans tous les sens, avec une hystérie qui met déjà le spectateur sur la piste de ce qui va suivre. Le réalisateur surligne la scène, faisant preuve d'un certain mauvais goût. Mais surtout ce qui va suivre défie l'entendement. Je n'ai jamais vu une révélation d'intrigue aussi ridicule, a fortiori dans un film asiatique qui jusque-là était plutôt bien troussé, ayant réussi à créer une véritable ambiance paranoïaque malgré quelques scories clippesques.
Le coup du dessin du lapin sur le corps des victimes, à mettre en lien avec le dessin du gamin, Sonny, c'est un élément qui est débile même si cela ne choque pas immédiatement.
La scène culte (si l'on peut dire) intervient quand Sonny explique à Ling qu'il a tout fomenté contre lui et qu'il n'a du tout l'âge qu'il est censé avoir, alors là les événements expliqués sont tellement ridicules qu'on ne peut s'empêcher de rire. La suite est du même acabit avec une succession de scènes plus incroyables les unes que les autres. On peut noter entre autres le moment où Sonny regarde Ling les bras croisés et l'invite à rejoindre son épouse qu'il n'a pas protégée. Le gamin est en total sur-jeu.
Pour nous avoir offert un spectacle pathétique mais réellement jouissif pendant près de trois quart d'heure, Murderer est un film hong-kongais à ranger du côté des pépites que l'on aime mater entre potes. En revanche, si vous êtes amateurs de thrillers tendus, je vous conseille de passer votre chemin.

Titre du film : Truffe

Réalisateur : Kim Nguyen

Durée du film : 73 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film de 2008 vu en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Céline Bonnier (Alice), Roy Dupuis (Charles), Pierre Lebeau (monsieur Tremblay), Danielle Proulx (madame Tremblay), etc.

Par Nicofeel

Réalisé en 2008 par Kim Nguyen, Truffe est un film fantastique en noir et blanc. On nous raconte au début du film qu'il y a des changements climatiques et que des truffes noires poussent à Montréal.
Comédie fantastique foncièrement originale, Truffe n'oublie jamais d'avoir un regard critique sur notre société. Ainsi on apprend que le trop plein de truffes conduit à une chute des prix. La critique du capitalisme est évidente.
Dans le même ordre d'idée, on nous présente une société, la Maison des cols, qui s'arroge le droit unique de recueillir des truffes alors que chacun pouvait le faire auparavant. Les gens travaillent dans cette usine où ils doivent découvrir des truffes, comme s'ils étaient des robots. Ils sont tous en cravates, ce sont de purs cols blancs. Il y a des images surréalistes comme des hommes portant des frigos pour vendre des truffes fraîches. C'est une façon de mettre en avant l'avilissement au travail.
Mais avant d'en arriver là, il faut revenir au pitch de base du film avec cet homme, Charles, qui réussit à extraire plus de truffes que les autres. Il est le champion. Sa femme, Alice, travaille dans un restaurant. Cette dernière va être attaquée par une bestiole en forme de fourrure, une espèce de boule de peluche comportant 4 dents. Charles va être embauché par cette fameuse Maison des cols qui reste pour le moins énigmatique.
Il y a un vrai suspense sur les tenants et les aboutissants de cette histoire. Assisterait-on à une invasion extraterrestre ? On pense notamment à l'excellent They live de John Carpenter ou encore à l'invasion des profanateurs.
Mais ici le ton est volontairement comique et cela marche à merveille. La critique du conformisme avec tous ces gens qui mangent des truffes, la critique du capitalisme et la critique du mode de travail sont autant de thématiques développées de manière efficace dans ce film relativement court (73 minutes).
Et puis il y a un hommage évident aux films de monstres avec Alice qui se bat d'abord contre ces bestioles sorties de nulle part puis contre un androïde.
Très bien mis en scène et solidement interprété, Truffe est une comédie fantastique très drôle, qui comporte un pitch de base incroyable. Un film à recommander chaudement si vous voulez rigolez, tout en réfléchissant un peu sur les dérives d'une société capitaliste.

Titre du film : Bedevilled

Réalisateur : Jang Cheol-So

Durée du film : 115 minutes

Date de sortie du film : prochainement (film de 2010)

Avec : Min-Ho Hwang, Min Je, Seo Yeong-Hee, Ji Sung-Won, etc.

Par Nicofeel

Film sud-coréen réalisé par Jang Cheol-So qui a également signé la photographie du film, Bedevilled est un film en 2 parties dont le changement brutal de rythme peut rappeler les films du type rape and revenge.
Ici, on commence par un viol et une femme qui a été témoin, Hae-Won, qui sera notre « héroïne », qui refuse de signaler qui sont les coupables, de peur des représailles éventuelles. Complètement à bout de nerf, notre héroïne décide de se rendre sur une île où réside son ancienne amie, Boj-Nam, dont elle a reçu de nombreux courriers, jamais ouverts.
Sur l'île, l'amie d'enfance est humiliée par son compagnon devant sa fille et elle est battue. Quand il lui fait l'amour, il la traite comme un pur objet sexuel. Pire, souvent, il se paye une pute et ce en toute transparence, tout le monde étant au courant. Cette mère de famille n'est nullement respectée. Et personne n'est prêt à l'aider ni à la croire.

Le cinéaste nous dépeint un univers où la femme est clairement considérée comme un être inférieur. Boj-Nam est traitée comme une moins que rien et les vieilles femmes qui résident sur l'île se montrent détestables avec elle. On est dans le domaine du drame avec une description particulièrement accablante des moeurs qu'il y a sur cette île, où la vie est très différente de la ville (Séoul). Entre mensonges, fausses déclarations et brimades, la pauvre Boj-Nam ne sait à quel saint se voeur.
Le changement intervient lors du décès de sa fille. Boj-Nam est bien décidée à prendre en main son destin et à se venger. Le titre du film, Bedevilled, qui signifie « Je vous l'ai déjà dit », prend alors tout son sens. On passe du drame pur au slasher. Boj-Nam se lance dans une série continue de meurtres. Après avoir massacré sauvagement les vieilles femmes, elle s'en prend ensuite aux hommes qu'elle tue également de façon bien extrême. Elle arrache la tête du premier homme qu'elle tue. Il y a ensuite une scène très sexuelle (qui est à mettre en parallèle avec le moment où la prostituée suçait le sexe de son compagnon) où Boj-Nam lèche la faucille de son compagnon. Elle le tue brutalement en ayant mis un couteau dans sa bouche. La scène est bien gore et joue sur la répétition des coups portés.
Le film se termine par un véritable bain de sang à Séoul. On pourra considérer que le cinéaste fait un peu trop dans la surenchère.
Au final, Bedevilled décrit deux personnages bien distincts : Hae-Won, une des héroïnes les plus antipathiques que l'on ait eu l'occasion de voir au cinéma par son refus de prendre position (alors qu'elle a assisté à un viol puis à un meurtre) ; Boj-Nam qui malgré son accès de folie, paraît quelqu'un de plus sympathique, par son statut de victime qui décide de prendre en main sa vie.
Voilà en tout cas un film parfaitement rythmé, et qui pose des questions intéressantes sur les relations homme-femme, qui ne manque pas d'intérêt. On regrettera le côté "too much" vers la fin du film. Mais cela n'annihile nullement le plaisir d'avoir vu Bedevilled.

Titre du film : The social network

Réalisateur : David Fincher

Durée du film : 2h00

Date de sortie au cinéma : 13 octobre 2010

Avec : Jesse Eisenberg (Mark Zuckerberg), Justin Timberlake (Sean Parker), Andrew Garfield (Eduardo Saverin), etc.

Par Nicofeel

Adapté du livre « the accident billionaires », The social network traite librement de la vie de Mark Zuckerberg, créateur du réseau social Facebook, et plus jeune milliardaire au monde.
A l'instar de son film précédent, Zodiac, qui mélangeait documentaire et fiction, The social network est riche en renseignements de tous types.
David Fincher n'a absolument pas choisi la voie de la réussite glorieuse, faite en bonne et due forme. Si Mark Zuckerberg est présenté dès le départ comme un génie de l'informatique, il n'en demeure pas moins (en tout dans le film) un personnage particulièrement isolé, détestable. Cela n'est d'ailleurs pas un hasard si le film débute en montrant la rupture en le personnage joué par Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) et sa copine de l'époque. Lors de cette même scène, on comprend que le futur créateur de Facebook est un être très intelligent mais qui met la barre très haute pour les autres et n'accepte guère les gens qui ne pensent pas comme lui.
Mark Zuckerberg est certes quelqu'un de très intelligent, à l'instar de Bill Gates qui à son époque a réussi en montant son entreprise Microsoft, mais c'est aussi quelqu'un qui ne joue pas foncièrement la carte de l'honnêteté. C'est ainsi que l'on apprend qu'il aurait repris l'idée d'un réseau social à des jumeaux qui séjournaient comme lui à Harvard et l'avaient recruté pour développer un nouveau réseau.
Mis à part quelques ralentis ou quelques procédés d'accélération, le réalisateur David Fincher, qui vient à la base du clip, n'a pas fait dans l’esbroufe mais a au contraire décidé de dresser le portrait d'une jeunesse insouciante mais surtout désireuse de réussir coûte que coûte. On est véritablement estomaqué de voir ce Mark Zuckerberg piquer les idées des autres (alors qu'il est étudiant dans la prestigieuse école d'Harvard, aux Etats-Unis) sans aucune morale. Entre vol de bases de données et idées des autres qui sont réutilisées (viol manifeste de la propriété intellectuelle), le personnage principal du film apparaît comme quelqu'un de peu recommandable. Et c'est pourtant lui qui est à l'origine du principal réseau social existant sur Internet.
A ses côtés, Mark Zuckerberg bénéficie de l'aide du créateur de Napster (site de téléchargement de musique qui a été fermé pour cause de violation des droits d'auteur), qui, dans un tout autre style, se révèle lui aussi particulièrement vénéneux dans ses actions.
Jesse Eisenberg dans le rôle de Mark Zuckerberg est vraiment excellent car il réussit avec brio de donner envie au spectateur de détester ce jeune homme. Bref, un excellent anti-héros. De son côté, le chanteur Justin Timberlake (qui n'a pourtant pas participé à la BO du film) campe de manière assurée Sean Parker, le créateur de Napster, qui se révèle tout à la fois un personnage cool, sûr de son force ou encore extrêmement déterminé. Comme le créateur de Facebook, il n'hésite à descendre les autres pour réussir.
Ces deux acteurs sont en somme parfaits dans le rôle de deux jeunes requins, qui représentent sans nul doute une émanation du capitalisme dans tout ce qu'il a de moins humain. Le « Baby I'm a rich man » des Beatles, qui conclue le film lors du générique de fin, est extrêmement évocateur.
Au final, si le spectateur peut être impressionné qu'un jeune homme a réussi à percer en devenant le plus jeune milliardaire de la planète, alors qu'Internet était déjà dans une phase mature (en 2003), ce sont les méthodes employées qui ont de quoi laisser dubitatif.
La phrase suivante de Mark Zuckernberg résume assez bien son mode de pensée : « On ne se fait pas 500 millions d'amis sans se faire quelques ennemis. »
En synthèse, voilà un film tout à la fois divertissant et évocateur d'une société où la recherche du profit immédiat et personnel semble être devenu pour certains une vertu. Malgré sa relative longue durée, The social network se suit très bien.

Titre du film : Wig

Réalisateur : Renpei Tsukamoto

Durée du film : 94 minutes

Date de sortie du film : inconnue (ce film de 2009 a été présenté en avant-première au festival du NIFFF 2010)

Avec : Mimura Masakazu, Otake Kazuki, Ashina Sei, etc.

Par Nicofeel

Film japonais réalisé en 2010 par Renpei Tsukamoto, Wig est une comédie complètement déjantée, bien dans l'esprit des films dont les réalisateurs asiatiques sont capables de nous livrer.
Car il faut bien reconnaître que Wig bénéficie d'un pitch particulièrement saugrenu : un homme n'arrive pas à avoir continuellement une copine à cause de sa (légère) calvitie et décide de porter une perruque qui lui permettra d'être « normal ».
Sur ce synopsis, le cinéaste Renpei Tsukamoto donne au spectateur une comédie très drôle qui respecte en outre les codes de la comédie romantique.
Le film est aussi une petite réflexion sur notre société où l'apparence est primordiale. En plus, on doit forcément être beau.
Tous les acteurs sont particulièrement jubilatoires. L'acteur principal, qui joue Moriyama, un architecte de 35 ans, est vraiment très drôle et l'actrice qui lui rend la pareille, en jouant Ryoko, est jolie et pleine de vie. Et que dire de l'acteur jouant le rôle d'Owada, le perruquier très drôle qui est toujours là quand Moriyama en a besoin.
Sur un pitch qui aurait pu s’essouffler sur les 94 minutes du film, le film réussit au contraire la performance de faire rire le spectateur de bout en bout.
Les blagues et les scènes drôles sont légion. Pêle-mêle on peut citer : le fait que Moriyama envie le gros chien blanc de ses parents en raison de l'abondance de ses poils ; l'épisode des montagnes russes qui va donner lieu à la scène la plus drôle du film où Moriyama perd sa perruque car la vitesse du manège a dépassé les 150 km/heure. mais Owada en avait prévu une de rechange ; Owada qui amène Moriyama à une amicale de la perruque ; la fausse piste du protagoniste gay.
En plus de faire rire le spectateur par tout ce qui tourne autour de cette perruque, le film est également très marrant par son approche romantique, avec la relation entre Moriyama et Ryoko. Il y a bien évidemment le coup de foudre immédiat de Moriyama pour Ryoko mais il s'inquiète en raison de sa calvitie et il mettra longtemps avant de déclarer sa femme. Cela donnera lieu là encore à des scènes pour le moins amusantes entre son incapacité à avouer son amour pour Ryoko et la visite dans la famille de Moriyama.
Les hobbies de Ryoko sont également bien amusants, entre le fait que son film préféré est Le loup solitaire et son petit (un épisode de Baby cart, une série de films très violente) et qu'elle adore le karaoké.
Amusant de bout en bout, Wig permet de passer un très bon moment. Le fait que ce film ait obtenu le prix du meilleur film asiatique au festival de Neuchâtel est tout à fait justifié.

Titre du film : Der dämon des Himalaya
Réalisateur : Andrew Marton
Durée du film : 92 minutes
Date de sortie du film : 1935 (film vu en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Gustav Diessl (docteur Norman), Erika Dannhoff (Anne), Günter Oskar Dyhrenfurth (professeur Wille), Jamila Marton (Ellen), etc.

Par Nicofeel

Réalisé en 1934 par le hongrois Andrew Marton (voir photo ci-dessus, les photos du film n'étant pas trouvables sur le Net), qui a été entre autres deuxième réalisateur sur Ben-Hur ou encore assistant de Frank Capra, Der dämon des Himalaya est du cinéma grand spectacle des années 30.
La musique du film qui est assez célèbre pour son côté symphonique est signée Arthur Honegger. Elle comporte par instants des morceaux orientalisants.
Comme on peut s'en douter, le film est en noir et blanc (et la copie que l'on a pu voir était correcte, sans plus). Il s'agit d'un film-prétexte pour financer une expédition au Tibet. Ce film qui fut tourné en Inde et au Tibet, évoque une expédition internationale de l'Himalaya.
Si pour son époque Der dämon des Himalaya a pu être considéré comme un film d'aventures sympathique, il faut bien reconnaître qu'il a pris aujourd'hui un sérieux coup de vieux. D'autant que la phase de présentation est longue avant que ne commence réellement l'expédition de l'Himalaya.
Certaines scènes proposent des visions effrayantes pour les personnages mais pour le spectateur actuel cela n'a rien d'effrayant. Andrew Marton est bien gentil mais ces masques font plus sourire qu'autre chose.
Le film comporte quelques moments comiques notamment quand un des accompagnateurs (vision très colonialiste, il faut voir que le film date de 1934) se sert en whisky et remet de l'eau à la place. Ou encore quand ils tuent le traître qui se cache parmi eux et qu'ils se mettent ensuite à danser.
Les quelques moments de tension ne durent que peu de temps, qu'il s'agisse de l'avalanche ou encore de la mutinerie qui a lieu au campement. Franchement, le manque de tension est tout de même préjudiciable à ce film qui finit presque par être ennuyeux.
Ce ne sont malheureusement pas les acteurs qui vont relever le niveau, leur jeu étant souvent caricatural, notamment l'un des acteurs principaux, interprétant le rôle de Norman.
Bénéficiant d'un budget peut-être correct pour l'époque mais qui apparaît aujourd'hui comme très faible (d'où le côté carte-postale avec dans les premières minutes du film une image du Taj-Mahal ou encore une expédition qui est évoquée par une ligne tracée sur une carte), Der dämon des Himalaya ne supporte plus guère le poids des ans et est un film parfaitement dispensable.
C'est sans conteste le film le plus faiblard et par conséquent le moins intéressant de la sélection des films suisses que j'ai eu l'occasion de voir lors du festival international du NIFFF 2010.

par Nicore

Film indépendant au titre à double tranchant, ce Chasseur de têtes sa s'immiscer dans l'univers des "Golden Boys" américains pour au sein d'une intrigue surnaturelle assez classique sur le fond s'amuser à critiquer cet univers arriviste et bien entendu, ce sera directement en DVD que nous allons pouvoir découvrir le film à partir du 19 octobre prochain, pour un nouvel inédit à mettre au compte de l'éditeur Emylia.

Le script va suivre les déboires de Ben Caruso, un jeune cadre dynamique qui ne trouve plus aucun défi à son emploi. Lorsqu’un client lui donne l’adresse de Sarah Tierney, une chasseuse de tête corporative, il n’hésite pas à lui faire appel. À peine 24 heures après l’avoir contactée, Sarah lui déniche un emploi mieux payé et beaucoup moins demandant. Le seul aspect négatif est que c’est un travail de nuit. Dès son premier quart d’heure de travail, Ben ne se sent pas à l’aise. Des voix bizarres se font entendre et ses collègues semblent disparaître dès qu’il veut leur parler. En voulant rejoindre la chasseuse de tête qu’il avait engagée, Ben découvre qu’elle est supposément morte depuis dix ans. Pour pouvoir échapper à son nouvel emploi maléfique et retrouver la chasseuse de tête, Ben devra élucider un meurtre commis une décennie auparavant…

Le métrage va certes s'appliquer au distiller son élément fantastique guère novateur sur le fond mais en le plaçant dans un univers étrange et distillant bien des surprises de cet immeuble fantôme au sein duquel le personnage principal va avoir du mal à comprendre ce qui lui arrive, pour des séquences ne cherchant pas vraiment à effrayer mais plutôt à questionner et à gagner en impact graphique pour quelques petits effets gores, tandis que l'ensemble profitera de la présence de la belle Kristi Clainos qui n'hésitera pas à avancer ses charmes devant la caméra, rehaussant heureusement ainsi une interprétation quand même aléatoire, qui de pair avec certains maquillages douteux laissant apparaître de manière flagrante le manque du budget alloué au métrage, mais sans que cela vienne complètement nuire à l'ensemble.

L'édition DVD proposée par Emylia proposera le film avec une image en 2.35 (16/9 anamorphique), tandis que la bande-son sera disponible en anglais DD2.0 bien entendu sous-titrée en français. Au niveau des bonus, seul un commentaire audio du réalisateur sera disponible.

Donc, c'est à partir du 19 octobre prochain que nous allons pouvoir découvrir ce Chasseur de têtes, petit film indépendant souriant avec sa critique de l'arrivisme américain baignant dans une ambiance surnaturelle parfois prenante !

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Hollywood entre dans les années 50 avec une confiance qui confine à la suffisance. L’opulence financière, le star-système que les majors rationalisent, standardisent, façonnent est au plus haut.

C’est un des piliers économiques et esthétiques qui soutient l’édifice central. La hiérarchie, au sein de ce microcosme, se fait par la valeur commerciale de l’artiste. Il y a un monde d’agents, d’attachés de presses, d’avocats qui virevoltent comme des papillons autour de ce petit monde préservé des réalités de la vie. James cagney, Cary Grant, James Stewart en sont les rois en ces années!

Ce « vedettariat » est créé par les histoires qui s’articulent autour de ces personnages, centre du propos du film, ce qui entretient l’authentification du public avec les interprètes. Tout est fait au niveau technique pour que la vedette soit mise en valeur, lumière, effets, etc. tous ces efforts sont produits pour maintenir l’aura mythique, qui définit l’aura financière que rapportera leurs films.

Tous les genres profitent de cette formidable machine à faire du rêve et de l’argent. Western, film noir, guerre, action, et même science fiction pourtant encore le mal aimé des genres.
Plusieurs évènements vont affaiblir ce système, la perte des salles des majors par la loi anti trust de 1948, et surtout une fracture apparait avec la commission d’enquête sur les activités anti américaines du sénateur McCarthy, qui commence à auditionner tout ce petit monde. Un film Good Night and Good Luck de George Clooney en retrace bien la trame.

Les haines sont mises à jour, Elia Kazan dénonce, certains vont se retrouver en prison, d’autres prennent la direction de l’exil européen. Hollywood subit une saignée destructrice, Charles chaplin, Jules Dassin, Edward Dmytryk, Donald Trumbo, Ophuls, Renoir, Fritz Lang, Losey, tous ont fuis cette hystérie qui s’abat sur tout ce qui sort du conformisme ambiant, suspect au yeux de cette commission. Une période qui voit la guerre de Corée débuter, une délégation cinématographique ira à la maison blanche pour afficher la solidarité du 7eme art Américain. Le ministère de la guerre définira le cinéma comme "activités essentielles". Malgré cela des films anti militariste sortiront de terre, Tant qu'il y aura des hommes (de Fred Zinnemann- 1953) en est un bon exemple.

Tous ces évènements enlèvent de la puissance aux majors et l’arrivée de la télévision sera presque le coup fatal!
La fréquentation des salles de cinéma subit une descente aux enfers, cette nouvelle technologie fascine le public, Hollywood doit s’adapter pour survivre, la recette arrive..
En attendant, ce sont les productions indépendantes soutenues par les vedettes de l’époque (Kirk Douglas, Burt Lancaster, Henry fonda, Gary Cooper, John Wayne) qui maintiennent la tête des producteurs hors de l’eau.

Les majors arrivent à se réorganiser, s’entendent avec les présidents de chaîne et lancent des nouveaux réalisateurs, Billy Wilder, Mankiewicz, aidée par la vieille ossature des Ford, Vidor, Hathaway, Hawks, Walsh.
Les superproductions opulentes réapparaissent, les comédies musicales, les westerns sont dans leur âge d’or, Ivanhoé, chantons sous la pluie, Spartacus, les hommes préfèrent les blondes, etc.

En 1954 disparait la commission maudite et une génération rebelle montre son nez. C’est la fureur de vivre avec les James Dean, Natalie Wood, Dennis Hopper, la jeunesse américaine est fascinée par ce cinéma qui modernisme un peu le conformisme ambiant, par les dialogues, les propos provocants tout en restant dans les limites de la censure très active.

Une décennie pleine de rebondissements, de péripéties, de drames, avec des acteurs qui seront pour une fois les personnages de leurs propres histoires.

Good night and good luck


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Tant qu'il y aura des hommes - Columbia classics


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Titre du film : Dead end run

Réalisateur : Sogo Ishii

Durée du film : 59 minutes

Date de sortie du film : 2003 (film présenté en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Tadanobu Asano, Urara Awata, Mikako Ichikawa, Yûsuke Iseya, Jun Kunimura, Ken Mitsuishi, Masatoshi Nagase, Yôji Tanake, etc.

Par Nicofeel

Dead end run est à la base une commande dont Sogo Ishii a fait un film en trois parties. On a donc droit à trois segments qui se répondent parfois au niveau des acteurs mais qui surtout ont comme point commun de montrer des hommes qui sont traqués, pour diverses raisons.
Le premier segment s'intitule Last song. Un homme est traqué et l'image comme la musique sont très rapides. L'homme cessant de courir et reprenant ses esprits, la caméra est plus posée. Se plantant de cible (Sogo Ishii ayant au préalable fait naître un suspense), il tue avec une barre de fer une femme innocente. La femme revient en tant que fantôme. On a droit à une scène surréaliste où elle danse avec le garçon et où elle chante. Ce segment évoque sans ambages la solitude urbaine. Toujours est-il que notre protagoniste se fait tuer par un personnage qui va être le héros du deuxième segment.
Intitulé Shadows, ce deuxième sketch débute avec des bruits sans images et un personnage qui est traqué. La caméra est très énervée tout comme la musique technoïde qui comporte tout de même en fond un aspect jazzy. Sogo Ishii expérimente de nouvelles choses et effectue notamment un sacré panoramique. La suite de ce segment, qui se déroule dans les mêmes lieux (un bâtiment industriel et urbain, bien dans l'univers cyperpunk), montre là aussi un personnage qui tente de se cacher. Ce segment évoque sans conteste la paranoïa avec cet homme qui va se battre contre son double. Il n'y a d'ailleurs comme par hasard aucune parole dans ce segment. Se retrouvant confronté à son double, le personnage se livre à un duel qui va être expérimenté sous de multiples angles par Sogo Ishii. De cette façon, Sogo Ishii exprime parfaitement l'univers mental troublé de son personnage.
Intitulé Fly, le troisième segment montre des policiers qui poursuivent un homme joué par l'acteur omniprésent dans le cinéma asiatique, Tadanobu Asano. Sur le haute d'un immeuble, il prend une fille comme otage qui reste imperturbable. Et pour cause, cette jeune fille souhaitait se suicider mais n'osait pas jusque-là passer à l'acte. Décidément cette question est souvent évoquée dans les films japonais, prouvant qu'il doit s'agir d'un fait de société. Pour autant, ce segment comporte un véritable aspect comique qui permet de détendre l'atmosphère eu égard au sujet évoqué. La caméra tournoie dans tous les sens et la question est de savoir qui va réussir à s'en sortir. La fin est de ce point de vue très optimiste, ce qui peut paraître étonnant au regard des deux autres segments et connaissant Sogo Ishii.
Au final, malgré sa courte durée (59 minutes), Dead end run est très riche sur le plan thématique et a le temps de bien user le spectateur par une mise en scène bien rythmée. Voilà sans conteste une des œuvres les plus intéressantes de Sogo Ishii.

Titre du film : Si le soleil ne revenait pas

Réalisateur : Claude Goretta

Durée du film : 120 minutes

Date de sortie du film : 1987 (présenté en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Charles Vanel (le père Antoine), Philippe Léotard (Arlettaz), Catherine Mouchet (Isabelle Antide), Raoul Billerey, Claude Evrard, etc.

Par Nicofeel

Réalisé en 1987 par Claude Goretta, Si le soleil ne revenait pas a été présenté la même année à Venise que La vallée fantôme, film de l'autre grand auteur suisse, Alain Tanner. Ces auteurs font partie du groupe 5 qui fait écho à un nouveau cinéma suisse en 1968. Le film est l'adaptation du dernier roman de Charles-Ferdinand Ramuz. C'est une chronique sociale qui nous présente une communauté de montagnards. C'est un quasi huis-clos, malgré les scènes d'extérieur, car cette communauté villageois vit en autarcie.
C'est d'ailleurs cette vie isolée qui explique que ces montagnards prennent avec beaucoup de considération les prédictions du père Antoine, le vieux sage du village. Pour ce dernier, le soleil, qui est obscurci par les images (la première scène du film est un soleil qui est obscurci par les nuages puis on voit des paysages enneigés), ne reviendra plus. Avec plusieurs années d'avance ce film a une considération écologique mais il démontre surtout quelle importance peuvent revêtir de simples croyances locales.
Les dires du père Antoine influencent fortement les habitudes de vie de tous ces gens. On voit le curé, figure essentielle du village, s'en aller. Il y a surtout, comme en temps de guerre, des gens toujours pour profiter de ces moments troubles. Le notable de la ville rachète ainsi pour une bouchée de pain les terrains d'Arlettaz (Philippe Léotard dans un rôle de composition qui rappelle étrangement sa vie privée). Il faut dire qu'Arietta a perdu toute envie et passe ses journées, telle une loque, à boire jusqu'à oublier. Il ne se remet pas de la perte de sa fille. Il ne croit plus en Dieu.
Il y a également ceux qui sont dépités et qui attendent que la vie se termine.
Mais au milieu de cet océan de désespérance, il y a des gens qui gardent continuellement espoir. La figure d'Isabelle, jouée par une Catherine qui illumine l'écran par sa joie de vivre, est de ce point de vue particulièrement marquante. Ce n'est d'ailleurs pas anodin que celle qui est parmi les plus jeunes du village au sein adultes (elle a 25 ans) conserve un espoir et souhaite avoir des enfants avec son époux.
On notera que Claude Goretta ne décrit pas que des personnes désireuses de profiter de la situation, il montre aussi des personnages qui restent solidaires entre eux, notamment quand il s'agit de monter sur la montagne le jour de la prophétie pour voir si le soleil va vraiment disparaître. Un personnage, qui rappelle bien la situation actuelle dit : « Debout les morts ». On aura droit à une très belle scène marquée par le retour du soleil. Un sublime travelling latéral de Claude Goretta nous montre des visages qui revivent, qui sont illuminés. On verserait presque une larme devant une si belle scène. De manière étonnante, le retour du soleil coïncide avec le décès du père Antoine. Ce n'est pas un hasard si pour la première fois on voit une scène avec des enfants : ils représentent l'avenir de la société.
Très beau film de Claude Goretta, auteur de très haut niveau qui pour le coup a oeuvré dans le fantastique, Si le soleil ne revenait pas mérite autant d'être vu par son histoire originale que par sa belle mise en scène et sa distribution.

Titre du film : Elle s'appelait Sarah
Réalisateur : Gilles Paquet-Brenner

Durée du film : 1h51

Date de sortie du film en salles : 13 octobre 2010

Avec : Kristin Scott-Thomas (Julia Jarmond) ; Mélusine Mayance (Sarah) ; Niels Arestrup (Jules Dufaure) ; Frédéric Pierrot (Bertrand Tezac) ; Michel Duchaussoy (Edouard Tezac) ; etc.

Par Nicofeel

Réalisateur entre autres de Gomez et Tavarès (avec Stomy Bugsy et Titoff), Gilles Paquet-Brenner n'était pas vraiment attendu en tenant les rênes d'un film qui traite des heures les plus sombres de notre histoire. Et pourtant, son film, qui adapte à l'écran le livre de Tatiana de Rosnay, est plus qu'acceptable dans l'ensemble. Alors que les films qui évoquent la seconde guerre mondiale sont assez nombreux en cette année 2010, le résultat à l'écran est très variable, alternant le bon avec L'arbre et la forêt (un film subtil sur un secret) et le carrément mauvais avec La rafle (un film avec un fond certes louable mais une démonstration ridicule à coups d'effets de style larmoyants et d'images d'Epinal). Heureusement, Elle s'appelait Sarah se rapproche plutôt de L'arbre et la forêt.
Si Gilles Paquet-Brenner n'est pas un grand cinéaste – les plans se multipliant et la mise en scène se limitant quasi exclusivement à des champs et contre champs – il a la bonne idée de créer un scénario pour le moins original et qui ne s'embarque pas dans de la pure caricature.

Ici, on suit les pérégrinations d'une journaliste, Julia Jarmond (excellente Kristin Scott-Thomas, particulièrement convaincante) qui décide de faire un article sur le cruel épisode du vel'd'hiv'. Elle tombe alors sur des éléments lui permettant de comprendre que l'appartement où elle compte emménager auparavant a auparavant appartenu à une famille de juifs qui a été déportée. Dans cette famille, il y a avait la fameuse Sarah qui a réussi à s'échapper d'un camp de transit suite à la rafle.
Le film fait un parallèle entre la vie de Julia Jarmond et celle de Sarah, vécue plus de 50 ans auparavant, alternant les époques. Il faut bien reconnaître que tout cela paraît au départ quelque peu factice mais les 2 histoires finissent par s'entrelacer et la justification de ce montage prend alors son sens.
On apprécie cette enquête de journaliste qui nous permet d'en apprendre sur la vie d'une jeune fille de 8 ans qui a perdu sa famille durant la rafle et son petit frère dans le cadre d'un événement particulièrement malheureux.
L'émotion qui se dégage des investigations de Julia Jarmond est réelle et sincère. Le cinéaste Gilles Paquet-Brenner a par ailleurs la bonne idée de replacer son histoire contemporaine non pas à notre époque actuelle, mais en 1995, au moment où la France va reconnaître publiquement ses torts dans cette rafle. On a droit très justement à des extraits du discours de Jacques Chirac, très émouvant, prononcé le 16 juillet 1995 à l'occasion des commémorations de la rafle du vel'dhiv'. A ce moment, le président français a reconnu la responsabilité de la France dans cette rafle ce qui a permis à notre pays d'être enfin en phase avec l'Histoire.
Car c'est aussi cela le devoir de mémoire : reconnaître ses torts. C'est aussi se souvenir du passé et de ce point de vue le film ne cesse de l'expliquer à plusieurs reprises.
Julia Jarmond fait tout pour retrouver la trace de Sarah et son entreprise finit par réussir dans le sens où elle est en mesure de remettre en place toutes les pièces du puzzle. Et puis elle apprend à la famille de Sarah, qui n'est pas forcément au courant, des choses essentielles de la vie de leur famille.
Le film comporte également une vraie symbolique qui au départ paraît quelque peu outrancière avec cette femme, Julia Jarmond, qui est enceinte alors qu'elle est relativement âgée et était censée de plus avoir d'enfant. Mais cet enfant représente aussi bien Sarah que le petit frère de Sarah disparu dans des conditions horribles. Et puis le fait d'appeler cet enfant Sarah est tant un rappel de la religion (Sarah étant dans la Bible un personnage qui ne pouvait plus avoir d'enfant) qu'un clin d’œil au passé.
Dans cette histoire tumultueuse qui rappelle plutôt de façon juste une époque trouble de notre histoire qu'il ne faut pas oublier, on notera la présence tout à fait appréciable d'un casting qui tient largement la route. Si Kristin Scott-Thomas est impeccable dans son jeu, il en va de même pour des acteurs tels que Niels Arestrup et Frédéric Pierrot. La petite Mélusine Mayance est également tout à fait satisfaisante dans son rôle de Sarah à l'âge de 8 ans.
Voilà donc un film qui joue tout à la fois sur un passé douloureux de notre histoire que sur une histoire privée qui lui est lié qui mérite largement d'être connue.

Réalisateur : Sogo Ishii

Durée du film : 30 minutes

Date de sortie du film : 1983 (moyen métrage diffusé au festival du NIFFF 2010)

Par Nicofeel

The codename is Asia strikes back est un moyen métrage d'une durée de 30 minutes que Sogo Ishii est venu mixer en direct dans la salle de cinéma la plus importante du festival de Neuchâtel, à savoir la première salle du théâtre du passage. Le mixage live est une véritable expérience qui apporte un vrai plus à ce moyen métrage. Sans compter que The codename is Asia strikes back a vraiment quelque chose à dire, le propos anti-guerrier étant on ne peut plus clair, comme on va le voir ci-dessous.
Ce moyen métrage de 1983, qui s'accorde parfaitement à la filmographie de Sogo Ishii, cinéaste qui oeuvre dans ce que l'on appelle communément le cyperpunk (au même titre que son compatriote Shinya Tsukamoto), est un véritable trip sensoriel. Le plaisir d'avoir droit à un mixage en direct rend donc The codename is Asia Strikes back d'autant plus prenant. C'est d'ailleurs la première fois que Sogo Ishii mixe ce court métrage de 30 minutes sans son groupe.
Dans ce moyen métrage, il n'y a pas de paroles mais uniquement des images et un son particulièrement marquant. La bande son est tout à la fois rock n'roll et métalleuse.
Il n'y a pas vraiment de logique dans ce métrage. C'est donc, comme dit précédemment, avant tout un spectacle sensoriel, même si la charge contre l'armée et la guerre est évidente. En effet, on voit de nombreuses explosions et le fait qu'il y a la guerre.
Pour donner un côté encore plus frontal à son métrage, Sogo Ishii a délibérément choisi de filmer caméra à l'épaule de manière quasi systématique – hormis lors d'un beau plan séquence qui permet de découvrir un souterrain amenant au lieu de vie des militaires.
Ces hommes, qui sont de sacrés têtes de guerriers, nous sont présentés armés, et notamment de fusils. Il y a un vrai côté cyperpunk avec ces personnages capables de se régénérer. Sogo Ishii insiste là dessus en ralentissant l'image, permettant de voir les mouvements démultipliés les personnages en laissant une trace. Ces hommes ont des super-pouvoirs, comme le prouve par exemple leurs résultats aux tirs.
Avec des sortes de surimpressions et des transparences, Sogo Ishii travaille beaucoup l'image. En jouant sur la répétition et sur la musique métalleuse qui donne un rythme entêtant, le cinéaste japonais nous immerge dans son moyen métrage.
C'est aussi une façon pour lui d'indiquer que la guerre rend fou les gens, à tel point que les soldats que l'on observe en arrivent à se tirer dessus. Il y a une vraie symbolisation de la guerre et de la bombe. Sogo Ishii exprime sans détour la bêtise de la guerre et de ses conséquences. A tel point qu'à la fin du métrage les survivants se rendent compte qu'il n'y a pas d'ennemis. No comment.

Ce cinéma existe t-il ? quelle est sa définition, sa variété, sa vérité?
Est-ce le cinéma pour les prolétaires, de profil facile, en opposé de "l’art véritable" pour une élite éclairée qui a accès à la "vraie culture", celle des intellectuels contre celle du peuple plus basique.
Le cinéma populaire peut-il se référer à des choses qui ont un succès commercial, qui se saisit de ses pensées, ses valeurs, ses émotions.

La cinéphilie fait elle partie du cinéma populaire ? la nouvelle vague à diabolisé le cinéma par le codage définitif qu’ils se sont crut autorisé à imposer comme un dogme inattaquable.
Le film d’auteur est-il réservé à la compréhension d’une frange avertie, ou le public, populaire dans sa variété, ne peut en comprendre la direction?

Je m’insurge contre l’interprétation qui veut que populaire est égal à vulgaire, le cinéma appartient à tous, c’est un art universel mais pratiqué de manière individuelle. Chacun y cherche son "Graal", le cinéma qui correspond à son évolution du moment. Ceux qui cherchent à diviser par classe le cinéma, n’ont rien compris à son sens profond, qui est d’appartenir à chacun, et à tout le monde en même temps.

le père tranquille (1946)

Au sortir de la deuxième guerre mondiale, le mode de vie des Français reste identique à celui des années 30. A partir de 1949, le pays n'est plus dans la restriction mais dans la production, son niveau de vie s'élève et très vite les gens sont pris d'une soif de consommation des produits d'images et de sons.

Le cinéma devient un enjeu culturel et politique, les accords Blum/Byrnes avaient ouvert la porte de la maison France aux productions américaines et le cinéma français vivait une lente agonie depuis la fin de la guerre suite à cette invasion hollywoodienne.

Le cinéma hexagonal va disposer d'une bouteille d'oxygène grâce à l'aide de l'état par l'idée mise en pratique de "l'exception culturelle", un système d'aide à la production nationale.
Cette aide sera de tout temps attaqué par les État-Unis comme dans les années 80 avec les discutions du GATT, mais sera également analysée et copiée vue le succès de l'opération.

1952 verra l'apogée de la plongée en enfers du cinéma national, La couleur, le cinémascope, stabilisera la situation de la production hexagonale. L'urgence des producteurs est de fidéliser le public sur ces œuvres.
La solution est trouvée! Ce sera le cinéma populaire, terme passe partout pour situer les catégories qui en reçoivent le qualificatif par facilité de compréhension.
Le rire, le drame sentimental, le film d'atmosphère, le comique troupier, le polar, le film de costume, c'est le bon filon pour un public en recherche , une convergence "d'expression" entre le public et son cinéma, enfin!!

Un autre cinéma voit également le jour et cherche à avoir une image, c'est le film populaire dit "de qualité", qui s'affiche autour des Gabin, Michel Simon, Charles Vanel, Morgan, Darrieux, et écrit par les indispensables Aurenche et Bost. C'est principalement ces œuvres qui seront attaqués et critiqués par la nouvelle vague, et par le premier des leurs, Truffaut, qui n'aura pas de mots assez durs contre cette expression filmique qu'il juge dépassée.
Il dénonce l'académisme fonctionnel de ces métrages et leurs écritures trop littéraires. Truffaut dénonce leur manque d'audace, leurs gout pour les bons mots d'auteurs et l'abandon de la mise en image comme valeur narrative principale. Sacha Guitry et son style théâtral sera étrangement épargné par le jugement, et sera même positivé pour "si Versailles m'était conté", peut-être le respect dû à un maître poétique des belles phrases.

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Les vacances de M. Hulot / 2 DVD


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Titre du film : Tchernobyl, une histoire naturelle ?

Réalisateur : Luc Riolon

Durée du film : 1h30

Date de sortie du film en salles : 2010 (film vu au festival international du film écologique de Bourges)

Par Nicofeel

Réalisé par Luc Riolon, Tchernobyl, une histoire naturelle ? est un documentaire qui s'intéresse aux conséquences de la catastrophe de Tchernobyl. Depuis l'explosion d'un réacteur de la centrale nucléaire de cette ville ukrainienne le 26 avril 1986, tous les êtres humains ont été évacués et une vaste zone de 30 km a été déclarée zone interdite.
Bien entendu, la radioactivité ne s'est arrêtée ni au niveau de cette zone ni au niveau de la frontière de l'Ukraine. Tchernobyl constitue une catastrophe à l'échelle mondiale. La radioactivité a été aggravée par le fait que suivant l'explosion du réacteur nucléaire un incendie s'est déclaré et a permis la diffusion d'un nuage dans de nombreux pays du monde, y compris en France. Il faut savoir que 3 % de la radioactivité quotidienne dans le monde est due à la centrale de Tchernobyl.
Pour autant, le documentaire de Luc Riolon ne traite pas principalement des retombée de Tchernobyl dans le monde. Ce film s'interroge sur l'existence d'une faune et d'une flore dense autour de Tchernobyl, dans des endroits hautement contaminés.
Le film se révèle très instructif. On apprend par exemple que certains atomes radioactifs continueront d'exister et d'être dangereux pendant plus d'une centaine de milliers d'années. Ces atomes ont des structures proches au calcium et au potassium. Ils se déplacent et se retrouvent jusque dans les racines des arbres.
Extrêmement bien documenté et basé sur de nombreuses analyses de scientifiques de divers pays qui sont soit présents sur place soit bénéficient du rapatriement d'éléments radioactifs dans leurs laboratoires afin de les étudier, ce documentaire permet de comprendre comment la faune et la flore ont réussi à se développer (ou non) dans un environnement a priori hostile.
Le réalisateur a la bonne idée de séparer différentes études. Ainsi on apprend que les bouleaux (en raison de leur génome) et les souris résistent parfaitement à de fortes doses de radiation alors que des oiseaux tels que les hirondelles sont victimes de ces radiations. Tout dépend in fine du génome des plantes, des animaux.
S'il n'est pas franchement très bien mis en scène dans le sens où il se contente de passer d'une thématique à l'autre, le documentaire demeure très intéressant, en traitant du cas de la vie dans la zone interdite, et a fortiori dans la forêt rouge (là où le taux de radiation est le plus fort). On voit ainsi que de nouvelles races animales peuplent cet endroit, à l'instar de ces chevaux particuliers qui disposent de plus de chromosomes ou encore de la réapparition de prédateurs avec les loups.
Les hypothèses qui sont relevées (l'existence de la vie dans un endroit hautement radioactif, à savoir plus de 1000 fois la normale ; ou encore l'apparition d'arbres en plein coeur de bâtiments de l'ancienne ville) ne manquent jamais d'intérêt et dépendent pour beaucoup des espèces qui sont étudiées.
Le documentaire n'oublie pas de foutre les jetons en évoquant notamment le fait que les rivières sont susceptibles d'être contaminées et qu'évidemment leur trajet ne concerne pas que la zone interdite... Le film n'omet jamais de considérer le danger de cette zone et a fortiori le danger des centrales nucléaires. Quand on voit les résultats d'une catastrophe telle que celle-ci, on se dit que si cela devait se reproduire, les dangers seraient très importants.
Le film conserve malgré tout quelques notes d'espoir, notamment quand il laisse entendre que les chercheurs qui travaillent sur les souris espèrent bien pouvoir faire bénéficier de l'extraordinaire résistance de ces souris face à la radioactivité pour trouver un vaccin efficace pour permettre à l'homme de vaincre le cancer.
Au final, Tchernobyl, une histoire naturelle ? ne comporte certes de génial au niveau de sa mise en scène mais ce long métrage a le mérite d'être très instructif et d'être un véritable message de vulgarisation de la science.
Les éléments abordés sont suffisamment riches pour éveiller l'intérêt du spectateur. A l'heure où les consciences commencent à se réveiller au niveau de l'écologie, ce film tient largement une portée éducative.
A noter que le film a obtenu L'arbre d'or du meilleur film lors de la sixième édition du film écologique.

Une création des années 30 pour lutter contre la crise économique. L’exploitation innove: "deux films pour le prix d’un seul" le film B vient d’être crée !
Une idée moderne que l'on retrouve maintenant dans la vente par internet.

Ces films doivent avoir une longueur minime (60 ou 70 minutes), le tournage doit durée moins d’une semaine avec une économie de moyens à tous les niveaux. L’écriture des scénarios est standard et stéréotypé. Un western de type B peut revenir à moins de 80 000 dollars en 1939, un film de type A plus de 1 millions de dollars.

Deux générations de réalisateurs se croiseront, ceux qui proviennent des début du cinéma muet, les Dwan, Ulmer, Tourneur, et ceux, plus jeunes, qui ont apprit le métier sur le tas rude du cinéma B, les Arnold, Boetticher, Fuller, Siegel.. Certains arriveront à passer dans la catégorie supérieure.

Les acteurs de ces petits films sont exploités de manière fonctionnelle par les réalisateurs, et doivent s’adapter à leurs désirs. Les tournages étant brefs, leurs fonctions est plus utilitaires que actives. Les acteurs et actrices qui y firent leurs armes sont, Barbara Stanwyck, John Carradine, Dan Duryea, Glenn Ford, Vincent Price, John Wayne, Virginia Mayo, Rhonda Flemming..

Ce fut un succès foudroyant qui dura deux décennies, les années 40 virent même ce cinéma devenir un genre à lui seul.

Le cinéma B s’éteindra de sa belle mort dans les années 50. Deux causes précipiteront cette chute, La loi antitrust de 1948, qui obligea les majors à se séparer de ses salles et qui les força à concentrer leurs moyens sur le film principal et l’arrivée de la télévision dans l’espace cinématographique qui centralisa ses budgets sur des productions de séries B, ce qui trusta tous le public cinéma vers ces œuvres télévisuelles du samedi soir.

Genre : Western

Le western est le genre du cinéma B par excellence. La raison en est simple : il est le plus économique. Ces films sont tournés en trois jours pour un budget minimaliste. Réalisés en extérieur et en lumière naturelle, les films sont composés de longues scènes de galop en mode course-poursuite où l’aspect technique est délaissé. La compression économique est la règle, le scénario et la narration sont primaires.

Ces acteurs fétiches:

Audie Murphy et Randolph Scott.

Ces valeurs:

Le shérif qui fait régner l’ordre.
Le bâtisseur qui construit sa maison, défend sa terre contre les bandits et les indiens.
La valorisation des mauvais garçons et l’attrait des grands espaces viendront ensuite pour redonner de l’intérêt au genre.

Un de ces réalisateurs:

« Mes films sont bons parce qu’on ma foutu la paix. Ils étaient tellement fauchés que tout le monde au studio s’en foutait. On me laissait tranquille, je pouvais faire ce que je voulais » Budd Boetticher, à propos de ses westerns (1956, 1960)

Le déserteur de fort alamo (1953)
Séminole (1954)
7 hommes à abattre (1956) un top!!
L’homme de l’Arizona (1957)
L'aventurier du Texas (1958)
La chevauchée de la vengeance (1959)
Le courrier de l’or (1959)
Comanche station (1960)

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Allan Dwan : 7 Films / Coffret 5 DVD


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Titre du film : Alma
Réalisateur : Patrick Rouxel

Durée du film : 1h03

Date de sortie du film en salles : 2010 (film vu au festival international du film écologique de Bourges)
Par Nicofeel

Réalisé par Patrick Rouxel, Alma est un documentaire d'un peu plus d'une heure qui a la bonne idée de sensibiliser le public sur le rapport de l'homme au vivant. Même si le réalisateur ne prend jamais parti, il est évident que son montage invite le spectateur en tant que consommateur à changer ses habitudes de vie.
Le film débute dans un paysage idyllique dans la forêt amazonienne. On voit un crocodile qui est en train de se reposer tranquillement dans l'eau. Puis l'on voit dans les arbres des singes en train de se balader. On a droit également à la vision de fourmis ou encore d'oiseaux. Tous types d'animaux ou d'insectes sont proposés dans une nature qui vit parfaitement dans son écosystème. On notera présentement que le film bénéficie d'un très bon travail au niveau de la photographie.
Brusquement il y a le bruit d'une tronçonneuse et l'on voit un homme qui sans se soucier de son acte se met à couper à un arbre. C'est ensuite plusieurs arbres qui sont coupés avant que la forêt soit en partie décapitée et même brûlée. Les animaux présents dans les alentours meurent très logiquement puisqu'ils n'ont pas le temps de prévoir cet événement inattendu.
Dans quel but l'Homme fait tout cela ? Tout simplement pour récupérer le bois. L'Homme le fait donc au détriment de la nature.
Pourtant, comme le montrent d'autres documentaires tels que Home ou le Syndrome du Titanic, que ferons-nous le jour où nous aurons épuisé toutes nos ressources naturelles ? Au-delà du fait de dénaturer la nature, le réalisateur Patrick Rouxel pose tout de même la question des ressources.
Plus grave encore, le cinéaste s'intéresse également au sort des pauvres vaches. Dans un but de consommation de masse, les vaches sont parquées afin de rentabiliser au maximum l'espace. On prend vraiment en pitié ces pauvres bêtes qui sont martyrisées. Cela fait vraiment de la peine de voir ces bovins qui se font castrer avec une pince de Burdizzo. L'image est difficilement soutenable.
Et puis le réalisateur fait des parallèles qui sont certes un peu éloignés du monde animal mais ne manquent pas de faire leur effet : ainsi, lorsque l'on voit toutes ces vaches qui sont rangées dans des trains avant d'être tuées, on ne peut s'empêcher de penser aux actes nazis lors de la deuxième guerre mondiale.
Le film montre sans ambages et sans explications (à la différence de nombreux documentaires animaliers il n'y a pas ici de voix off pour orienter le spectateur, seul le montage est en mesure d'influencer le spectateur) que l'Homme détruit la nature pour ses besoins personnels au lieu d'être en symbiose avec celle-ci. Les regards « caméra » que portent les vaches donnent une réelle émotion à ce long métrage. C'est un véritable crève-coeur que d'assister à leurs souffrances.
Certaines scènes sont particulièrement caractéristiques sur ce plan. On assiste ainsi à la merveille de la vie avec la naissance d'un veau. La vache se met à aider son petit qui a du mal à marcher. Quelques instants plus tard, de manière brutale, un homme vient parquer le petit veau qui se retrouve séparé de sa mère.
A la manière d'un long métrage tel que fast food nation (qui reste quant à lui une fiction), Alma pose la réflexion de notre société de consommation actuelle et des répercussions de nos habitudes de vie sur la nature. Le bois qui est un des exemples de ce long métrage mais aussi et surtout les aliments produits par le biais de la vache (lait de vache obtenu sur la vache par des machines mécaniques ; production de viande ; fromage ; etc.) sont finalement obtenus à un prix qui n'est pas négligeable pour les espèces végétales et animales.
Si bien évidemment ce long métrage est sans conteste assez orienté, il a le mérite de traiter d'un sujet qui est certes connu mais qui est très parlant lorsque l'on voit des images à l'appui. Gageons que ce film ne reste pas juste un documentaire mais qu'il permette effectivement à moyen terme de changer nos habitudes de vie. Voilà un film militant qui mérite d'être vu.

Une chose que j’ai remarqué, beaucoup de films des années 80 d’action Américain s’organisent autour de séquences de violences ou de tortures du héros…..

Dans le film Conan le Barbare, la mère de Conan enfant est décapitée, il sera ensuite mis en esclavage. Rambo qui subit l’ire violente d’un adjoint, ce qui le rend fou par la projection associative avec la guerre du Vietnam et les tortures endurées. Robocop où le héros est déchiqueté par des gangsters à coup d’armes à feu, c’est une sorte de rituel pour attaquer la dignité, l'âme du héros, le rabaisser pour que le public comprenne et approuve la lutte vengeresse contre ses persécuteurs.

Cette loi du talion me parait être centrale dans nombres de scénarios de film d’action post-moderne des années 80.
Ces films ressortent l’idée que l’homme se construit dans la densité de la douleur, cette vulnérabilité qui devient invincibilité est un concept très présent dans ces métrages ou l’action prime.
Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Van Damme, Seagal, des acteurs «sportifs» qui s’exhibent dans l’action en sont les dignes représentants, ces "surhommes" sont dotés d’une puissance physique, d’une agressivité qui fait la joie d’une présidence Reagan qui ne manque jamais dans ses discours de prendre appui sur ces éléments de virilités filmiques pour en accentuer l’effet.

Le maître de guerre est une parfaite parabole idéologique pour l’état d’esprit régnant dans les hautes sphères Américaines de l’époque...
Des jeunes marines entrainés par Eastwood montre l’esprit guerrier et combatif du soldat, qui dans un altruisme extrême sans va délivrer l’ile de Grenade de ses horribles communistes!

Un fantasme moralisateur qui fut souvent raillé dans le monde, bien que je trouve divertissant le spectacle souvent dynamique de ces films, je n’ai jamais compris comment les propos d’opinions intégrés dans ces productions pouvaient toucher qui que ce soit tellement la puérilité naïve est évidente!!
Le patriotisme, la religion, thèmes récurent dans les productions Américaines, chose qui me trouble toujours autant...

Robocop : La trilogie - Edition 2009


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Conan le barbare - Edition collector


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Titre du film : La paloma (Le temps d'un regard)
Réalisateur : Daniel Schmid
Durée du film : 110 minutes
Date de sortie du film : 1974 (exclusivité présentée au festival du NIFFF 2010)
Avec : Ingrid Caven (La Paloma), Peter Kern (le comte Isidor Palewski), Bulle Ogier (la mère d'Isidor), etc.

Par Nicofeel

Réalisé en 1974 par le cinéaste suisse Daniel Schmid (Jenatsch, Hécate), La paloma est une sorte de rêverie onirique, un conte magnifique. Le film commence d'ailleurs par « Il était une fois », comme pour rappeler qu'il s'agit d'une sorte de conte. En outre, il s'ouvre et se ferme par un rideau.
Avec des décors très chargés qui font penser à du Rainer Werner Fassbinder ou du Werner Schroeter , La paloma débute dans un cabaret où les gens assistent à une représentation intitulée comme par hasard La force de l'imagination.
On nous narre l'histoire d'une artiste, Viola (qui joue dans la paloma) qui est une artiste déchue. On peut faire deux interprétations sur la suite du film : le jeune homme nommé Isidor, grand fan de Viola va être transporté par son personnage et vivre un véritable fantasme. Ou alors il va réellement vivre une grande histoire avec Viola.
En faisant un gros travail sur l'esthétique avec de belles images un peu à la manière du photographe David Hamilton (le film est un véritable roman photo), et en utilisant une voix off, Daniel Schmid raconte l'histoire d'un amour pur, celui de Isidor qui est éperdument amoureux de notre paloma. Cela donne lieu à de superbes scènes, comme celle où ils chantent ensemble avec en transparence les montagnes.
Mais là où le film comporte un vrai aspect dramatique c'est que la paloma n'aime pas Isidor. Raison pour laquelle par exemple, même si elle est mariée à Isidor, elle a une aventure avec l'ami de ce dernier, Raoul.
Cependant, Daniel Schmid ne perd jamais de vue la notion de pureté dans l'amour d'Isidor pour sa femme. D'ailleurs, ce qui est très beau c'est que cette dernière « croyait en mon amour pour elle « , dixit Isidor.
Histoire à la fois triste et nostalgique (voir sur ce point les nombreux flashbacks), La paloma est le portrait d'une femme insaisissable, étrange, quasi insodable. Dans le côté étrange, on aura d'ailleurs droit à une superbe scène vers la fin lorsque l'on voit Viola sur son lit de mort avec une croix. Elle demande une chose particulièrement perverse à son époux, à savoir découper son corps. Alors s'agit-il d'amour ou de haine ? La question reste posée.
Au final, La paloma qui peut être vue comme une histoire rêvée par Isidor (le choix est clairement laissé à l'interprétation du spectateur), bénéficie de la présence d'Ingrid Caven dans le rôle principal, d'une superbe photographie, d'une belle mise en scène avec notamment plusieurs travellings latéraux et d'une histoire enivrante.En somme, voilà un essentiel du cinéma suisse mis en scène par un cinéaste majeur.

Titre du film : Crazy thunder road
Réalisateur : Sogo Ishii
Durée du film : 95 minutes
Date de sortie du film : 1980 (film en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Tatsuo Yamada (Hitoshi), Masamitsu Ohike (Yukio), Koji Nanjo (Ken), Nenji Kobayashi (Tsuyoshi), etc.
Par Nicofeel

Oeuvre de jeunesse (1980) de Sogo Ishii (qui fut l'invité d'honneur du festival du NIFFF 2010), Crazy thunder road est un film de motards très rock n'roll, bien anarchiste dans son fond.
Il s'agit avant tout d'un film d'action purement fun. Au début du film, il y a une explosion, qui peut signifier une représentation de la guerre atomique et de ses conséquences, d'où le côté cyberpunk de l'oeuvre dans l'accoutrement des personnages principaux. L'intrigue n'est pas très compliquée avec des jeunes gens qui aiment se battre contre d'autres jeunes. Les hommes ont l'air de vrais lascars avec leurs blousons en cuir et lunettes noires.
Comme cela peut être le cas chez les Yakuza, il y a ici des clans et des alliances qui se forment.
On a droit évidemment dans ce genre de films à de nombreuses scènes de combat où les jeunes se tapent dessus. Les plans du film sont très rapides et la caméra suit le mouvement. La scène la plus impressionnante est sans conteste le moment où Sogo Ishii effectue un panoramique tellement rapide que l'on ne voit plus qu'une image floue et que l'on entend plus que la voix des acteurs.
Tout objet est ici utilisé pour se battre, qu'il s'agisse de fusils ou de battes de base-ball. Avec une musique tantôt rock n'roll tantôt espérimentale, Sogo Ishii filme le chaos. Il montre des jeunes gens qui ne souhaitent être récupérés par personne et cherchent seulement être libres, d'où le côté anarchiste de l'ensemble.
Il faut dire que les choix laissés aux individus sont pour le moins restrictifs : soit ils adhèrent à une société bien policée soit ils intègrent carrément l'extrême droite.
L'air de ne pas y toucher, Sogo Ishii charge l'armée dans son film en montrant par exemple que cette dernière souhaite récupérer ces jeunes un peu perdus en les reprenant en main dans des centres d'entraînement. On appréciera cette image bien contestataire où l'un des protagonistes se met à cracher (il y a d'ailleurs un arrêt sur image) quand on lui dit qu'il a une nation à défendre. Sogo Ishii se moque quelque peu du chef militaire, Takeshi, en le faisant coucher avec un homme : cela comporte un côté comique et surtout annihile le côté quelque peu viril de l'armée.
Il y a d'ailleurs plusieurs séquences drôles dans Crazy thunder road, par exemple quand un militaire apporte à un des blessés, Jin, des marguerites ou encore le moment où un professeur touche les seins d'un mannequin !
Notons que le film comporte quelques scènes inutiles, notamment une histoire d'amour torchée à la va-vite qui n'a d'autre intérêt que de voir les seins d'une actrice japonaise.
Cependant, cela n'empêche pas de trouver en Crazy thunder road une oeuvre contestataire, avec une scène finale particulièrement dynamique et marquante tant par l'utilisation de nombreuses armes que par son lot important de morts. C'est une façon de rappeler l'inutilité de la guerre.
Au final, Crazy thunder est un film libertaire à l'image de son principal protagoniste qui repart seul à la fin. En outre, par sa mise en scène coup de poing et ses nombreuses scènes d'action, Sogo Ishii en a fait un film bien marquant.
On regrettera simplement d'avoir visionné le film en version originale avec uniquement des sous-titres anglais. Mais cela reste généralement de l'anglais relativement simple.

Titre du film : L'amour fou
Réalisateur : Michel Rodde
Durée du film : 85 minutes
Date de sortie du film : 1997 (film diffusé en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Éléonore Hirt (Hélène), Wojciech Pszoniak, etc.
Par Nicofeel

Film de 1997 mis en scène par le neuchâtelois Michel Rodde (un réalisateur local, en somme !), L'amour fou comporte de manière évidente une dimension onirique. C'est une allégorie sur les rapports entre l'amour et la mort. C'est aussi astucieusement le mythe d'Orphée et d'Eurydice inversé.
Le synopsis du film évoque le personnage de Victor qui a disparu depuis 30 ans et sa bien-aimée, Hélène, qui ne peut admettre son suicide (noyé dans un lac). Dans un style purement romantique, Éléonore Hirt (voir la photo ci-jointe avec une Eleonore Hirt un peu plus jeune que dans le film), dans le rôle d'Hélène, déclare par exemple : « J'ai vécu de l'amour, j'en meurs dit notre femme. »
Le film comporte un nombre très impressionnant de symboles, à tous les niveaux, ce qui rend sa lecture assez difficile à décrypter.
Par exemple, on voit à de nombreuses reprises des roses jaunes : dans la maison de la femme ; dans une sorte de labyrinthe ; dans un tableau de la chambre d'hôtel ; il y a un enfant vers la fin du film qui vend des roses jaunes. Serait-ce le symbole d'un amour en suspens ? C'est possible.
Hélène prend le train, comme si elle passait le Styx, et loge à un hôtel appelé Terminus. Que de symboles. Elle rencontre alors un homme dans sa chambre d'hôtel qui n'arrête pas de boire et de fumer. Cet homme a souvent des éléments chauds dans les pièces où il circule : ne serait-ce pas un symbole de l'enfer.
Malgré le côté très sérieux de ce film, cela ne l'empêche pas de comporter quelques éléments drôles et notamment un côté quasi burlesque avec les nombreuses bêtises que fait l'homme.
La mise en scène est soignée et même parfois très inventive pour arriver à un résultat des plus intéressants. Ainsi, vers la fin du film, l'homme se retrouve par terre et la caméra est tournée de telle façon qu'on a l'impression qu'il escalade quelque chose : difficulté de quitter les enfers.
Il y a un taxi qui les ramène vers le paradis terrestre, qui n'est rien d'autre qu'un dancing.
On notera enfin qu'il y a dans le film de nombreuses musiques classiques et comme par hasard Orphée et Eurydice de Glück.
Au final, la question est de savoir si tout ce que Hélène a vu n'est pas fantasmé. Ce doute s'inscrit parfaitement dans le ton onirique de L'amour fou.
En synthèse, L'amour fou est un film bien mis en scène et bien joué, mais qui demeure tout de même assez difficile d'accès.
Lors du débat suivant la projection du film, la productrice du film signale que beaucoup de littérature sur le sujet a été lu pour faire L'amour fou. Pour sa part, Michel Rodde indique qu'il écoutait de manière continue les Cantades de Bach quand il était en train de réaliser ce film.

Titre du film : L'enfance d'Icare

Réalisateur : Alex Iordachescu

Durée du film : 90 minutes

Date de sortie du film : prochainement (film diffusé en avant première au festival du NIFFF)

Avec : Guillaume Depardieu (Jonathan Vogel), Alysson Paradis (Alice Karr), Carlo Brandt (Stivlas Karr), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Alex Iordachescu dont c'est le premier film, L'enfance d'Icare traite de la thérapie génétique. C'est le dernier rôle au cinéma de Guillaume Depardieu qui interprète un véritable rôle de composition qui rappelle étrangement sa vie. En effet, Guillaume Depardieu est Jonathan Vogel, un homme handicapé venu se faire soigner par un docteur de clinique qui utilise un nouveau procédé. A la base on lui déclare qu'il a de la chance car un individu sur 100 000 a un génome compatible avec le traitement et c'est son cas.
Jonathan Vogel est le premier humain sur lequel on fait de tels tests. Il va apprendre à ses dépens que si la science peut guérir de certaines maladies, on ne sait jamais quelles sont les conséquences finales avec dans notre cas un mal qui est guéri mais qui crée une nouvelle maladie avec le besoin de recourir à la chimiothérapie (car prolifération de cellules) : ce sont bien là les limites actuelles de la science, prouvant à quel point il faut faire attention.
Le film laisse une impression mitigée car si sa thématique est intéressante, il se déroule sur un rythme lent et surtout on a rapidement l'impression qu'il tourne un peu en rond. On comprend vite que Jonathan s'est porté volontaire (« on a signé un pacte » dixit le professeur) pour le programme mais le traitement n'améliore pas son état de santé. L'intrigue aurait sans conteste mérité d'être plus développée.
A fortiori, on constatera qu'il y a une belle incohérence vers la fin : alors qu'il y a un accident de voiture assez grave, Jonathan n'est nullement blessé.
Au demeurant, si l'on sent qu'il se trame quelque chose et que l'ambiance est froide et plutôt pesante (ce sentiment étant accru par la musique ambiante du groupe suisse les Young gods) dans ce film, il ne se passe pas grand chose.
Quelques éléments méritent tout de même d'être signalés comme les relations particulièrement ambiguës entre le professeur et sa fille Alice. On notera également avec intérêt le fait que le film montre les liens entre science et économie puisqu'il y a des actionnaires qui attendent des résultats et surtout des profits des recherches du docteur de cette clinique.
Quant aux acteurs, ils ne sont pas à mettre en cause du semi-échec du film car il se révèlent assez bons.
Au final, L'enfance d'Icare est un film qui part avec de bonnes intentions mais qui s'égare un peu en route en raison d'une intrigue qui aurait mérité plus de clarté et de développements.
Après la séance, Alex Iordachevscu a répondu aux questions des spectateurs. Locktal (bien connu des dvdpascheriens pour son immense dvdthèque !) lui a demandé les raisons du titre du film. Le cinéaste lui a déclaré que son film est l'histoire d'une chute qui vient en héritage même si elle n'a pas été demandée. Le cinéaste rappelle l'histoire du mythe d'Icare et fait le parallèle avec son film.

par Nicore

Après deux mois d’été quand même largement mitigés et notamment un mois d’août plus que décevant, l’actualité des sorties fantastiques et horrifiques a remis du poil de la bête en septembre, avec, outre de nombreux combos DVD-Blu-ray de titres déjà existants, les traditionnelles ressorties, mais aussi pour nous gratifier de quelques inédits alléchants ainsi que plusieurs "classiques" retrouvés.

Au niveau des ressorties, deux incontournables ont connu une édition en Blu-ray, Le loup-garou de londres chez Universal (l'éditeur ayant aussi donné sa chance à Suck et ses vampires rock'n'roll) et The Rocky horror picture show chez 20th Century Fox, qui a par ailleurs édité un nombre certains de titres en combo DVD-Blu-ray, tout comme MGM.

Ce mois de septembre aura également permis de (re)découvrir le sympathique Holocaust 2000 d'Alberto De Martino et son discours écologique avant l'heure sous-jacent derrière son histoire satanique, mais aussi le Nosferatu de Werner Herzog qui demeurait jusque-là toujours honteusement inédit chez nous en DVD.

Mais cela surtout aura été du côté des inédits que le mois qui vient de s'achever aura été prolixe avec de nombreux titres plus ou moins attendus. Ainsi, parmi les bonnes nouvelles, TF1 Vidéo aura permis à l'excellent House of the devil de se faire connaître avec son ambiance héritée des glorieuses années 80 pour une intrigue diabolique et impliquante, tandis que Metropolitan aura édité le surprenant L'effet papillon 3 qui viendra rehausser la franchise avec notamment un aspect graphique volontaire, et le plus obscur Omen, la nouvelle malédiction, film thaïlandais écrit par les frères Pang.

De son côté, Emylia aura lancé une belle offensive avec trois titres méritant que l'on s'y attarde pour des raisons diverses, avec Blood on the highway et son humour déjanté, l'édition DVD étant présenté ici et critiqué là, mais aussi avec l'inquiétant film suédois The cellar présenté ici et critiqué là, et enfin avec le film malaisien Histeria dont l'édition a été évoquée ici avant d'être critiquée là.

Toujours dans le cinéma oriental, WE Productions nous aura permis de connaître The guard post, critiqué ici dans son édition en zone 1, et P (la possédeé) et sa magie noire démoniaque.

Pendant ce temps-là BAC Vidéo aura édité 5150, rue des Ormes et son huit-clos étouffant, laissant E1 Entertainement proposer un autre film canadien avec le bien méchant Les 7 jours du Talion.

Autres inédits sortis ce mois-ci mais plus anecdotiques, LockJaw et The thaw sous l'impulsion de Zylo, ainsi que le quand même plus sympathique Trailer park of terror et ses zombies rock édité par Europa, film critiqué ici dans son édition en zone 1, et alors que ce sera Antartic qui aura donné sa chance à Scar 3D après sa sortie technique en salles l'année dernière, pour un autre film critiqué ici dans son édition en zone 2 anglais.

Et enfin, le petit éditeur indépendant Ohmygore propose déjà sur son site ses deux dernières éditions, Sleepaway camp 2 (critiqué ici dans son édition en zone 1 ) et le "Rape and revenge" argentin I'll never die alone, deux titres méritant lé détour, surtout qu'il s'agira de soutenir cet éditeur qui ne devrait pas tarder à nous proposer d'autres titres alléchants.

Donc, comme on peut le voir, ce mois de septembre aura été plutôt riche en inédits de tous horizons et il ne reste plus qu'à espérer que ce mois d'octobre soit aussi fourni et généreux ! Le rendez-vous est déjà pris pour vérifier la réalité de ce regain de vitalité en fin de mois !

Le loup-garou de Londres (Blu-ray)


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Holocaust 2000


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The house of the devil (Blu-ray)


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The house of the devil (DVD + Copie digitale)


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L'effet Papillon 3 (Blu-ray)


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L'effet papillon 3


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Blood on the highway


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The cellar


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Histeria


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Amazon à 19€
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5150, rue des Ormes - Edition 2010


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Les 7 jours du Talion


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Lockjaw


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Trailer Park of Terror


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Scar 3D / Coffret 2 DVD


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I'll Never Die Alone


Fnac à 17€
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Dans les années 60, l'audace filmique est en Europe avec la nouvelle vague qui émerge avec sa morale ambigue et avec ses personnages soignées, et à plusieurs niveaux d'évolution, ce qui rend la structure narrative captivante. Le cinéma américain est dominé par la peur de l'ennemi communiste et de la guerre atomique, les studios font ce qu'ils veulent et ont une emprise totale sur les films. Ils remontent et retouchent, les réalisateurs sont des faire valoir et les scénaristes ont une valeur quelconque. Paumé, les studios américains sont incapable d'accompagner les désirs et les nouvelles tendances de son public.

Fin des années 60, la conformité sclérosante, la rigueur austère des films, leurs conventions, leurs formalismes, est mis à mal par l'évolution de la société, la guerre du Vietnam commence à réveiller les jeunes esprits et la révolution culturelle est en route!

Dehors les vieux! et que les nouveaux fassent rêver une jeunesse avide d'idées cinématographiques nouvelles. De 1969 à 1971 les pertes des studios sont énormes, Warner Bros et MGM sont rachetés par des assureurs, le code hays est abandonné au profit d'une nouvelle codification des films, la censure gouvernementale est abandonnée. C'est la période du cinéma d'auteur et des mutations économiques.

Le prestige de cette nouvelle bande de réalisateurs s'installe doucement, le terreau est idéal pour la création, l'expression est libre, les tabous sont brisés, ce qui permet nombres d'expérimentations filmiques qui reposent beaucoup sur les personnages. L'intrigue est moins mise en avant ...
Bonnie and Clyde et le Lauréat furent la fin des vieilles badernes hollywoodienne et le début de prise de pouvoir des "sales mômes du cinéma".

L'interprétation de ces œuvres vit arriver de nouveaux visages souvent formés à l'Actors studio : Nicholson, De Niro, Hoffman, Pacino, Dreyfuss, Duvall, Keitel, et aussi les Streisand, Jane Fonda, Faye Dunaway, Diane Keaton etc...

C'est tout un monde qui se forme, des films d'art et d'essai voient le jour, c'est une stratégie des studios en difficulté pour se refaire la cerise. Peu d'argent investi, avec l'espoir de faire du profit sur les noms de cette jeune génération au style personnel et intelligent qui peuvent intéresser un certain public cinéphile.
Easy rider, MASH, Macadam cowboys en sont le parfait fil conducteur! 2001 odyssée de l'espace est un phénoménal film de fiction très en avance sur son temps!
Arrive le temps du "Parrain" et de son incroyable succès, les studios ont compris qu'il fallait accompagner ces réalisateurs par des moyens de superproductions pour augmenter les bénéfices avec l'arrière pensée de faire rentrer dans le moule cette pépite à talent.

Début 70 c'est aussi l'éclosion d'un genre méprisé: l'épouvante! L'exorciste et surtout Les dents de la mer rapportent des sommes folles, le film de requin sera le premier film à maximaliser les campagnes commerciales et médiatiques et à faire sortir le métrage dans un nombre de salles record!! Les années 80 s'approchent à grand pas!!

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Les dents de la mer


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Titre du film : Stefanies geschenk
Réalisateur : Mathieu Seiler
Durée du film : 85 minutes
Date de sortie du film : 1995 (film diffusé en exclusivité au festival du NIFFF 2010)

Avec : Soraya Da Mota (Stefanie), Paul Lohr (le père), Aviva Joel (la mère), etc.
Par Nicofeel

Stefanies geschenk constitue le premier film du zurichois Mathieu Seiler, sorti en 1995. En 2000, il a réalisé un second film, cette fois-ci sur la thématique du petit chaperon rouge. Ici, il revisite le mythe d'Alice au pays des merveilles en s'intéressant à une jeune fille qui va se retrouver dans la situation d'un suicide.
Nanti d'un petit budget de 340 000 dollars, ce film en noir et blanc produit en partie par le réalisateur est un modèle d'inventivité. Pour le producteur du film, il s'agit d'un « art house plus action ». L'actrice du film, Soraya Da Mota, avait seulement 12 ans lors du tournage.
A la manière d'Une vraie jeune fille de Catherine Breillat, Stefanies geschenk montre une jeune fille, Stefanie, qui s'ennuie avec sa famille, comme le prouve par exemple la scène du repas au début du film. Elle se regarde dans le miroir et passe à travers celui-ci à l'instar d'Alice au pays des merveilles). Tout se passe dans l'univers mental de Stefanie.

Ainsi, elle se permet toutes les transgressions possibles et imaginables : elle fume. On a droit aussi à un sur ses lèvres quand elle est en train de macher un chewing gum. Elle met la musique forte dans sa chambre. Elle paraît désabusée à son visage et à son allure. L'école l'ennuie, d'ailleurs elle la manque fréquemment.
Le cinéaste n'hésite pas à relancer le côté fantastique du film par le fait que Stefanie entend plusieurs fois des voix (c'est en fait son subconscient) la sollicitant pour tuer ses parents avec un cimeterre. Elle se voit ainsi en train de tuer notamment sa mère en rêve en faisant un fuck you au Christ qu'elle ajoute devant elle.
Le film évoque aussi l'éveil à la sexualité de Stefanie. Il y a par exemple un plan où elle transpire comme si elle était en train de jouir. On comprend alors qu'un garçon vient de lui faire l'amour (dans son rêve). Il y a un côté comique avec ce garçon qui se met sou le lit ou encore qu'il s'endort et est réveillé quand elle lui envoie un verre d'eau au visage.
Tout au long du film Stefanie croise des personnages plus étranges les uns que les autres : une dame qui lui donne un colis ; un homme avec une arme.
On a droit à un parallèle intéressant entre la disparition d'un enfant et la fin du film particulièrement noire. Cette fin est très carrée avec Stefanie en train de sucer une tétine empoisonnée (symbole du suicide, et comme si elle suçait un sexe masculin) et ses parents qui reçoivent une boîte avec leur fille à l'intérieur (lien avec l'enfant disparu).
Le réalisateur aime filmer son actrice sous tous les angles (de dos, de face, ses pieds, son visage) et même au ralenti vers la fin du film, où on la voit déterminée. L'actrice Soraya Da Mota est omniprésente et sa composition est marquante pour une jeune fille de 12 ans.
Le film propose tout de même une vision particulièrement noire de l'adolescence avec de manière sous-jacente la question du suicide. C'est aussi un film qui s'attaque à une société bien normée et à son système de valeurs.
Tant par sa mise en scène que par les thématiques qu'il développe et par sa très belle esthétique bien dans un style arty, Stefanies geschenk est un film qui mérite largement d'être vu.

Titre du film : Simon Werner a disparu...
Réalisateur : Fabrice Gobert
Durée du film : 1h33
Date de sortie du film en salles : 22 septembre 2010

Avec : Ana Girardot (Alice), Jules Pelissier (Jérémie), Laurent Delbecque (Simon), Serge Riaboukine (Rabier), Arthur Mazet (Jean-Baptiste Rabier), Laetitia (Selma El Mouissi), Yan Tassin (Frédéric), Laurent Capelluto (Yves, l'entraîneur de foot), Audrey Bastien (Clara) Esteban Carvajal Alegria (Luc), etc.

Par Nicofeel

Premier long métrage du français Fabrice Gobert, Simon Werne a disparu... étonne très franchement par son ambition pour un premier film. Le cinéaste n'a absolument pas choisi la facilité. On est loin du filmage plan-plan de certains téléfilms voire films de bas étage avec de simples champ-contre champ. Non ici l'ensemble du film rend grâce au cinéma en tant que septième art. Visiblement très intéressé par le cinéma de Gus Van Sant (Elephant), Fabrice Gobert a mis en scène son film en filmant les mêmes scènes de différentes façons pour aboutir à différents points de vue et ses personnages sont en perpétuel mouvement. C'est tout l'intérêt à la base de son film, à savoir changer le point de vue lors de différentes séquences. Certes, on n'aboutit pas à une vision subjective mais on suit plutôt des personnages dans leurs faits et gestes.
Mais de quoi parle déjà Simon Werner a disparu... ? Le film se déroule dans un lycée français en 1992. On apprend progressivement qu'un des élèves, Simon Werner, a disparu. Chaque élève y va de sa propre interprétation mais les choses prennent rapidement une autre ampleur quand on s'aperçoit que d'autres élèves de cette même classe disparaissent. Donnant l'impression de s'inspirer de faits divers comme on peut en voir souvent, le film se lance alors dans une sorte d'enquête qui va révéler au final que les coupables ne sont pas forcément ceux à qui l'on pense et que les meurtres peuvent être purement gratuits, sans mobile apparent.

Situé à mi-chemin entre le film d'adolescents – le film proposant un portrait intéressant d'une jeunesse sur le point de passer à l'âge adulte et qui pense pour l'instant à faire des fêtes nocturnes – et le thriller avec tous ces questionnements et ces longs couloirs vides dans le lycée, Simon Werner a disparu... est également un film à l'ambiance particulièrement étrange. Il y a clairement du David Lynch derrière tout ça. On pense beaucoup à Twin Peaks et notamment à l'étrange personne de Laura Palmer.
Ici, Laura Palmer s'appelle Alice. C'est une jeune femme qui attire d'elle les regards de la plupart des garçons, subjugués par sa beauté. Surtout, on constate que le personnage d'Alice fait le lien entre les différentes séquences. Car à chaque fois que l'on passe à un nouveau point de vue, il y a un nouveau prénom qui s'affiche à l'écran (d'abord Jérémie puis Alice, Jean-Baptiste et enfin Simon) et on suit les événements tels qu'il les a vécus. Systématiquement, la jeune Alice se retrouve avant le début de ces nouvelles séquences. Peut-être que de manière symbolique Alice joue le rôle de transition en permettant le passage de l'autre côté du miroir. Car on apprend progressivement des choses qui ne sont connues de personne (sinon de celui qui a vécu les événements), des choses secrètes qui font s'interroger l'ensemble des lycéens.
Une des grandes qualités du film est de réussir à marier, par le biais de sa mise en scène, deux genres pas forcément liés : le thriller et le film d'adolescents. Le côté thriller est alimenté par ces disparitions suspectes. Quant au côté ado, il l'est par ces mêmes disparitions. A savoir que beaucoup de soupçons et de rumeurs infondés ont lieu. Le talent du scénario film réside dans sa réussite à désamorcer au fur et à mesure que l'intrigue avance de nombreuses rumeurs. Et au même titre que la disparition des rumeurs, on voit réapparaître des personnages dans le cours du film.
Par ailleurs, les motivations de chacun sont dévoilées petit à petit, ce qui permet de remettre les différents éléments du puzzle à leur place. Certains secrets sont également rendus au spectateur comme le fait que tel personnage est homosexuel ou encore que tel autre, si sage en apparence, trompe sa copine.
La réussite évidente du film tient à l'épaisseur du caractère des personnages. On voit bien que tous ont bénéficié d'un gros travail d'écriture. A tel point que parfois on se demande réellement si tel personnage a des intentions appréciables ou non. Sur ce point, le personnage d'Alice est très révélateur. A un moment donné, on est prêt à lui donner un rôle de victime à la Laura Palmer (Twin Peaks). A un autre on se demande au contraire si Alice ne serait pas une tueuse dans un style à la Mandy Lane (All the boys love Mandy Lane).
Pour rehausser un film déjà de grande qualité, le long métrage de Fabrice Gobert bénéficie de la bande originale du groupe de rock alternatif Sonic Youth, qui sied à merveille à l'univers étrange de Simon Werner a disparu... Cela donne un côté quasiment hypnotique au film.
Film très maîtrisé sur le plan de la mise en scène avec de mouvements de caméra et film faisant état d'un gros travail au niveau du montage, Simon Werner a disparu... est sans conteste une belle réussite. On est donc d'autant plus fier que ce film d'auteur proche du film de genre soit de nationalité française. Les réussites en la matière sont assez rares et sont donc à signaler.
Présenté au festival de Cannes 2010 dans la section « Un certain regard », Simon Werner a disparu... mérite largement d'être diffusé et vu.

Titre du film : Transfer
Réalisateur : Damir Lukacevic
Durée du film : 93 minutes
Date de sortie du film : inconnue (film inédit en France, pas de date de sortie encore prévue)

Avec : B.J. Britt (Apolain/Hermann), Regine Nehy (Sarah/Anna), Ingrid Andree (Anna), Hans-Michael Rehberg (Hermann), etc.
Par Nicofeel

Film allemand réalisé par Damir Lukacevic, Transfer est un film qui utilise le fantastique pour aborder des thèmes essentiels dans notre société contemporaine.
Transfer pose une véritable réflexion sur des questions telles que la vie et la mort, l'identité personnelle, l'immigration, les relations entre pays riches et pauvres.
Pour étayer toutes ces idées, le film se projette dans un futur lointain (vraiment lointain ?) où une société privée, Menzana, donne la possibilité à des gens riches de changer de corps pour vivre dans des corps plus jeunes. Ces jeunes corps sont ceux d'africains qui vivent dans des conditions misérables dans leurs pays. Dans un premier temps, les nouveaux résidents de ces corps vont vivre en tant qu'esprit dans leurs nouveaux corps 20 heures par jour et les propriétaires de base 4 heures par jour, pendant de la phase de nuit des nouveaux résidents.
Dans un second temps, les anciens corps (entendons par là les corps vieux) doivent être incinérés au bout du processus après une phase de 3 mois. Mais alors que deviennent les gens qui possédaient le corps à la base ? Ils disparaissent totalement eux aussi ? C'est pire que de l'esclavage moderne.
Avec une musique technoïde (un peu basique) qui accroît le côté fantastique du film, Transfer propose une vraie réflexion sur notre société actuelle et sur la marchandisation de toute chose, le summum étant atteint par la vente d'un corps. On notera qu'il y a tout de même des considérations morales qui sont en jeu dans cette affaire.
Dès le départ, on voit les rapports inégalitaires entre les pays développés et les pays en développement avec cette marchandisation du corps.
D'ailleurs, il y a dans le film un choc des cultures avec des préjugés de part et d'autre. Le racisme est présent des deux côtés et finit finalement par s'atténuer au fur et à mesure que l'on connaît l'autre. Il faut dire que les personnes âgées ayant décidé de changer de corps dans le film passent d'un corps blanc à un corps noir. Elles sont alors d'autant plus à même de comprendre le racisme latent qui existerait en Allemagne.
Le film pose également des idées intéressantes sur la vie. Comme le dit Anna (la personne âgée dans le film), quand on est jeune, on pense que la mort c'est pour les autres.
Et puis au-delà de toutes les questions que développe le film, on est également fortement intéressé par le côté thriller de celui-ci avec le fait de savoir si Apolain et Sarah, les deux noirs qui ont vendu leurs corps, vont réussir à détourner le système dans leur volonté de se rebeller.
La mise en scène de Damir Lukacevic est particulièrement adapté à son scénario avec par exemple une caméra subjective pour nous montrer le passage d'un corps à un autre. En outre, le réalisateur a la bonne idée de nous montrer les cauchemars que fait l'homme dans son nouveau corps lors de sa première nuit. Il faut dire que c'est comme s'il y avait deux âmes dans le même corps. On sent le subconscient de l'autre.
Excellent film par les questions qu'il pose, par l'interprétation de ses acteurs et par sa mise en scène froide (qui rappelle un certain Bienvenue à Gattaca), Transfer est sans conteste un des films les plus intéressants qui a été proposée lors de la sélection officielle du NIFFF 2010. Pourtant, bizarrement, le film n'a obtenu aucun prix. Il n'empêche, ce film mérite amplement d'être vu et son réalisateur est un cinéaste à suivre de très près.

Blade Runner: Avec la séquence introductive ou la ville crache les flammes par le biais des cheminées d'usines, le cinéma a acquis les fondements d'une certaine esthétique cinématographique. L’exigence est de mise et un film ne peut plus être qu'une simple mise en images.

La force de l'illusion au cinéma démarre grâce aux moyens filmiques (technique, effets) qui offrent une seconde chance au genre science-fiction.
Le design est important dans une série de films comme Aliens le retour, le retour du Jedi, retour vers le futur...les films d'action comme l'arme fatale 2, piège de cristal en profite également. L'importance des effets spéciaux démarre et ne s'est toujours pas arrêté...

Les deux précurseurs que sont Spielberg et Lucas donnent leurs lettres de noblesse à ces films a effets qui font éprouver aux spectateurs des sensations puissantes et crédibles. Les années 80, les années qui vont subjugués et envouter le spectateur pour toujours!
La série des Indiana jones en est l'exacte reproduction, l'esthétique est soutenue par le rythme puissant que donne un montage efficace. les effets affirment la crédibilité et l'exagération du propos un effet de style personnel.
Les anglais à cette période font du cinéma de provocation sociale avec Stephen Frears et Ken Loach. En allemagne Herzog et Wim Wenders sont à la pointe d'un cinéma bien bâti avec des œuvres comme Fitzcarraldo et Paris, Texas....

Cette art, pour vivre, va avoir besoin du marché et de ses fonds importants car pour mettre en route ces chef-œuvres le budget doit être conséquent, c'est aussi une période de domestication entre l'art et la finance et peut-être le début d'un compromis pour certain entre idées et convictions d'artistes et potentiel financier.
Hollywood renait durant cette période avec quantités de films où la narration passe exclusivement par l’action très dynamique. C’est les Rambo, Delta force, Robocop, Rocky, Die Hard qui disposent de héros américain victorieux!

Ce sont les films « porte-avions » de la politique médiatique de l’ère Reagan… Cela marcha excellemment vu la réception populaire envers ce genre, cela devait représenter d’une certaine manière la société américaine des années 80….

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Rambo : La trilogie / 4 DVD


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Titre du film : Black-out
Réalisateur : Jean-Louis Roy
Durée du film : 95 minutes
Date de sortie du film : 1970 (film inédit en France diffusé au festival du NIFFF 2010)

Avec : Marcel Merminod (Emile Blummer), Lucie Avenay (Elise Blummer), Marcel Imhoff (le prêtre), Robert Bachofner (le petit garçon), etc.

Par Nicofeel

Mis en scène par Jean-Louis Roy, Black-out est un pur huis-clos, un film sur l'enfermement physique et psychologique. Le film a une portée universaliste car il n'y a pas d'indication de lieu, on peut être n'importe où. Ce film est une vraie curiosité qui d'un côté tend vers le film d'auteur par les excellentes thématiques abordées (critique de la société de consommation, peur de l'autre et notamment métaphore de l'isolement de la Suisse sur le plan international, évocation de la guerre Froide eu égard à la date à laquelle a été réalisé le film) et d'un autre côté tend vers le Z avec des acteurs en perpétuel sur-jeu qui amènent le spectateur à rigoler sur des choses qui sont pourtant dramatiques.
Les deux acteurs quasi uniques du film, deux personnes âgées, jouent le rôle d'un vieux couple, Emile et Elise. Dès le départ, on voit le côté très amateur de l'interprétation avec des dialogues soit sur-joués soit donnant l'impression d'être lus. Mais les thématiques développées sont assez fortes pour passer outre ce côté bien amateur.
La vieille dame, ayant vu les provisions qui sont faites en sous-sol dans des bâtiments militaires, et croyant à la fin du monde, décide de faire de même dans sa maison. Son mari, Emile, pas vraiment chaud à cette idée d'isolation, finit par suivre le mouvement de sa femme autoritaire.
L'isolation finit par être total avec les murs qui sont barricadés de toutes parts. Les murs et les fenêtres sont même cloués. Le film devient rapidement une métaphore de l'isolation et notamment de la Suisse. Il est tout de même impressionnant de voir ces deux personnes âgées qui décident par peur de se couper du monde et qui remplissent leur maison de différents éléments. La maison devient par moments une véritable poubelle ambulante avec de nombreux détritus disséminés un peu partout.
A fortiori, l'ambiance particulière du film est renforcée par les rapports psychologiques tendus entre Emile et Elise, très intéressants au demeurant, car ils montrent la dégénérescence du psychologique avec deux personnes qui finissent par devenir folles dans un environnement clos. Emile qui semblait jusque-là à peu près normal devient fou : il voit d'ailleurs un petit habillé en costard cravate qui lui rappelle son collègue de travail. Mais ce personnage existe-t-il vraiment ? N'est-ce pas une illusion prouvant que la longue période d'isolement est en train de le rendre fou ?
Le film montre également des rapports de force qui s'inversent entre Emile et Elise. On évolue de plus en plus vers une issue tragique.
La scène finale, particulièrement marquante, évoque sans conteste un personnage qui a perdu pied avec la réalité et qui ne comprend pas que la société n'a pas changé depuis qu'il a décidé de se barricader.
Voilà en tout cas un film qui ne manque pas d'intérêt, même si le jeu des acteurs laisse quelque peu à désirer.

Titre du film : Shelter
Réalisateurs : Björn Stein et Mâns Mârlind
Durée du film : 1h52
Date de sortie du film en salles : prochainement (film diffusé au festival du NIFFF 2010)

Avec : Julianne Moore (Cara), Jonathan Rhys-Meyers, Jeffrey DeMunn (Docteur Harding), etc.
Par Nicofeel

Réalisé par les cinéastes Björn Stein et Mâns Mârlind, le film Shelter s'apparente aux départs à un véritable thriller. La psychanalyste Cara Jessup (excellente Julianne Moore, comme d'habitude) récupère un nouveau patient, qui lui a été recommandé par son père. Le film est très intéressant à la base avec ce personnage d'Adam Saber, un personnage assez agressif, qui est victime de graves troubles de la personnalité. Ainsi, en faisant curieux et impressionnant au niveau de ses cervicales, Adam laisse la place à un certain David Bernburg, et se retrouve dans ce cas paralysé au niveau des jambes.
L'histoire ne manque pas d'attrait, surtout quand on apprend, suite à l'enquête menée par Cara, que David Bernburg est mort depuis une vingtaine d'années !
A ce moment du film, Shelter ne manque pas d'intérêt, d'autant que l'on confronte le nouveau David Bernburg à sa mère et que les preuves laissent entendre qu'il ne peut pas s'agir d'un canular.
Tout cela est bien étrange et on prend un plaisir certain à suivre cette enquête. Malheureusement la deuxième partie du film tend à largement de niveau. En effet, les cinéastes ont voulu en faire un peu trop et ils ont fait un mélange qui n'est pas au final des plus fameux. Le film tend à une confrontation entre la foi et la science. Mais surtout il vire progressivement du thriller pour aboutir à un fantastique un peu lourdaud et « too much » qui a pour effet de laisser le spectateur plus qu'étonné.

Déjà, plusieurs invraisemblances ont lieu au cours du film. Par exemple, comment Adam Saber peut-il trouver l'école de la fille de Cara alors qu'il n'en n'a jamais entendu parler ? Les personnages que l'on voit dans le film semblent également sortis de nulle part. Cette histoire dans la vallée à mi-chemin entre foi et sorcellerie a de quoi laisser perplexe.
Il est dommage que les cinéastes n'en sont pas restés à quelques idées qu'ils auraient pu développer mais qu'ils aient décidé de faire à fond dans la surenchère avec cette multiplication des personnalités, cette ombre dans la nuit qui serait une ombre sonore ou encore cette vieille dame mystérieuse.
A trop s'éparpiller, les cinéastes finissent par perdre le spectateur qui a l'impression de voir un film d'horreur tout à fait quelconque, où la finesse du début du film a laissé la place à un grand-guignolesque des plus limités en intérêt. Le côté religieux du film avec ces croix sur le corps des victimes est loin d'être très malin. On aurait préféré amplement des éléments suggérés plutôt que des éléments qui sont révélés au grand jour, en ayant pourtant ni queue ni tête.
La fin est d'ailleurs le summum du n'importe quoi.
Dans ces conditions, une impression de gâchis est le sentiment qui nous vient en tête lorsque l'on repense à l'ensemble du film.
Car Shelter n'est pas raté pour autant. C'est un film qui bénéficie d'une excellente distribution, avec en tête les deux acteurs principaux, une Julianne Moore très appliquée et un Jonathan Rhys-Meyers qui a une capacité certaine à devenir inquiétant pour les autres. Shelter est aussi un film qui a droit à une mise en scène solide (hormis quelques mouvements où l'image se brouille, ces tics visuels étant parfaitement inutiles) et à un scénario tout à fait prenant dans sa première partie.
Au final, on ressort un peu déçu car Shelter aurait sans nul doute pu être un film de très bonne qualité s'il n'avait pas viré dans le grand n'importe quoi dans sa deuxième partie. Ce long métrage est donc malgré tout à voir, les défauts du film ne l'empêchant pas d'être largement regardable.

Titre du film : Djinns
Réalisateurs : Hugues et Sandra Martin
Durée du film : 100 minutes

Date de sortie du film : 11 août 2010
Avec : Grégoire Leprince-Ringuet (Michel), Thierry Frémont (Vacard), Aurélien Wiik (Saria), Stéphane Debac (Durieux), Emmanuel Bonami (Ballant),

Par Nicofeel

Réalisé par Hugues et Sandra Martin, qui sont frère et soeur, Djinns est un film français marque l'incursion du fantastique à une époque historique particulièrement marquante dans l'histoire de France. En effet, l'intrigue a lieu dans le sud de l'Algérie en 1960. On suit des militaires français qui combattent le FLN.
L'étrangeté qui va marquer ce film est présente dès le départ avec cet homme que l'on voit erreur et tirer une mallette (cette dernière n'ayant finalement aucune importance réelle par rapport au script du film, mais jouant plutôt le rôle de macguffin hitchcockien), alors qu'il semble quasiment mort. L'intrigue est relativement simple avec cette patrouille militaire qui a comme but de retrouver un avion qui s'est écrasé dans le désert.
Pour autant, une fois que cet avion et ces occupants décédés sont retrouvés, cette patrouille est loin d'être au bout de ses peines. Car entre les combats contre des sympathisants du FLN et la paranoïa qui atteint certains militaires, il y a de quoi faire. Surtout que les dunes s'étendent à perte de vue et ont de quoi jouer des tours à nos soldats français.

A fortiori, les djinns ne joueraient-ils pas un rôle actif dans cette guerre. En effet, les djinns sont des génies, bons ou mauvais, qui seraient dotés d'importants pouvoirs. Dans le cas présent, ces créatures mystérieuses, qui sont invisibles aux yeux de presque tous, ont une capacité certaines à déstabiliser l'esprit humain.
Le film montre parfaitement ces personnages qui perdent complètement les pédales ce qui amène plusieurs fois les militaires français à se battre les uns contre les autres. La force du film est sans conteste de laisser le doute dans la tête du spectateur : ces personnages seraient-ils victimes d'hallucinations ou serait-ce le travail des djinns ? De ce point de vue, le film fait d'intéressants parallèles, comme entre l'arrivée du djinn et ce qui a eu lieu en Indochine pour un personnage.
L'ambiance du film est constamment sérieuse et permet de rester dans cet univers étrange où les situations sont tendues.
La distribution du film se révèle efficace, notamment Grégoire Leprince-Ringuet dans un rôle de jeune militaire qui le change carrément de ses rôles dans divers films d'auteur. On aurait par contre apprécié que les personnages qu'ils jouent soient un peu moins caricaturaux et plus développés au niveau de leurs caractères.
Bien que jouant sur un côté fantastique, le film n'hésite pas à prendre parti. Non seulement il retombe parfaitement sur ses pattes à la fin mais en outre il dénonce un fait politique qui est loin d'être anodin et explique les événements du film.
Au final, malgré un rythme un peu lent et une intrigue qui n'évolue pas beaucoup, Djinns, film de guerre à connotation fantastique qui rappelle sans conteste l'excellentissime The thing de John Carpenter (sauf qu'ici au lieu du froid on a la chaleur du désert), est plutôt à compter parmi les oeuvres fantastiques françaises réussies.

Titre du film : The killer inside me
Réalisateur : Michael Winterbottom
Durée du film : 120 minutes
Date de sortie du film : 11 août 2010

Avec : Casey Affleck (Lou Ford), Jessica Alba (Joyce Lakeland), Kate Hudson (Amy Stanton), Ned Beatty (Chester Conway), Elias Koteas (Joe Rothman), Bill Pullman (Billy Boy Walker), Simon Baker (Howard Hendricks), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par l'éclectique Michael Winterbottom (24 hour party people, Nine songs), The killer inside me est l'adaptation d'un roman noir de Jim Thompson.
Se déroulant dans les années 50, le film dresse le portrait d'un homme particulièrement dérangé, symbole d'une société américaine plus en difficulté que ce que l'on pense.
Tout fait penser aux années 50 : les voitures, les habits des personnages, le style des maisons.
On se trouve dans une petite ville, Central city, dans l'ouest du Texas.
Dès le début du film, on voit que le passé de l'assistant du shérif, Lou Ford (impeccable Casey Affleck, dont le nom est sans nul doute un clin d'oeil à son rôle dans l'excellent film L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford) est lourd. D'ailleurs, on voit qu'il s'agit d'un être particulièrement dangereux prêt à éliminer toutes les personnes qui se dressent sur son chemin. Le film est d'autant plus prenant qu'il adopte dans l'ensemble le point de vue de Lou Ford. La scène où Casey Affleck, dans le rôle de Lou Ford, tue sa copine Joyce Lakeland (Jessica Alba) est forte car celui-ci n'y va pas de main morte et Winterbottom filme la scène dans la longueur, qui finit par devenir malaisante pour le spectateur.

Sans conteste, Casey Affleck joue à merveille le rôle d'un serial-killer particulièrement marquant. Agissant tel un métronome, il tue froidement et n'a aucun remords. D'ailleurs, c'est lui qui déclare vers la fin du film : « On ne peut plus faire de mal aux morts ». Les scènes de meurtre où l'on assiste à une violence sèche, déchaînée d'un coup, sont marquantes. Lou Ford tue n'importe qui, et même les femmes qui l'aiment ne sont pour lui que des objets sexuels. C'est un malade qui ne prend plaisir que dans des rapports sado-masochistes. Même lorsque plusieurs personnes (à l'instar de celui joué par Elias Koteas en tant que représentant du syndicat) comprennent que c'est lui le responsable et qu'il est interrogé, Ford reste imperturbable. Bien qu'arrêté en prison, il est placé en asile puis libéré.
Le final de The killer inside me, particulièrement noir, où les morts sont légion, rappelle particulièrement le final de To live and die in L.A. avec un côté de jugement dernier.
Le film est également rendu intéressant par l'ambiance très particulière qui se dégage de cette ville où manifestement la corruption est monnaie courante. Cela donne une ambiance encore plus délétère à ce film.
En synthèse, Michael Winterbottom a réussi avec ce film à retranscrire parfaitement l'ambiance des années 50, en y ajoutant une ambiance très films noirs mais où cette fois il n'y a pas de femmes fatales mais plutôt des femmes au destin fatal. Le rôle joué par Casey Affleck est impressionnant et fait de lui un des serial-killer les plus marquants du cinéma. Voilà donc sans conteste un film à voir.

Titre du film : Le bruit des glaçons
Réalisateur : Bertrand Blier
Durée du film : 1h27

Date de sortie du film en salles : 25 août 2010
Avec : Jean Dupardin (Charles), Albert Dupontel (le cancer de Charles), Anne Alvaro (Louisa), Myriam Boyer (le cancer de Louisa), etc.

Par Nicofeel

Auteur de plusieurs films de très bonne facture (Préparez vos mouchoirs, Buffet froid, Beau-père, Notre histoire, Trop belle pour toi) , Bertrand Blier est depuis un petit moment rentré dans le rang avec des films pas vraiment marquants (Les côtelettes, Combien tu m'aimes ?).
Le bruit des laçons, son nouveau film, est-il dans ces conditions un bon cru ? Assurément oui. Dans un genre qu'il affectionne, à savoir le film noir, Alain Corneau nous revient en très grande forme. Les raisons de satisfaction sont multiples.
D'abord, et surtout, c'est le ton abordé dans le film qui étonne mais surprend agréablement. Pourtant, au départ c'était loin d'être gagné. En effet, Bertrand Blier prend le pari risqué d'évoquer de manière décalé la survenance d'un cancer chez un être humain. De façon quasi surréaliste, le cinéaste français décide de concrétiser la rencontre entre un écrivain qui a obtenu le Goncourt mais est actuellement à la dérive avec son cancer. Jean Dujardin prend les traits de Charles, cet écrivain alcoolique qui a vu sa femme le quitter. Quant à Albert Dupontel il est le cancer de Charles. A la manière de son film Buffet froid, Bertrand Blier nous concocte ici de savoureux dialogues entre Charles et son cancer. Bien évidemment, rares sont les humains qui peuvent voir le fameux cancer.
Le cancer s'invite très tranquillement chez Charles, il se fait payer à manger et à boire, il couche avec lui et il lui fait continuellement la discussion. Bref, il ne le lâche pas, à l'instar de cette terrible maladie dont souffrent de nombreuses personnes. Les dialogues entre Charles et son cancer sont tout bonnement hilarants, même si parfois les dialogues ne volent pas toujours haut, avec parfois des considérations autour du sexe ou encore autour de l'alcool.

Le film n'en reste pas moins sérieux dans son fond en montrant un homme complètement à la dérive qui n'est plus capable d'écrire et qui vu sa famille le quitter. Il ne conserve dans sa superbe propriété que son amante, une jeune femme russe, et sa servante. Bref, c'est un être seul, à l'image de notre société contemporaine où l'on est entré dans une ère où les gens sont de plus en plus isolés. Dans ce lieu, Charles n'a qu'un seul objectif : boire, boire et encore boire. C'est la raison pour laquelle il ne quitte jamais son seau à glace qui est toujours auprès de lui avec une bouteille à l'intérieur et des glaçons. D'ailleurs, cela explique aisément le titre du film.
Au-delà d'une verve cynique évidente, Bertrand Blier dresse tout de même le portrait d'un homme en train de mourir à petit feu, incapable de se séparer de sa bouteille, même lorsqu'il sait que sa fin est proche, puisque son cancer est présent.
Le film vaut également par sa capacité à montrer que le cancer est une maladie injuste qui touche tout le monde, aussi bien riches que pauvres que personnes en bonne santé ou malades. Ainsi, la servante de Charles, la très sérieuse Louisa (Anne Alvaro) est aussi atteinte d'un cancer. L'intrigue est d'ailleurs renouvelée par cette nouvelle et par l'arrivée du cancer de Louisa (Myriam Boyer).
Le film pose aussi le postulat du rapport maître-serviteur qui tend à s'estomper avec cette maladie qui touche tout le monde. C'est ainsi que le film sous-tend clairement une relation entre Charles et Louisa qui va forcément finir par arriver.
On appréciera au passage que le cinéaste conserve malgré toute la pesanteur de la thématique un certain optimisme en signalant à sa façon que le cancer peut être combattu et même battu si l'amour entre deux personnes est fort. A cet égard, on appréciera particulièrement le retournement de l'intrigue qui voit Charles et Louisa feinter le cancer. Cette idée peut d'une certaine façon faire écho au septième sceau de Bergman avec cette partie d'échecs entre l'Homme et la Mort.
La réussite certaine du film ne serait rien sans l'excellente interprétation de son quatuor d'acteurs principaux, avec Jean Dujardin, Albert Dupontel, Anne Alvaro et Myriam Boyer. Sans nul doute, c'est notamment le meilleur film d'un Jean Dupardin formidable en véritable épave humaine et un film épatant pour un Albert Dupontel lui aussi parfait dans le rôle du cancer, qui se révèle d'un incroyable cynisme.
Le film est rehaussé par une excellente BO où l'on a droit à quelques morceaux bien vus, qui évoquent l'amour entre Charles et Louisa. Le morceau A thousant kisses deep de Léonard Cohen apporte une véritable émotion, ce que procure également la version de Ne me quitte pas de Nina Simone lors du générique de fin.
En somme, voilà un film qui cumule les qualité et mérite amplement d'être vu.

par Nicore

Nous venant de Malaisie, ce Histeria va pimenter les standards du "slasher" occidental (ici surnaturel) par quelques connotations locales pour un résultat certes calibré mais néanmoins régulièrement sanglant, prenant et dont les effets de surprise feront souvent mouche.
Le script va enfermer quelques lycéennes dans leur école pour une punition pendant les vacances scolaires suite à une mauvaise blague qu'elles ont fait en invoquant un démon pour ensuite se moquer de leur entourage, mais elles vont vite se rendre compte que l'esprit invoqué à pris force et se met à les décimer une par une.

Dans sa séquence introductive réussie, le métrage va avancer son personnage principal, Murni, une demoiselle que nous découvrirons ensanglantée et sortant d'un bâtiment pour rapidement être recueillie et interné. C'est donc dans cet hôpital que la police va venir tenter d'en savoir plus sur les meurtres de trois de amies de Murni tandis que d'autres ont disparu.
Le médecin pensera que Murni a occulté de son esprit les crimes tout en la croyant coupable et ce sera au cours d'un interrogatoire que le métrage va réellement lancer son action pour un long flash-back qui occupera presque l'intégralité de l'intrigue.

En effet, nous allons découvrir Murni, accompagnée par cinq de ses amies lycéennes avec qui elle forme une petite confrérie appelée "Pink Ladies", s'en allant dans les bois auprès d'une énorme fourmilière afin d'y réciter une incantation démoniaque qui après plusieurs tentatives infructueuses de la part des jeunes filles présentes sera finalement lues par Murni, sans qu'il ne se passe rien ensuite jusqu'à ce que l'une d'elles se mette à hurler. Ramenée à l'école, celle-ci sera vite considérée comme possédée et une guérisseur local viendra tenter de l'exorciser jusqu'à ce que la "possédée" se mette à éclater de rire, révélant alors la mauvaise blague faite à tout le monde, y compris au spectateur, plus ou moins berné par les événements. Après une délibération du corps enseignant qui nous permettra d'en apprendre un peu plus sur le contexte social dans lequel évolue les jeunes filles, elles seront punies à devoir rester au lycée pendant les trois premiers jours des vacances scolaires afin de nettoyer les classes. C'est ainsi que lé métrage va alors pouvoir lancer une véritable présentation des personnages, axée sur ces six jeunes filles en pleine puberté et connaissant leurs premiers émois avec des petits copains à qui elles téléphonent plus que de raison (mais les portables seront vite confisqués), mais aussi entre elles puisque l'une d'elles s'avérera être lesbienne, tandis qu'une autre aura des vues sur le pion censé les encadrer pendant ces journées de corvée également surveillées par une autre élève qu'elles ne connaissaient pas, Zeta.

Cette présentation sera légères mais commencera déjà à placer ici ou là des éléments intrigants, comme ces plans en caméra subjective qui laisseront à penser que quelque chose ou quelqu'un espionne les demoiselles, tandis que l'une d'elles suivra la jardinier muet pour déterrer un mystérieux petit paquet aux allures religieux, quand le métrage ne s'égarera pas dans des légendes urbaines que vont se raconter pour se faire peur les "Pink Ladies" afin notamment de jouer un mauvais tour brillamment mis en scène à la pauvre Zeta qui finira morte de peur dans un laboratoire, pour ensuite laisser les choses sérieuses commencer réellement, alors que Murni commencera à avoir des cauchemars graphiques et troublants. Effectivement, l'intrigue ne tardera pas alors à faire une première victime, surprenant en même temps le spectateur par un effet certes facile mais bien agencé qui débouchera sur une première scène gore assez volontaire, bientôt suivi d'une seconde, mais contrairement à ce que l'on pouvait s'attendre le mystérieux agresseur ne va pas trucider les demoiselles une par une sans qu'elles ne se doutent de quelque chose puisqu'elles vont rapidement découvrir les corps des premières victimes pour alors tenter de fuir cette école dans laquelle elles seront enfermées.

Le métrage va également placer quelques personnages annexes (mais jouant quand même un rôle dans l'intrigue) qui formeront autant de victimes potentielles afin de venir grossir le nombre de séquences de mises à mort sanglantes (même si le hors champ sera souvent de mise pour ne nous faire apprécier que le résultat des atrocités commises) et n'hésitera pas à mettre en avant ce démon bien avant le final, avançant au grand jour (enfin, en pleien nuit !) une créature au look pas forcément très crédible mais quand même bien graphique avec ces dents pointues proéminentes.

Connaissant dès l'introduction l'identité de la rescapée, le spectateur vivra cette succession de meurtres sanglants sans connaître de réelles surprises, même si le réalisateur s'amusera avec de fausses alertes faciles et biens vite enrayées par l'arrivée du monstre, jusqu'à ce retour au présent qui va clore le métrage sur une note fantastique attendue mais qui ne fournira pas de réponse définitive, obligeant le spectateur à choisir entre les deux versions proposées pour expliciter ces crimes. Le métrage va par ailleurs alimenter et enrichir ses situations avec quelques thèmes motivants comme la jalousie, le lesbianisme d'e l'une des jeunes filles qui va la rendre différente et peut-être à rajouter sur la liste des suspects "humains" sans pour autant que l'intrigue fournisse une quelconque accréditation à ces pistes guère travaillées lors de l'épilogue en laissant même un doute sur l'identité des corps retrouvés par rapport à ceux manquants, pour une fin définitivement ouverte en dépit de la note d'intention du réalisateur.

Les personnages seront travaillés de manière à rendre cette Murni plutôt attachante mais ses amies demeureront stéréotypées pour représenter une jeunesse typique, et ainsi favoriser l'empathie du public adolescent. L'interprétation est convaincante, portée par de jeunes actrices naturelles mais ayant juste parfois du mal à communiquer leurs peurs de manière véritablement impactante. La mise en scène du réalisateur est efficace pour créer une ambiance d'attente tendue et réussira même à gérer ses effets de surprise de façon à les rendre percutants. Les effets spéciaux sont probants pour visualiser le résultat gore détaillé des meurtres tout en n'hésitant à faire éclabousser le sang, tandis que la créature du film pourra quand même décevoir par sa visualisation heureusement assez rapide mais manquant de finition et à l'originalité limitée à ces dents exhibées.

Donc, ce Histeria se suivra facilement et avec intérêt, les touches locales amenant un petit "plus" non négligeable à cette intrigue codifiée mais pour autant captivante et à l'aspect graphique volontaire !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur l'édition DVD française proposée par Emylia, une présentation est disponible ici !

Titre du film d'animation : Karas
Réalisateur : Keiichi Satou
Durée du film d'animation : 2h45
Date de sortie du film en salles : 23 septembre 2010

Par Nicofeel

Inédit au cinéma en France, la série Karas a été projetée dans plusieurs salles de l'hexagone en ce 23 septembre, à l'initiative du groupe CGR.
Il a donc été particulièrement appréciable de pouvoir regarder au cinéma l'intégralité de Karas, qui est à l'origine composé de 6 OAV (vidéo d'animation originale). Tout est enchaîné en plus de 2h30, sans qu'aucune pause ne soit proposée au spectateur. Pour ce faire, les génériques de début et de fin de chacun des épisodes avaient été retirés.
Tout cela est bien beau mais de quoi parle Karas au juste ? On apprend que des monstres, sortis d'on ne sait où, tuent des gens parmi la population terrestre depuis maintenant 3 ans. C'est à chaque fois le même mode opératoire qui est utilisé : toutes les victimes sont vidées de leur sang et on compte un survivant, qui ne voit cependant pas le visage du tueur, qui est là pour témoigner. Une section montre au sein de la police est montée pour l'occasion mais l'enquête n'avance guère. Un des principaux personnages de ce film d'animation, un jeune policier, est dépêché sur le lieu où se déroulent les événements pour travailler de concert avec un vieil inspecteur. Raconté de la sorte, l'intrigue a l'air passionnante. Eh bien malheureusement cela n'est pas le cas. Karas finit rapidement par tourner en rond. En effet, la majeure partie des épisodes consiste à assister aux combats d'un chevalier (notre fameux Karas), censé protéger la ville (même s'il casse un peu tout sur son passage !), ou à tout le moins sauver la population, contre des monstres aux formes très diverses. Si l'animation se révèle plutôt dynamique, il n'empêche que de tels combats, qui deviennent le coeur de l'intrigue, finissent sérieusement par lasser.
A fortiori, le spectateur n'a pas l'occasion de se raccrocher à grand chose, hormis ces combats. En effet, les 6 OAV partent un peu dans tous les sens. Entre des flashbacks peu clairs et une multitude de personnages qui apparaisse sans que l'on en sache plus sur leur implication dans cette histoire, on s'y perd quelque peu. D'autant que l'on met du temps à comprendre les tenants et aboutissants d'un scénario pour le moins confus.
On se raccroche in fine à ce que l'on comprend, à savoir ces combats qui opposent sans grande finesse le bien contre le mal. Tout cela apparaît assez simpliste et caricatural. Les combats sont d'autant plus fatigants qu'ils sont redondants, attendus et qu'ils souffrent d'une animation qui manque d'homogénéité. Car les différences sont notables entre une animation dite classique et une animation en 3 D.
Cependant, ne soyons pas trop dur, Karas est loin d'être une daube. D'abord, le chara-design, bien réaliste est tout à fait réussi et est plaisant à regarder.
Et puis si les combats ne sont pas toujours vraiment top, au moins on assiste à quelques scènes bien graphiques qui feront plaisir aux amateurs du genre horrifique. On a comme exemple de scène très réussie celle où une femme araignée commet un meurtre. Et puis si l'intrigue n'est pas très complexe, elle nous offre une petite réflexion sur le devenir de l'humanité. On est loin des idées véhiculées dans un Evangelion ou un Escaflowne mais ce n'est déjà pas si mal.
Comme si les défauts intrinsèques de ce film d'animation ne suffisaient pas, il faut remarquer que la langue utilisée est celle du français. On a ainsi des titres et des lieux qui sont indiqués, mais sont sans titre, avec seulement des idéogrammes japonais. Cela rend le film d'animation encore plus brouillon et illisible.
Et puis lorsque les personnages parlent, et notamment les gamins, cela donne lieu à des voix très aiguës qui ont tendance à percer les tympans.
Au final, que penser de Karas ? C'est un film d'animation bien portée vers l'action. Ce genre de film est assez courant ne se démarque pas de la production courante, ce qui fait qu'on l'oublie assez vite.

par Nicore

Profitant de la présence du toujours excellent William H. Macy et de Meg Ryan, ce Le deal va nous livrer une satire douce-amère sur Hollywood et le monde du cinéma en général à partir d'une intrigue simple mais souvent jouissive dans sa critique débridée du système hollywoodien tout en mettant en avant de manière délicieuse la rencontre entre deux êtres que tout oppose.
Le script va laisser un producteur sarcastique au bord du suicide retrouver goût à la vie en montant une escroquerie visant à faire croire qu'il détient un scénario rêvé pour une star du film d'action déjà impliquée dans ce film jusque-là fantôme et va réussir monter son projet malgré la présence d'une embarrassante et suspicieuse attachée du studio dont il va s'éprendre.

Dans son introduction, le métrage va nous présenter son personnage principal, Charlie Berns, un obscur producteur au bord du suicide en tentant de s'asphyxier dans sa maison avec les gaz d'échappement de sa voiture, gaz qu'il s'est arrangé de manière improbable à faire rentrer dans son salon, pour être stoppé par l'arrivée imprévue de son neveu, Lionel, celui-ci venant lui remettre un scénario écrit de ses mains et traitant d'un obscur parlementaire juif britannique du 19ème siècle, Benjamin Disraeli. Charlie va alors avoir une idée folle et va réussir à créer un buzz autour d'un soi-disant film inspiré de la vie de ce Disraeli qui serait joué par une star du cinéma d'action récemment reconvertie au judaïsme, Bobby Mason. Pour ce faire, il va passer plusieurs coups de téléphone, rencontrer un rabbin pour l'associer au projet, tout cela entraînant des bruits de couloir qui ne vont pas manquer d'intéresser les studios.

Cette entame du film avancera un personnage principal rustre et fourbe qui va sembler prendre bien du plaisir à se moqueur du monde pour ainsi réussir à attirer l'attention d'un grand studio au travers de la rigide Deidre Hearn qui va donc rencontrer Charlie afin d'en savoir plus sur ce projet tout en sentant le coup fourré, mais finalement sous les pressions, ce seront 100 millions de dollars qui seront débloqués pour le film, l'acteur engagé et Charlie chargé de la production en compagnie de Deidre qu'il va s'efforcer de séduire. La première partie du film sera jalonnée de passages ahurissants devant la grossièreté sous-jacente de Charlie et de ses manières peu élégantes pour tenter de charmer cette Deidre issue d'un autre monde que le sien et qui sera bien obligée de collaborer avec lui.

Nous découvrirons également les ruses souriantes de ce Charlie pour faire avancer son projet ainsi que les énormités du système hollywoodien, symbolisée par cette secrétaire engagée pour servir Charlie sans avoir rien à faire, et l'intrigue va s'accorder un humour léger et divertissant qui accompagnera chaque situation par des petites touches discrètes et souvent amusantes. La suite va laisser les affres d'un tournage en Afrique du Sud venir frapper Charlie et son équipe, nous faisant par exemple découvrir ce réalisateur hilarant ou encore cette star du cinéma d'action quand même stupide et ne comprenant pas forcément grand-chose au judaïsme auquel il s'est converti, pour ainsi enfoncer le clou dans cette satire sur le monde du cinéma de manière volontaire et croustillante.

Mais au-delà de cet aspect du film, la relation d'abord conflictuelle entre Deidre et Charlie sera elle aussi largement mise en avant pour laisser peu à peu une entente complice s'installer, Charlie réussissant même à presque coucher avec Deidre pour amorcer ainsi une relation amoureuse compliquée (Deidre n'est-elle pas fiancée sur la point de se marier ?) qui va venir pimenter l'action et donner une consistance réelle au métrage, surtout dans sa seconde partie où les protagonistes vont devoir abandonner le tournage de leur film d'action juive pour revenir au projet initial de Lionel suite à un événement inattendu, second tournage plus conforme à certaines attentes et qui va achever de lier les deux personnages principaux, même si Deidre sera toujours en relation avec son fiancé.

L'intrigue réussira à captiver et à garder l'attention du spectateur sur la durée, avec des situations régulièrement surprenantes ou même chargée d'un petit suspense anticipant les déboires à venir, tout en privilégiant l'humour, mais ce sera assurément la personnalité des deux protagonistes principaux qui va faire la différence et rendre l'ensemble savoureux. En effet, ce Charlie aura bien plus d'un tour dans son sac pour aussi bien assurer ses arrières en toutes circonstances que pour tirer profit des situations et s'arranger pour que ses interlocuteurs se rangent à son avis, ce qui nous vaudra quelques belles et percutantes séquences de dialogues le mettant en scène quand il ne va pas oser aller au fond des choses pour avancer et essayer de conquérir puis de garder Deidre, celle-ci apprenant à apprécier et à aimer le style si spécial de son nouvel ami.

Mais ces deux personnages principaux ne seront pas les seuls à être souriants et impactant puisque autour d'eux vont graviter toute une série de seconds rôles également souriants et hauts en couleurs, entre ce réalisateur de typer rital, ce comédien ayant bien du mal avec ses textes, cette star excentrique et portée sur le merchandising ou encore cette actrice débutante ayant bien du mal à tourner une scène d'action, créant de fait un environnement attachant pour Charlie et Deidre qui eux-mêmes n'auront pas de mal à s'attirer la sympathie du spectateur, notamment grâce à une interprétation tout simplement remarquable.

En effet, William H. Macy va exulter dans le rôle de Charlie et jouer de son physique pour accentuer les effets de l'intrigue avec tout son talent habituel, tandis que Meg Ryan sera également convaincante et touchante pour jouer cette Deidre coincée entre deux hommes venant d'un univers complètement différent, tout en commençant à apprécier la personnalité de Charlie. Mais le métrage nous permettra aussi de retrouver avec plaisir Elliott Gould ou encore LL Cool J dans un rôle taillé sur mesure. La mise en scène du réalisateur sera efficace pour bien s'intéresser aux personnages, pour même réussir à donner une réelle ampleur à certains temps forts du film.

Donc, ce Le deal arrivera sans mal à divertir et à amuser tout en se moquant gentiment d'un système hollywoodien qui en prendra pour son grade avec ironie et un humour qui fera la plupart du temps mouche !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur les éditions DVD et Blu-ray françaises éditées par Emylia, une présentation est disponible ici !

par Nicore

Satire souriante sur le monde du cinéma et sur le système hollywoodien, ce Le deal va bénéficier de la présence de l’excellent William H. Macy et de Meg Ryan pour donner de l’ampleur à cette intrigue riche en rebondissements pour un métrage arrivant chez nous directement en vidéo sous l’égide de l’éditeur Emylia pour une nouvelle édition "Premium" après Nobel son et disponible en DVD et en Blu-ray depuis le 21 septembre.

Le script va suivre les déboires de Charlie Berns, producteur peu scrupuleux, qui, pour survivre dans l'univers sans pitié du 7ème art, doit copieusement user de son charme pour séduire la responsable de studio Deidre Hearn afin de financer son nouveau film d’action. Pourtant, une fois ce dessein atteint et les fonds débloqués, tout va de travers et le tournage vire à la catastrophe. Un plan bis germe alors en toute clandestinité.

Le métrage sa s'assurer un aspect humoristique omniprésent par ces touches d'humour discrètes ou volontairement énormes liées au caractère rustre et caustique de son personnage principal haut en couleurs et prêt à tout pour arriver à ses fins, et notamment séduire cette attachée de studio rigide, mais l'intrigue va aussi s'arranger pour se gausser gentiment de ce système hollywoodien avec de nombreuses situations amusantes où l'ironie ne sera jamais loin quand il s'agira de démystifier certains principes ou de mettre en avant les basses du milieu. Mais bien axé également sur cette relation impossible entre ses deux personnages principaux issus de milieux complètement différents, le film va aussi se réserver des passages plus mélancoliques, doux-amers et qui sauront parfaitement utiliser tout le talent de William H. Macy et de Meg Ryan, les deux interprètes donnant encore plsud e relief à l'ensemble.

Le DVD édité par Emylia proposera une image en 1.85 (16/9 anamorphique), tandis que la bande-son sera disponible en français en DD5.1 et en anglais sous-titré en français en DD5.1 mais aussi en DTS. Au niveau des bonus, on pourra suivre un sympathique making-of hélas non sous-titré proposant des interviews des membres de l'équipe du film.
L'édition Blu-ray du film avancera l'image également en 1.85 (AVC 1080p/24) pour une bande-son en français et en anglais sous-titré en DTS-HD5.1, pour bien entendu reprendre le même bonus.

Donc, depuis le 21 septembre, nous pouvons grâce à Emylia découvrir en DVD ou en Blu-ray cette comédie souriante et savoureuse avec sa satire ironique et croustillante sur le monde du cinéma et plus particulièrement le système hollywoodien !

A noter qu'Amazon propose cette nouveauté avec une réduction substantielle pendant encore quelques jours !

Le deal


Amazon à 8.6€
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par Nicore

Nous venant de Suède, ce The cellar va miser sur une ambiance sombre et atmosphérique pour aligner un script certes très basique mais qui fera mouche en imposant de nombreux passages tendus laissant même sporadiquement le malaise s'installer, sans pour autant avoir recours au gore ou aux effets spéciaux chocs, pour préférer amener l'imagination du spectateur à travailler en cherchant à percer les mystères entourant cette maison au sous-sol pour le moins étrange.
Le script va conduire quatre étudiants en art dans une maison reculée qu'ils ont loué afin de fignoler leurs œuvres mais rapidement l'endroit va se révéler être comme hanté par une présence épiant le petit groupe.

Dans son introduction, qui va déjà nous servir une première fausse alerte facile, le métrage va nous présenter Stefan, un jeune homme réveillé par sa mère afin qu'il ne rate pas le rendez-vous fixé avec ses amis pour aller passer quelques temps hors de chez eux, laissant Stefan demander plus d'argent à sa mère afin de ne pas encore être obligé d'emprunter à ses compagnons. Ensuite, les trois autres personnages principaux seront avancés pour une mise en avant naturelle et définitivement éloignée des stéréotypes du genre (avec notamment cette absence d'humour potache), pour ainsi nous présenter Jessica, son petit ami Marcus et Jonas, les quatre protagonistes prenant alors la route vers leur destination, un chalet isolé en montagne.

Le trajet sera vite expédié et Jessica ira récupérer les clés de leur location auprès d'une vieille dame étrange qui va ricaner en lui remettant l'unique clé nécessaire, laissant alors le métrage s'installer sur la durée dans cette maison aux faux airs d'"Amityville" (la cheminée en moins !), pour tout de suite essayer avec un certain succès de faire monter la pression puisque Jonas verra une ombre bouger derrière les rideaux du premier étage. L'installation sera rapide, toujours émaillée de situations troubles et qui vont parfois jouer sur une photographie sombre pour installer le malaise en imposant des zones d'ombre pouvant cacher n'importe quoi, surtout dans cette cave qui sera visitée pour une nouvelle fausse alerte bien choisie, tandis qu'ensuite les jeunes vont se restaurer en se racontant des histoires terrifiantes, ce qui nous vaudra un flash-back percutant.

Mais très vite, des événements étranges vont se produire, Stefan verra la porte des toilettes dans lesquelles il s'était enfermé vibrer et être secouée brutalement, Jessica fera un rêve éveillé étrange au cours du jeune homme va lui montrer un mur du sous-sol, et Jonas, ayant déjà eu des soucis psychiatrique, adoptera un comportement bizarre et reclus. La découverte d'une porte dans le mur, juste à l'endroit indiqué par la vision de Jessica va pousser Stefan et Marcus à aller inspecter cet autre sous-sol suffocant et comportant de multiples salles aussi vides qu'étouffantes, laissant le spectateur s'imaginer les choses horribles qui s'y sont certainement déroulées, cet ensemble de pièces faisant penser à un hôpital psychiatrique souterrain. Le métrage va continuer à jouer sur cette ambiance édifiante et trouble pour accumuler les séquences tendues et effrayantes, avec des apparitions "spectrales" indistinctes mais qui feront mouche jusqu'à ce tournant qui laissera seul Stefan quitter les lieux, invitant alors un dernier acte inattendu où un autre personnage va retourner sur place et affronter nos peurs.

L'intrigue va énormément se servir du doute semé dans l'esprit du spectateur pour réussir son coup et installer cette atmosphère étrange et propice à toutes les peurs, avec des éléments diffus mais omniprésents qui vont venir titiller comme lorsque Stefan se rendra dans une épicerie pour s'entendre dire de la part du tenancier d'aucune maison se dresse dans le coin où ils ont élu domicile, tandis que l'attitude de Jonas en ferait bien un "possédé" et que la présence de dessins explicitant peut-être quelque peu certains aspects de l'histoire vont enfoncer le clou pour laisser ce dernier acte venir approfondir l'intrigue, mais sans pour autant nous donner les clefs, ce qui obligera chacun à se forger sa propre opinion tout en devant façonner un passé à cet endroit maléfique.

Heureusement d'ailleurs que le métrage ne tentera pas d'expliciter tous ses aspects, car à la vue du petit budget alloué au film, cela aurait certainement débouché sur des scènes à effets spéciaux limités et aurait détruit l'aura entourant cette maison au sous-sol aussi labyrinthique que suffocant et étrangement malsain. Alors bien sûr, on pourra aisément critiquer ces fausses alertes faciles et plutôt répétées, mais cela viendra confiner l'ambiance diffuse du métrage, tout en jouant efficacement avec nos nerfs puisque même lorsque ces fausses alertes seront démenties, quelque chose d'inexpliqué va rester, continuant de fait à semer le trouble et le doute dans l'esprit du spectateur, voir même en augmentant le malaise précédemment installé.

Les personnages seront bien travaillés pour ainsi agir avec un naturel qui va favoriser une certaine empathie obligatoire pour rentrer dans l'intrigue et épouser ses rebondissements et l'interprétation sera adaptée et elle aussi compétente pour laisser une crédibilité totale s'installer, grandement aidée par cette absence d'humour. La mise en scène des deux jeunes réalisateurs est convaincante, surfant quand même sur la vague lancée par Le projet Blair Witch dont l'ombre planera sur l'ensemble du film, mais ce sera pour réussir régulièrement ses effets de surprise et de "trouille" simple mais d'autant plus efficaces. Les rares effets spéciaux sont probants pour quelques plans vaguement sanglants.

Donc, ce The cellar s'avérera être une découverte intéressante qui arrivera à surclasser son petit budget pour installer une atmosphère étrange et sinistre, très sérieuse, pour se servir d'une intrigue quand même limitée afin de troubler et de créer le malaise chez son spectateur oscillant entre les flous malsains laissés à l'appréciation de chacun !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur l'édition DVD française propsoée par Emylia, une présentation est disponible ici !

par Nicore

Malaisien de son état, ce Histeria va s’approprier les standards du "slasher" occidental pour l’agrémenter de touches locales avec notamment cet élément surnaturel qui viendra impacter le métrage et ce sera directement en DVD que nous allons pouvoir découvrir le film qui sortira le 21 septembre prochain grâce à l'éditeur Emylia, toujours là pour nous trouver des inédits intéressants.

Le script va accompagner Murni, la seule survivante d’un groupe de jeunes filles pensionnaires qui se nomme les "Pink Ladies". Elles ont été sauvagement assassinées dans leur lycée privé et la police soupçonne Murni être responsable du crime à la suite d’une crise d’hystérie. Interrogée par son médecin et un policier, elle raconte comment deux jours auparavant, à la suite de ce qu’elles croyaient être un simple jeu, elles ont fait appel à un démon qui les a massacrées…

Bien que calibré par des personnages et des situations issues du "slasher", ici pimenté par un élément surnaturel dont nous ne saurons pas s'il est effectif ou issu de l'imagination de l'héroïne, le métrage va réussir à surprendre régulièrement avec des effets de surprise réussis, tandis que le gore va s'inviter lors des meurtres, non pas pour visualiser ceux-ci, souvent en hors-champ mais pour nous laisser découvrir le résultat macabre des exactions de ce démon invoqué par cette petite confrérie estudiantine enfermée dans un lycée pendant les vacances scolaires en punition suite à une mauvaise blague. L'intrigue va également jouer sur le doute quant à la véracité de l'existence de ce démon pour développer d'autres thèmes parfois troublants (comme le lesbianisme adolescent) sans pour autant oublier l'essentiel avec cette tension installée dans la seconde partie du film et qui ne faiblira pas jusqu'au final ouvert à toutes les suppositions pour de fait obliger le spectateur à prendre partie pour l"une ou l'autre des versions des faits exposées.

Le DVD édité par Emylia avancera une image en 1.78 (16/9 anamorphique), tandis que la bande-son sera disponible en malaisien sous-titré en français DD2.0 et en DTS2.0, avec comme seul bonus le clip musical du thème principal du film.

Donc, c’est à partir du 21 septembre que nous allons pouvoir découvrir cette œuvre malaisienne prenante et assez saignante adaptant le "slasher" à la sauce locale !

Histeria


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par Nicore

Nous arrivant de Suède, ce The cellar va développer une atmosphère trouble et sinistre, propice à toutes les peurs pour développer une intrigue misant aussi bien sur ses situations tendues et effrayantes, sans pour autant avoir recours aux effets spéciaux chocs, qu'en faisant travailler l'imagination de son spectateur avec ces zones d'ombre malsaines quant au passé de cet endroit maléfique. Bien évidemment inédit chez nous jusqu'à présent, c'est grâce à l'éditeur Emylia que nous allons pouvoir nous plonger dans l'ambiance lugubre de ce film intriguant avec cette édition DVD à sortir le 21 septembre prochain.

Le script va suivre quatre étudiants en art ayant loué un pavillon d’été au coeur de la forêt pour un week-end afin de finaliser dans le calme leurs derniers projets artistiques. Leur séjour devient de plus en plus pénible lorsqu’ils se mettent à avoir des visions étranges. La maison serait-elle hantée ou leur esprit leur jouerait-il des tours ?

Sans traîner, le métrage va s'installer dans cette maison sinistre dont le sous-sol labyrinthique renfermera une présence maléfique diffuse et jamais explicitée pour ainsi multiplier les séquences fortes et porteuses d'une tension réelle et suffocante, obligeant donc le spectateur à puiser dans son imagination pour modeler un passé à cet endroit étrange dont l'emprise va se resserrer de plus en plus sur les protagonistes bénéficiant d'une empathie avérée avec leur naturel débarrassé de tout humour potache, pour même enfoncer le clou lors d'un flash-back annexe percutant et lors d'un dernier acte aux effets de "trouille" probants et incisifs.

Le DVD édité par Emylia avancera une image en 1.78 (16/9 anamorphique), pour une bande-son en suédois sous-titré en français en DD5.1 et en DTS. Hélas, le métrage ne sera pas accompagné de bonus pour prolonger l'expérience du film.

Donc, il ne reste plus qu'à patienter jusqu'au 21 septembre pour pouvoir se plonger dans cette œuvre étrange et efficace dans sa volonté d'installer une ambiance sinistre et suffocante !

The cellar


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Titre du film : The eclipse
Réalisateur : Conor McPherson
Durée du film : 87 minutes
Date de sortie du film : prochainement (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Ciaran Hinds (Michael Farr), Iben Hjejle (Lena Morelle), Aidan Quinn (Nicholas Holden), etc.

Par Nicofeel

Film irlandais réalisé en 2009 par Conor McPherson, The eclipse a obtenu le Méliès d'argent au dernier festival de Sitges. Si le film est présenté dans plusieurs festivals de films fantastiques, il faut bien reconnaître que The eclipse traite avant tout de thématiques tout à fait ancrées dans la réalité.
L'élément fantastique n'est finalement qu'assez peu présent et ce n'est pas ce qui justifie le ressort dramatique du film.
Ce long métrage nous introduit dans le quotidien de Michael Farr, un père de famille qui vit avec son petit garçon de 14 ans, Thomas, et sa petite fille de 11 ans, Sarah. Ayant perdu sa femme atteinte de maladie il y a 2 ans, il a du mal à se remettre du décès de celle-ci. Concrètement, comme beaucoup d'autres personnes dans son cas, il n'arrive pas à faire le deuil. Et c'est ce qui explique qu'il fait de nombreux cauchemars dont certains ont lieu en pleine journée : il voit ainsi un fantôme en roulant en voiture ce qui lui cause un accident ; à un autre moment il croise le même fantôme en ouvrant un des placards de sa maison.
La vie de Michael Farr va être amené à fortement évoluer lorsqu'il rencontre la belle Lena Morel, romancière à succès, auteur de The eclipse, qui traite notamment des fantômes. On peut voir dans ce roman qui est évoqué dans le film une véritable métaphore de la vie et a fortiori de nos personnages principaux, Michael Farr et Lena Morelle.
Chacun doit en finir avec les fantômes de son passé et penser à vivre une nouvelle vie. Très joliment filmé, de manière classique et sans aucune esbroufe visuelle, The eclipse est un film qui est tout en douceur, à la manière des quelques notes de piano qui constituent sa bande son.
Les acteurs sont excellents, à commencer par Ciaran Hinds (vu dans un registre totalement différent dans le film Life durant wartime de Todd Solondz) qui est tout en finesse dans son rôle d'homme amoureux. L'actrice qui joue Lena Morelle est également excellente, étant capable tout à la fois de montrer sa déception envers le genre masculin que de se révéler très amoureuse (la fin du film étant sur ce point on ne peut plus claire).
Très fin dans son approche des relations humaines, The eclipse est avant tout une très belle histoire d'amour entre deux personnes, Michael Farr et Lena Morelle, qui vont être amenées à se fréquenter pendant de nombreuses journées, se lier d'amitié avant de franchir le cap et de passer au stade de l'amour. C'est alors que les fantômes de tout un chacun vont disparaître. La fin, qui ne fait nullement dans la surenchère, est tout à la fait plaisante et se termine de manière très optimiste.
Très beau drame romantique mâtiné de fantastique, The eclipse aurait sans nul doute mérité d'obtenir un prix durant cette dixième édition du NIFFF. Pour ma part, j'en avais fait un de mes favoris au sein de la compétition internationale, aux côtés de l'excellent Transfer.

par Nicore

Comédie horrifique assez vulgaire et graveleuse, ce "Blood on the highway" ne recherchera pas la finesse pour assener des blagues loufoques, aux sous-entendus sexuels omniprésents au milieu des effusion de sang jouissives et débridées qui vont parsemer une intrigue prétexte à tous les délires, et ce même si le film se montrera parfois bavard et si son humour ne sera pas forcément bien compris et appréhendé par tous.
Le script va laisser un trio de jeunes gens en route pour un festival rock se perdre au milieu de nulle part pour finalement atterrir dans une ville assiégée par des vampires.

Après une courte séquence introductive suivant la découverte d'un nouveau supermarché par des clients ébahis mais qui ne vont pas tarder à se faire attaquer par des créatures de la nuit, le métrage va s'attacher à mettre en avant ses personnages principaux, avec d'abord Sam et Carrie un couple très mal assorti, puisque ce sera Carrie qui semblera "porter la culotte" et se montrera grossière et énervée alors que Sam sera plutôt timide, posé et gentil. Nous découvrirons ces deux protagonistes alors qu'ils attendent devant chez lui Bone, le meilleur ami de Sam que Carrie ne peut évidemment pas supporter puisqu'il s'agira d'un "pauvre" au père alcoolique qui nous fera une bien croustillante démonstration lorsque Bone quittera la maison familiale pour partir avec ses amis.

Cette rapide présentation va se poursuivre quelque peu lorsque le trio sera sur cette autoroute pour se rendre à un concert rock, pour ainsi exacerber le caractère de chacun à des fins humoristiques, jusqu'à ce que Sam, malade en voiture, trouve le moyen de vomir partout et en particulier sur leur carte routière, rendant celle-ci illisible. Perdus et après avoir été obligés de se changer, laissant Carrie dévoiler une partie de ses charmes devant la caméra, les jeunes vont alors demander de l'aide à un vieillard loufoque qui va les mettre en garde contre la ville de "Fate" où il se passe de drôles de choses sanglantes, mais qui sera aussi le plus court chemin pour rejoindre l'autoroute. Ignorant l'avertissement, Carrie, qui conduira pour de fait avancer de manière nette sa suprématie sur son petit ami, va prendre la route jusqu'à cette ville, surtout que leur voiture ne va pas tarder à avoir besoin de carburant.

Ce sera justement lors d'un arrêt dans une station-service que nous allons rencontrer le premier vampire, pompiste de son état et qui va mordre méchamment Sam lors d'une séquence rendue amusante et grotesque, obligeant par la suite le trio à fuir pour alors tomber nez à nez avec d'autres vampires, ce qui obligera Bone à faire usage de la force sanglante pour rester en vie, bientôt aidé par l'arrivée d'un personnage haut en couleurs, le militaire Byron, ce dernier les conduisant jusqu'à son repaire où il a crée un état à part entière avec ses propres lois, dont la polygamie. Sur place, Sam, Carrie et Bone vont découvrir deux autres protagonistes irrésistibles, Lynette, la dernière femme de Byron encore en vie, une plantureuse femme qui semblera aussi bien intéressée sexuellement par Bone que par Carrie, tandis qu'interviendra également Roy, un obsédé lubrique et déviant qui va apporter beaucoup à l'humour débile du métrage.

La suite de l'intrigue verra bien entendu l'état de Sam se dégrader jusqu'à ce qu'il devienne à son tour un vampire revanchard après avoir découvert que Carrie avait en fait des vues sur Bone, tandis que les habitants vampires de "Fate" vont se mettre en ordre de bataille guidés et excités par un prédicateur vampire souriant pour manifester et assiéger avant d'attaquer massivement le refuge du petit groupe, jusqu'à ce dernier acte qui tentera d'apporter une explication douteuse à cette invasion de vampires pour achever le métrage de façon débridée mais pour autant nihiliste en ne laissant aucun survivant.

Au-delà de cette intrigue guère évoluée, le métrage va s'orienter vers deux axes bien définis afin de captiver et d'amuser son spectateur avec d'abord cet humour omniprésent au travers de situations souriantes, grotesques et impossibles, à l'image de ces vampires manifestant dans un style typiquement américains pour réclamer du sang frais et la mort des humains, tandis que l'aspect souriant du film va aussi se manifester par ces innombrables petits gags multipliés dans chaque séquence avec parfois des arguments référentiels plaisants, tout en se portant quand même régulièrement sur le sexe et ses sous-entendus vicieux et même parfois un brin pervers. L'humour du film sera bien évidemment en majeure partie colporté par des dialogues souriants mais qui hélas viendront parfois empiéter sur l'action pure, ralentissant sporadiquement le rythme global qui sera du coup en dents de scie, mais sans jamais sombrer.

Face à cet humour et s'y mêlant gaiement, le côté horrifique du film se montrera volontaire et graphique pour ainsi faire mourir de manière visuelle (l'aspirateur, ou encore le ventilateur, par exemples) ces vampires qui prendront parfois des allures de morts-vivants lorsqu'il s'agira d'attaquer en nombre les pauvres victimes qui finiront démembrées dans des jaillissements de sang impactants, tout en faisant voler les membres arrachés. Mais pour satisfaire l'amateur de gore débridé, le métrage va également avancer de multiples sévices dont vont être victimes les vampires avant leur mort, pour ainsi créer une ambiance graphique réelle et rehaussée par des effets spéciaux tenant largement la route, et ce même si on sentira que les deux réalisateurs avaient d'autres idées derrière la tête mais qui n'ont pas été visualisées faute de budget.

Les personnages resteront stéréotypés pour une caractérisation pleine d'un humour salace rarement redondant et bénéficieront d'une interprétation adaptée et survoltée avec des jeunes acteurs qui en voudront vraiment et tandis que la charmante Robin Gierhart apportera une touche sensuelle dans le rôle de Carrie, épaulée par Laura stone. La mise en scène des deux jeunes réalisateurs est rythmée, dynamique et tentera quelques effets intéressants pour encore donner du punch à l'ensemble. Les effets spéciaux sont donc probants pour des effusions de sang graphiques et largement volontaires et tandis que les maquillages des vampires demeureront simples mais réussis.

Donc, ce "Blood on the highway", quelque peu chaotique mais débridée, aura normalement de quoi faire sourire son spectateur à condition que celui-ci accepte l'humour spécial et graveleux du métrage, tout en lui apportant une bonne dose de gore !

Pour ceux qui voudriaent en savoir plus sur l'édition DVD française du film proposée par Emylia, une présentation est disponible ici !

par Nicore

Production indépendante américaine, ce Blood on the highway va verser dans la comédie horrifique débridée mais sans chercher la finesse pour multiplier les blagues graveleuses aux forts sous-entendus sexuels tout en mettant en avant un aspect sanglant graphique jouissif, et bien entendu, ce sera sans avoir été distribué en salles obscures que le métrage arrive chez nous pour un nouvel inédit que l'éditeur Emylia nous permet de découvrir depuis le 14 septembre en DVD.

Le script va suivre trois jeunes, partis pour un road trip, qui vont se perdent après que l’un deux ait vomi sur leur carte routière et l’ai rendue illisible. Le destin les dirige vers une ville sanguinaire remplie de vampires assoiffés. Une course brutale s’engage avec deux employés d’un commerce de proximité carnivores qui les mènent à retrouver les seuls survivants de la ville. La bataille contre l’armée des morts vivants se prépare…

Porté par cet humour omniprésent, le métrage va développer ses situations autour d'une intrigue minimaliste mais qui servira de prétexte à une multiplication de blagues déviantes, sexuellement orientées et certes pas très fines mais qui auront le mérite d'être jouissives aussi bien avec un humour de situation que par des réparties souvent tordantes et irrévérencieuses, tout comme cette volonté sanglante qui permettra au film de multiplier les passages gores débridés, volontaires et visuels, avec en plus des effets spéciaux probants et une interprétation adaptée pour avancer ces personnages évidemment stéréotypés mais souriants et qui vont se débattre contre ces vampires prenant parfois des allures de morts-vivants lorsqu'il faudra démembrer et attaquer des victimes récalcitrantes.

Le DVD édité par Emylia proposera une image en 1.78 (16/9 anamorphique), pour une bande-son en DD5.1 et en DTS en anglais sous-titré en français. Au niveau des bonus, on pourra suivre un sympathique making-of en version originale sous-titré en français (l'éditeur semblant avoir pris de bonnes résolutions de ce côté-là !) qui nous plongera dans l'ambiance festive et souriante du tournage.

Donc, depuis le 14 septembre, il nous est possible grâce à Emylia de découvrir cette comédie horrifique déjantée avec son humour pas très fin mais omniprésent, orienté et dévastateur, accompagné par cet aspect graphique sanglant volontaire et jouissif !

Blood on the highway


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Titre du film : Des hommes et des dieux
Réalisateur : Xavier Beauvois
Durée du film : 120 minutes
Date de sortie du film : 8 septembre 2010
Avec : Lambert Wilson (Christian), Michael Lonsdale (Luc), Olivier Rabourdin (Christophe), Jacques Herlin (Amédée), etc.

Par Nicofeel

Avec Des hommes et des dieux, l'excellent cinéaste français Xavier Beauvois (auteur notamment du film Le petit lieutenant avec Jalil Lespert et Nathalie Baye) s'inspire de la vie des moines cisterciens de Tibhirine en Algérie, qui auraient été enlevés puis tués par le GIA en 1996.
Évidemment, l'issue du film ne fait aucun doute mais l'intérêt du film ne consiste pas dans son scénario mais plutôt dans le ton adopté par le film. Si Xavier Beauvois n'est pas forcément le cinéaste auquel on pense immédiatement pour nous raconter une histoire relative à des moines trappistes, il n'empêche que la sauce prend rapidement et que l'on se retrouve aussitôt happé par ce film et le portrait qui est fait de ces hommes qui ont tout abandonné pour aimer Dieu.
Superbe film sur la foi, à ranger aux côtés de l'excellent L'évangile selon Saint-Matthieu de Pier Paolo Pasolini, Xavier Beauvois alterne avec une grande justesse les moments de prière (d'abord montrés en plans fixes) et les autres moments de la vie quotidienne de ces moines. Car ces huit hommes de foi forment à eux seuls une micro-société qui réussissent à subvenir à leurs besoins grâce à leur travail de la terre. On a droit à un jardinier, à un médecin, à un cuisinier, aux écrivains, etc. Tous participent utilement à la vie de cette communauté qui est placée sous le signe d'une vie modeste et ouverte aux autres.

En effet, ici on est loin de toute caricature qui pourrait nous amener à penser que ces moines ne font que prier et s'auto-alimenter. Bien au contraire. Ayant fait le choix de vivre dans une région pauvre d'Algérie, ils vivent aux côtés de la société civile et n'hésitent pas à aider quiconque à besoin de leur aide. Ainsi, frère Luc (excellent Michael Lonsdale) s'occupe à faire le médecin pendant toute la journée et reçoit environ 150 personnes par jour ! Tourné vers les autres, frère Luc est sans conteste un des personnages les plus intéressants et qui symbolise parfaitement le mode de pensée de ces moines : aider les autres, qu'il s'agisse aussi bien de la population civile que de membres du GIA.
Mais que dire du personnage de frère Christian, joué par Lambert Wilson. Lui aussi est un homme de foi qui agit toujours en homme de paix, même face à des hommes armés venus avec des intentions belliqueuses. Une superbe scène a d'ailleurs lieu lorsque le GIA vient une première fois le jour de Noël. Frère Christian demeure calme et déterminé. Surtout, il délivre un message de paix et de fraternité. Il arrive d'ailleurs à obtenir des excuses du chef du GIA et le fait que ce dernier demande à lui serrer la main. Un autre élément fondamental est le fait que frère Luc accorde une importance équivalente à tout être humain, comme le prouve cette scène où il prie pour un membre du GIA, ce que ne comprend pas un militaire.
Film qui respire la foi comme rarement vu, Des hommes et des dieux porte bien son nom. En ces temps troubles où l'on peut se faire égorger en un rien de temps et à n'importe quel endroit, les moines en arrivent parfois à douter mais la force de leur foi est plus forte que tout. Ces hommes qui sont au-delà de tous ces massacres et ne pensent qu'à faire le bien autour d'eux. Ils savent que leur mission est de rendre service autour d'eux. Leur foi en Dieu est remarquable.
Encore plus remarquable est le fait qu'ils en arrivent même à prier pour tout le monde, et même pour leurs meurtriers. Le pardon qu'ils accordent est belle à voir. On ne peut qu'être étonné de voir que le GIA ou d'autres personnes aient décidé de mettre fin à la vie à des religieux qui n'ont fait que du bien autour d'eux.
Une scène remarquable du film a lieu lorsque ces moines sont tous réunis et qu'ils prennent ensemble leur dernier repas. Sur la sublime musique du lac des cygnes de Tchaïkovski (opus 20), la caméra de Xavier Beauvois fait le tour de ces huit personnages en les montrant d'abord dans leur globalité puis en montrant uniquement leur visage et enfin leurs yeux. On passe tour à tour des sourires aux larmes. Comme si ces hommes savaient que leur fin est proche. Alors que dire de ce qui va arriver peu de temps après avec ces hommes qui s'enfoncent dans la montagne enneigée, comme s'ils rejoignaient dans cette brume le paradis.
Film d'une grande finesse qui force le respect eu égard au comportement de ces moines trappistes, Des hommes et des dieux doit sa réussite tant à sa mise en scène et sa photographie qu'à son interprétation qui est en tous points remarquables. Les acteurs sont bluffants de vérité et incarnent de manière évidente leurs personnages. Lambert Wilson et Michael Lonsdale en tête campent magistralement ces hommes qui ont donné leur vie pour Dieu.
Voilà sans conteste un film à voir, qui n'a pas volé le grand prix du jury qu'il a obtenu à Cannes.

Titre du film : Strigoi

Réalisateur : Faye Jackson

Durée du film : 105 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Catalin Paraschiv (Vlad), Constantin Barbulescu (Constantin Tirescu), etc.

Par Nicofeel

Film britannique réalisé par Faye Jackson, Strigoi est de prime abord un film enthousiasmant en proposant une alternative aux films de vampires. Comme symbole, on ne fait d'ailleurs pas mieux en décidant que l'action du film va se dérouler en Roumanie, et plus précisément en Transylvanie, là où a sévi le fameux Dracula.
Au début du film, on voit que des personnes du village, Constantin Pirescu et sa femme, sont tuées par les villageois. On tue donc le notable et son épouse à la manière des vampires dans l'ancien temps. Constantin serait devenu un vampire roumain, un strigoi, ce qui permettrait d'expliquer les choses bizarres qui se déroulent au village. Dans l'idée, on peut penser que le film va devenir intéressant en rappelant notamment toute une thématique développée par Luis Bunuel avec les paysans qui reprennent possession des biens face aux notables.
Vlad (prénom de Dracula, hommage amusé au mythe original), le héros du film, revenu d'Italie va tenter de comprendre ce qui se trame dans ce village. Il y a des personnages qui disparaissent sans explication.
On comprend bien évidemment que tout cela est l’œuvre des vampires mais on n'en sait pas plus. On voit des vampires qui ne se montrent pas bien virulents et mangent de tout à l'intérieur des maisons des gens. Le ton comique adopté par le film est plutôt bizarre.
Mais surtout on ne voit pas où la cinéaste veut en venir. Les villageois parlent des communistes comme de gens dangereux. Ils en ont peur.
Pour autant, il y a aussi une critique du capitalisme actuel qui a même trouvé sa place en Roumanie avec ce questionnement autour des terres : ont-elles été vendues ou non ? Le cadastre a-t-il été changé ou non ? Par extension, notre société consumériste est pointée du doigt via l'utilisation de ces vampires.
En somme, la cinéaste semble représenter une société roumaine quelque peu perdue, placée entre un système soviétique en pleine déconfiture et une intégration très récente à l'Union européenne (sachant que la Roumanie est très en retard sur le plan économique par rapport à de nombreux pays de l'Union européenne).
Si tous ces éléments sont évoqués dans ce film, ils ne le sont pas clairement et sans fil directeur.
Surtout, le film est vraiment mou, il y a un rythme extrêmement lent et un ton adopté étrange : on ne sait pas trop si on doit rigoler ou plutôt prendre ce long métrage d'un point de vue dramatique. Ainsi, quelle est la logique de mettre dans un scénario qui se veut sérieux un policier parler de prendre un terrain et d'y planter de la marijuana ?
Par ailleurs, de nombreuses scènes apparaissent redondantes. On a la désagréable sensation d'assister toujours aux mêmes scènes.
Pour ne rien arranger, les acteurs roumains parlent dans un langage anglais mauvais avec un accent très prononcé.
Au final, ce film ennuyeux et incompréhensible est une vraie déception et pour ma part le plus mauvais film de la sélection officielle. Je demeure circonspect quant au fait qu'il ait obtenu le prix du meilleur film européen.

Titre du film : Ce que je veux de plus
Réalisateur : Silvio Soldini
Durée du film : 120 minutes
Date de sortie du film : 11 août 2010
Avec : Alba Rohrwacher (Anna), Pierfrancesco Favino (Domenico), Giuseppe Battiston (Alessio), Teresa Saponangelo (Miriam), etc.

Par Nicofeel

Avec Ce que je veux de plus, l'italien Silvio Soldini offre au spectateur un film relativement original sur un sujet qui ne l'est absolument pas.
Le cinéaste traite de l'adultère avec cette jeune femme, Anna, qui tombe brusquement amoureuse d'un homme, Domenico, alors qu'elle a déjà sa vie qui est bien rangée : elle est comptable dans une entreprise privée importante, elle vit depuis un moment avec un homme qui fait tout pour lui faire plaisir et qui souhaite même lui faire un enfant. De son côté, Domenico est un père de famille avec deux enfants qui est bien souvent à la dèche en raison des petits boulots qu'il fait à droite à gauche.
Alors que bien souvent les films sur l'adultère se résument à un homme ou à une femme qui trompe son conjoint, ici le point de vue est beaucoup plus nuancé, même si les agissements des protagonistes ne sont pas pour autant excusés. Silvio Soldini ne juge jamais, il se contente de proposer une histoire on ne peut plus réaliste avec des gens qui ont manifestement du mal à se faire à leur vie bien rangée où le quotidien du jour ressemble fortement à celui de la veille. L'usure au sein du couple peut être une des raisons de cette incartade.

Mais surtout le cinéaste semble montrer qu'à l'instar de la vie qui peut offrir des moments surprenants, Anna et Domenico vivent leur liaison dangereuse de manière passionnée. Alors qu'ils ne se connaissent nullement, ils s'adonnent à des rapports sexuels intenses, quasi bestiaux qui sont très bien rendus à l'écran avec notamment une photographie particulièrement réussie dans des couleurs vives. On peut penser que cette histoire a lieu avant tout pour le plaisir sexuel qu'elle leur procure. Et pourtant cette relation est loin d'être simple. L'un comme l'autre doivent faire avec leur vie qui est bien chargée et se libérer pour réussir à se voir sur de rares plages horaires. On voit clairement qu'ils sont amenés à mentir à leurs conjoints respectifs : Anna raconte à son compagnon qu'elle fait des heures supplémentaires le mercredi soir alors que durant cette même période Domenico est censé s'entraîner à la piscine. L'un comme l'autre ont beaucoup de mal à vivre cachée leur liaison et surtout à mentir à leurs conjoints respectifs.
Là où le film ne manque pas non plus d'intérêt c'est qu'il dresse finalement un portrait assez juste de cette relation adultérine avec des personnages qui tantôt s'enthousiasment fortement, tantôt ont honte de leur relation, à tel point que plusieurs fois ils sont amenés à rompre.
Mais quel est l'avenir d'une telle relation ? Le cinéaste pose cette question en traitant plusieurs thématiques sous-jacentes : il y a d'abord l'aspect compagnon qui est à prendre en compte. Eh oui en ayant une relation adultérine on est bien évidemment amené à mettre clairement de côté une partie des bons moments que l'on passe avec son compagnon de route. La question est de la relation est également posée au niveau professionnel car tant Anna que Domenico ont du mal à se voir et à assumer pleinement leur travail. D'ailleurs leur relation a un coût qui peut rapidement devenir élevé quand on pense au prix d'une chambre d'hôtel (car bien évidemment il n'est pas question d'aller faire l'amour chez l'un ou l'autre). Et puis la question de cette relation se pose aussi plus simplement au niveau de sa durée : c'est bien beau de vivre pleinement une nouvelle relation, mais il faut encore penser aux répercussions que cela engendre et à la pérennité de ce couple qui vit avant tout pour des raisons sexuelles.
Le film bénéficie d'excellents acteurs. Tous sont bons dans leurs rôles respectifs. On appréciera notamment le fait que tous les personnages sont joués par des acteurs qui n'ont rien de géniaux sur le plan physique et qui pourraient donc être n'importe qui. L'interprétation de ces acteurs est d'ailleurs remarquable, et notamment des deux acteurs principaux, qui tour à tour sont capables de passer d'un moment passionné à des moments de doute, et où le mensonge est bien souvent utilisé pour éluder le problème de cette relation adultérine.
Au niveau de la mise en scène, elle est plutôt fonctionnelle et ne se distingue pas spécialement.
La durée du film est peut-être un poil trop longue (2 heures) mais globalement le film passe plutôt bien. Il mérite donc d'être vu tant pour son scénario plus élaboré que l'on pourrait penser à la base que pour son interprétation de qualité.

Titre du film : Piranha 3D
Réalisateur : Alexandre Aja
Durée du film : 89 minutes

Date de sortie du film : 1er septembre 2010
Avec : Elisabeth Shue (Julie Forester), Steven Mcqueen (Jake Forester), Jerry O'Connell (Derrick Jones), Jessica Szohr (Kelly Driscoll), Danni Arslow (Kelly Brook), etc.
Par Nicofeel

Décidément, Alexandre Aja est fâché avec les œuvres originales (La colline a des yeux, Mirrors). Avec Piranha 3D, il remake le sympathique Piranhas de Joe Dante sorti en 1978. Malgré son manque flagrant d'originalité et son scénario qui tient sur du papier à cigarette, Piranha 3D demeure malgré tout un film regardable.
Ce film, produit par les frères Weinstein, a le mérite de brosser le spectateur dans le sens du poil. Annoncé comme un film où sont présents « sea, sex and blood », il faut bien reconnaître qu'à ce niveau là on n'est pas volé.
L'action met un peu de temps à démarrer mais quand tout est lancé le mélange sexe et horreur carbure à plein régime. Le film se déroule dans la ville balnéaire de Lake Victoria qui reçoit de nombreux étudiants lors du week-end de Pâques. Les jeunes n'ont de cesse de se faire plaisir. C'est l'occasion rêvée pour le cinéaste de livrer quelques séquences de sexe qui ne manqueront pas de réveiller les spectateurs masculins.
Ainsi, le film insiste hautement sur la poitrine généreuse de l'actrice Danni Arslow qui est bien époumonée. Le film joue évidemment sur le rapport entre un jeune homme assez timide, Jake Forester – le fils de la shérif de la ville – qui se retrouve attiré bon gré mal gré à servir de guide à un réalisateur de films pornographiques ou à tout le moins un réalisateur de séquences érotiques. Cela permet à Alexandre Aja de nous montrer des scènes de nudité purement gratuites. On a par exemple droit aux deux « wild wild girls » qui sont filmées sous l'eau entièrement nues. A un autre moment, on voit les poitrines de ces jeunes femmes. Histoire d'en rajouter un peu côté sexe, le film joue à fond la carte de la vulgarité avec le personnage qui interprète ce réalisateur de films cochons, qui n'est pas d'une grande finesse : « mate-moi ça. Des poissons avec des gros nichons ». On nous sert également une séquence de T-shirts mouillés. Bref, tout l'attirail du sexe y passe, aussi bien par la vue de jolies formes que par les paroles de plusieurs des protagonistes.

Et l'horreur dans tout ça ? Car il ne faut pas perdre de vue qu'il s'agit d'un film horrifique. Eh bien de ce côté-là Alexandre Aja ne se prive pas de donner de la sauce tomate à profusion. Si le film est assez timide au début sur ce point avec juste quelques plongeurs qui se font massacrer par de vilains piranhas, le film prend son envol dans une deuxième partie qui n'est pas sans rappeler les dents de la mer. Les piranhas s'en prennent à toutes les personnes qui ont la mauvaise idée d'être dans l'eau. Et ils ne font pas dans la gentillesse. On se retrouve avec des membres arrachés ou dévorés, des têtes coupées. Certaines séquences sont assez drôles comme le sexe du réalisateur qui, gravement blessé, a son sexe sectionné : « ils m'ont coupé la bite ». Le sexe tombe dans l'eau et est mangé par un piranha. D'autres scènes sont carrément surprenantes et on retiendra de prime abord cette très belle séquence (niveau gore) où un piranha sort de la bouche d'une jeune femme blonde. Le plus que l'on voit au niveau du gore ce sont des jambes sectionnées avec des effets spéciaux particulièrement réalistes.
Bref, Alexandre Aja concocte un judicieux mélange sexe et horreur qui devrait sans souci plaire aux jeunes qui viendront voir le film. Car Piranha 3D est avant tout destiné aux adolescents et aux jeunes adultes.
Mais au fait la 3D dans tout ça ? Il faut bien reconnaître qu'elle n'apporte pas grand chose. Elle apparaît quasiment comme un gadget qui permet avant tout de justifier un surcoût de la place de cinéma. Décidément cette mode de la 3D est franchement loin d'être emballante.
Au final, Piranha 3D est un pur film pop-corn. C'est un film d'horreur qui se déguste avec un certain plaisir sur l'instant. Mais passé son visionnage, Piranha 3D s'oublie plutôt vite car il ne se distingue pas vraiment de la production courante en terme de films d'horreur et souffre tout de même d'un scénario quelconque et d'une interprétation peu fameuse. S'il n'avait pas bénéficié d'autant de publicité autour de lui, le film aurait été à peine remarqué.

par Nicore

Après un regain d’activité appréciable au cours du mois de juillet, les éditeurs sont retombés dans une léthargie estivale lors du mois qui vient de se terminer avec déjà très peu de ressorties et aucun passage au Blu-ray pour des titres existants, pour ne nous proposer que quelques inédits d’intérêt variable et des titres passés par la case « salles obscures ».

Ainsi Warner Home Video aura sacrifié le remake mitigé du Choc des titans réalisé par louis Leterrier, tandis que Sony aura lancé son Legion et ses anges exterminateurs pas toujours bien crédibles.

Jamais sorti en salles, mais espérant nous le faire croire avec son titre ambigu, le Suffer island de Christian Duguay et son camp de redressement sadique aura été proposé par Metropolitan pendant que Free Dolphin aura édité un Mega shark vs giant Ocpotus au titre improbable qui aurait fait les beaux jours des cinémas de quartier à l’époque.

Habitué de ces lignes, Emylia aura donné sa chance au brutal Madness, œuvre suédoise sanglante et sauvage présentée ici et critiquée là, alors que MGM aura mis en vente le malin et réussi Hit and run et son psychopathe pugnace et vengeur après avoir été renversé par une jeune femme ivre.

De manière bien plus anecdotique, Zylo se fera fendu de deux inédits avec Bitten et son vampire refusant sa nouvelle condition et Open graves et ses surfeurs confrontés à un jeu maléfique mais bénéficiant de la présence de la belle Eliza Dushku. Et de son côté Elephant Films sera également resté bien timide pour ne nous offrir qu’un Grim lorgnant vers le "Z" avec sa créature monstrueuse qui devra affronter des spéléologues.

Seul éditeur à avoir crée la surprise, Wild Side Video aura fait bénéficié à l'attendu All the boys love Mandy lane (critiqué ici dans son édition en zone 2 anglais) d'une sortie, comblant ainsi une longue attente tardivement palliée, tout en offrant une ressortie au terrible et magnifique Martyrs et en proposant le nouveau Park Chan-Wook, le bien nommé Thirst.

Il en restera donc plus à l'amateur de cinéma horrifique et fantastique de bien vite oublier ce mois d'août misérable avec uniquement de rares sorties vraiment intéressantes, pour espérer que ce mois de septembre qui vient de commencer soit plus prolixe pour une rentrée qui s'annonce déjà plus chargée ! Le rendez-vous est déjà pris pour vérifier tout cela à la fin du mois !

Le choc des Titans


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Le choc des Titans (Blu-ray + DVD + Copie digitale)


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Le choc des Titans - Edition ultime Fnac (Blu-ray) / Blu-ray + DVD


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Le choc des titans (Blu-ray) - Edition belge


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Suffer Island


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Suffer island (Blu-ray)


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Mega Shark vs Giant Octopus


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Madness


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Hit and run


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Grim


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All the boys love Mandy Lane (Blu-ray)


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All the boys love Mandy Lane


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Martyrs - Edition simple


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Thirst (Blu-ray)


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Thirst


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Titre du film : Die ewige maske
Réalisateur : Werner Hochbaum
Durée du film : 85 minutes

Date de sortie du film : 1935 (film diffusé au festival du NIFFF 2010 - Neuchâtel International Fantastic Film Festival, premier film suisse vu dans le cadre de la rétrospective « L'ombre d'un doute »)

Avec : Mathias Wieman (docteur Dumartin), Peter Petersen (professeur Tscherko), Tom Kraa (docteur Wendt), Franz Schafheitlin (monsieur Negar), Olga Tschechowa (madame Negar), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Werner Hochbaum en 1935, Die ewige maske est un thriller suisse qui traite de la psychanalyse. Librement inspiré d'un roman de Léo Lapaire, L'autre qui est en nous (titre français du film) Die ewige maske date de 1935. Et pourtant, malgré le poids des ans (et donc de la copie que nous avons vu), le film reste passionnant de bout en bout. Il faut dire que la thématique du film est vraiment très intéressante, que le côté enquête demeure jusqu'au bout avec ce mélange rêve-réalité et que la mise en scène est très solide, avec de superbes plans, qui font notamment écho aux impressionnistes.
Le film débute d'ailleurs par un plan séquence dans un hôpital avec la présentation des personnages, plan séquence se clôturant avec la chambre 112. Dans cette chambre 112, il y a le mourant, monsieur Negar. Il faut dire que l'hôpital est rempli en raison d'une épidémie de méningite. Le docteur Dumartin administre son sérum au mourant Negar, sans l'aval du professeur Tscherko, le chef de l'hôpital. L'échec des soins explique le départ de Dumartin et surtout les délires qu'il va vivre.
Très bien mis en scène, Die ewige maske est également marquant par une très belle photographie qui utilise à plein les possibilités du noir et blanc, à manière des impressionnistes, notamment lorsque Dumartin fait des rêves (cauchemars) ou se comporte comme un schizophrène. Plusieurs scènes demeurent remarquables comme lorsque Dumartin saute dans l'eau après avoir parlé à son reflet ou lorsqu'il rêve d'un autre endroit avec notamment des ballerines que l'on voit en transparence.
Le cinéaste Werner Hochbaum rend particulièrement bien à l'écran ce personnage de Dumartin qui est en fait prisonnier d'un labyrinthe souterrain qui représente précisément son propre esprit et ses responsabilités dans le décès de Negar. Il y a beaucoup de passages avec des portes et des couloirs. C'est intéressant dans le cadre de la schizophrénie vécue par Dumartin. Derrière une porte, Dumartin trouve quelqu'un qui porte un masque (d'où le titre du film). Et évidemment derrière le masque il y a tout simplement Dumartin. Comme on peut s'en douter, la résolution de ce thriller ne peut se faire que dans la chambre 112, lieu du trauma.
Le film est également intéressant par ce qu'il évoque deux méthodes de pensée au niveau de la médecine qui se font concurrence. Le professeur Tscherko, qui représente un docteur de l'ancienne école, ne veut pas le changement. C'est la raison pour laquelle où il est de prime abord opposé à l'idée d'adopter le sérum du docteur Dumartin. Ce sont les jeunes loups, les docteurs Wendt et Dumartin, qui représentent non seulement la relève mais surtout l'avenir. Ces deux styles de soins sont donc différents et sont en perpétuelle confrontation, les jeunes n'appréciant pas les méthodes du professeur.
Bien que disposant de nombreuses qualités, Die ewige maske n'est pas parfait. On regrettera par exemple : l'utilisation des raccords avec l'utilisation de photogrammes ; l'annonce des docteurs au haut parleur avec un aspect robot un peu ridicule ; des acteurs souvent en sur-jeu et principalement celui jouant le professeur Tscherko qui est vraiment en roue libre. C'est d'ailleurs peut-être pour le cinéaste une façon de surligner les méthodes peu fines de ce professeur, qui accepte difficilement de se remettre en question ainsi que les nouvelles méthodes de soin.
Malgré tout, Die ewige maske est un film disposant d'un solide scénario, d'un intéressant questionnement autour des troubles mentaux, d'une belle mise en scène et d'un bon rythme.

Titre du film : Un poison violent
Réalisatrice : Katell Quillévéré
Durée du film : 92 minutes
Date de sortie du film : 4 août 2010

Avec : Clara Augarde (Anna), Lio (Jeanne), Michel Galabru (Jean), Thierry Neuvic (Paul), Stefano Cassetti (père François), Youen Leboulanger Gourvil (Pierre).
Par Nicofeel

Réalisé par Katell Quillévéré dont c'est le deuxième film, Un poison violent traite d'un sujet particulièrement sensible vu qu'il touche à la religion. Assez différent d'un Avril par le ton adopté, Un poison violent est un film délibérément dramatique par son traitement qui pose des questions sur la religion catholique d'aujourd'hui.
En s'intéressant au sort d'Anna, une jeune fille de 14 ans qui débute le moment charnière dans la vie que constitue l'adolescence, la cinéaste française réussit à tisser une toile beaucoup plus longue que l'on n'imagine au départ. La réalisatrice ne se contente pas d'évoquer les doutes d'Anna quant au fait de savoir si elle croit toujours en Dieu et donc si elle est en mesure de faire sa confirmation (période qui fait suite à la communion, moment où le baptisé reçoit le don du Saint Esprit).
En décrivant la famille d'Anna et des gens que cette famille est amenée à fréquenter, Katell Quillévéré touche à d'autres questions fondamentales : l'éveil de la sexualité d'une jeune fille ; les familles divisées ; la tentation éventuelle d'un prêtre.
La réalisatrice Katell Quillévéré n'a pas choisi la jeune Clara Augarde (Anna) par hasard. Pour elle, cette jeune fille possède une vraie puissance sexuelle. Et cet élément est d'autant plus troublant que Clara Augarde, en plus d'être jeune, est belle et fait preuve d'un naturel tout à fait incroyable. On comprend dès lors aisément que la jeune fille ne laisse pas indifférent. Son petit copain la trouve très jolie et n'a de cesse de draguer cette fille de son âge : il la complimente, il l'embrasse, il joue de la guitare en faisant une petite chanson pour elle, etc. Anna y est très sensible. On voit à plusieurs reprises l'éveil de la sexualité de cette jeune fille qui découvre un corps qui devient celui d'une femme.
Ce corps ne laisse pas non plus indifférent Jean, son grand-père paternel, qui a un rapport certes affectueux avec mais qui est également empreint d'un certain désir. C'est lorsqu'Anna fait la toilette de Jean que ce dernier se met à bander. Plus tard dans le film, il décède peu de temps après avoir vu les poils du sexe de sa petite fille. Si certains peuvent penser qu'il y a quasiment de l'inceste dans tout ça, on peut aussi penser que c'est tout simplement le voeu d'un vieil homme de voir sa petite-fille en train de devenir une belle jeune femme. Quoique c'est le même homme qui a demandé à sa petite fille de lire un poème particulièrement osé lors de son décès.

Alors que Jean est au seuil de la mort, Anna entre en revanche dans une période importante de sa vie. Et tout cela la réalisatrice du film le retranscrit parfaitement. Tant les désirs de cette jeune fille que ses doutes sont parfaitement retranscrits.
Mais la cinéaste ne se contente pas de livrer les doutes d'une jeune fille face aux propos religieux qui peuvent paraître choquants. En effet, dans le film on voit un évêque qui se montre assez dur dans ses paroles pour des adolescents en évoquant la lettre de Saint-Paul apôtre aux Galates (chapitre 5) qui divise l'Esprit (objet de la confirmation) de la chair : « On sait bien à quelles actions mène la chair : débauche, impureté, obscénité, idolâtrie, sorcellerie, haines, querelles, jalousie, colère, envie, divisions, sectarisme [...] Mais voici ce que produit l'Esprit : amour, joie, paix, patience, bonté, bienveillance, foi, humilité et maîtrise de soi. » Le film montre qu'un amour peut être sain sans pour autant être condamnable. Il n'y a qu'à voir l'éveil à la sexualité de la jeune Anna. Ce sont avec des propos aussi radicaux que propose la lettre de Saint-Paul qu'Anna se met à douter en sa croyance en Dieu et qu'elle refuse de finaliser son confirmation (dans le film on voit qu'au bout d'un moment elle n'arrive plus à dire « nous croyons »).
Très intelligemment, le film ne se focalise pas que sur le personnage pour parler de la religion catholique de nos jours. Le personnage du père François est également très intéressant. C'est d'abord une personne qui vient d'Italie (façon peut-être de montrer que le faible nombre de vocations amène à avoir de plus en plus de prêtres étrangers) et qui est proche des gens comme l'attestent les moments où il accepte de jouer au football avec des adolescents ou les moments où il confesse des personnes du village. Mais cette proximité n'est pas du tout évidente à gérer. Lors d'une séquence du film, on se demande si la réalisatrice n'essaye pas de traiter le cas des prêtres pédophiles. Heureusement, cela n'est pas le cas mais l'abri dans la grotte où vont le prêtre et Anna peut faire penser aux faits divers qui rejaillissent dans la presse et discréditent ô combien la religion.
Par ailleurs,en étant proche des gens, le père François en arrive parfois à douter de lui. Le célibat des prêtres n'est certes pas évoqué directement mais c'est une vraie question qui est posée indirectement par l'envie que ressent ce prêtre par le personnage de Jeanne (Lio), qui joue la mère d'Anna.
A fortiori, la famille d'Anna est encore une fois révélatrice de notre société actuelle. Anna doute de sa foi et est troublée par les changements de son corps mais ce ne sont pas les seuls éléments qui la perturbent. Anna est fatiguée par le fait que ses parents soient séparés. Les nombreuses crises de sa mère sont loin de l'apaiser. Au contraire. Voir des familles séparées qui ont bien du mal à vivre ensemble est devenue quelque chose de malheureusement trop commun.

Particulièrement bien joué, tant par des adultes confirmés comme Michel Galabru ou Lio que par les jeunes acteurs, avec une mention spéciale à la très jolie et sensible Clara Augarde, Un poison violent fonctionne à merveille sur un mode d'oppositions. Il y a d'un côté les adultes, de l'autre les adolescents. Il y a surtout un poison qui représente tout aussi bien l'éveil de la sexualité d'une jeune fille (coupable d'acte de chair, qui va en opposition directe de l'esprit) que les doutes d'un jeune prêtre qui a lui aussi des envies qui ne sont pas tournées uniquement vers Dieu.
Très riche et même assez violent par les sujets qu'il aborde, Un poison violent est un film qui ne manque d'intérêt sur la religion et des questions qui gravitent autour. A voir.
La très belle reprise du Creep de Radiohead lors du générique de fin clôt de façon remarquable ce film.

Titre du film : Grauzone

Réalisateur : Fredi M. Murer

Durée du film : 99 minutes

Date de sortie du film : 1979 (film diffusé au NIFFF 2010 - Neuchâtel International Fantastic Film Festival)
Par Nicofeel

Réalisé par le suisse Fredi M. Murer, connu pour être un réalisateur de montagnes (l'excellent L'âme soeur), Grauzone est un film culte de 1979 dans l'ambiance des seventies. Le réalisateur nous offre une véritable radiographie de la société contemporaine, dont le propos est encore très actuel. Le film a donc ceci d'intéressant d'être particulièrement dans le ton de ce que l'on connaît aujourd'hui.
En démarrant Grauzone par un plan en plongée sur une ville et en le terminant par un plan séquence en plongée sur son principal protagoniste, Fredi M. Murer entend évoquer la ville qui broie l'individu par son gigantisme. L'homme est peu de choses dans cette société devenue individualiste. Et évidemment depuis cette époque cela ne s'est pas vraiment amélioré.
On suit dans le film plus particulièrement un couple, Alfred et son épouse, qui travaillent tous deux et résident dans la banlieue de Zurich, dans un HLM. On voit bien la ville et ses immenses immeubles où les gens vivent. Et puis ces immenses HLM où tout le monde épie tout le monde : manque de liberté et solitude pour certains. Le superbe noir et blanc du film accroît le côté grisâtre, le spleen que l'on perçoit immanquablement dans cette société où l'homme est devenu peu de choses.
Le mari et la femme que l'on voit à plusieurs reprises dans le film ont beau être dans le même appartement, on ne peut pas dire qu'ils vivent ensemble. D'ailleurs, ils ne font même pas l'amour. Ils sont séparés dans le lit ; chacun ayant son côté du lit. Et puis le mari mange seul en regardant la télévision.
Dans une thématique qui rappelle l'oeuvre d'Antonioni, le film traite de l'incommunicabilité avec cette femme qui préférerait même s'engueuler avec son mari mais au moins qu'ils se disent quelque chose. Elle peut tout changer dans la maison, il ne dit rien. Elle a l'impression de vivre seule, dit-elle à son amie. La femme ne sait même pas quel est le travail de son époux.
Heureusement, dans ce monde gagné par la dépression - le gouvernement fait passer les nouveaux cas de maladie pour une épidémie alors qu'il s'agit tout simplement du syndrome de la dépression – il subsiste quand même un semblant d'espoir. Ainsi, en voyant ses photos de jeunesse, le couple retrouve un semblant d'unité et cela amène le mari à révéler la manipulation des masses dont il participe par son travail secret.
Car une des autres thématiques passionnantes du film est sans conteste le fait que le gouvernement dirige nos vies et les médias, véhiculant des informations pas forcément très objectives. Le fameux Big Brother de 1984 n'est vraiment pas loin. On peut même dire que le film est complémentaire.
Faisant réellement froid dans le dos quand on voit l'évolution actuelle de notre société (est-on si loin de cette fiction ?), Grauzone est un film très riche aussi bien par les thématiques qu'il aborde que par sa mise en scène très soignée.
Les acteurs sont tous très bons dans leur capacité à donner l'impression d'être monsieur et madame tout le monde. On peut facilement les prendre en exemple et penser à nos propres vies.
On regrettera simplement de n'avoir pu visionner ce film qu'en version originale sous-titrée anglais car il y a de nombreux dialogues et l'anglais sous-titré n'est pas toujours simple à comprendre.

Titre du film : Crime d'amour
Réalisateur : Alain Corneau
Durée du film : 104 minutes

Date de sortie du film : 18 août 2010

Avec : Ludivine Sagnier (Isabelle), Kristin Scott Thomas (Christine), Patrick Mille (Philippe), Guillaume Marquet (Daniel), Olivier Rabourdin (le juge), etc.
Par Nicofeel

Auteur du chef d’œuvre Série noire (1979) et de plusieurs autres bons films (Le choix des armes, Le cousin), Alain Corneau est depuis un petit moment rentré dans le rang avec des films pas vraiment marquants.
Crime d'amour, son nouveau film, est-il dans ces conditions un bon cru ? Assurément oui. Dans un genre qu'il affectionne, à savoir le film noir, Alain Corneau nous revient en très grande forme. Les raisons de satisfaction sont multiples.
D'abord, le film vaut le coup pour son scénario. En effet, Alain Corneau nous propose un film où le suspense est constant et où l'on comprend progressivement la machination qui se trame. Car le film bénéficie d'une vraie originalité jamais vue jusqu'à présent, d'où la deuxième qualité de Crime d'amour.
Dans ce film noir qui prend des allures de film à enquête, Alain Corneau a l'excellente idée (que je n'avais pas encore vu dans d'autres films, mais ça existe peut-être) de prendre les codes de ce genre de film mais d'inverser le point de vue auquel on a droit habituellement. Concrètement, ici on a une jeune femme, Isabelle, incarnée par Ludivine Sagnier qui va commettre un homicide. Elle va tout faire pour que les preuves la rendent de manière évidente coupable de ce meurtre mais dans le même temps elle aura préparé dans sa tête d'autres preuves qui vont prouver son innocence par la suite. Le but du jeu étant dans les faits d'enlever tous les soupçons et de déplacer l'enquête sur quelqu'un d'autre. Les preuves sont amenées les unes après les autres. Et là où Alain Corneau est fort, c'est que les détails qui nous sont présentés ne sont pas spécifiquement tirés par les cheveux. Les preuves qui accablent Isabelle sont crédibles tout autant que celles qui la disculpent. Les flashbacks auxquels on a droit dans la dernière partie du film et qui montrent les agissements d'Isabelle sont plutôt bien faits. D'ailleurs, le succès de l'ensemble du film doit bien évidemment aux interprétations de ses acteurs.
Pas toujours géniale, Ludivine Sagnier est parfaite dans le rôle de cette femme de talent dans la société où elle travaille, qui est progressivement victime de brimades de sa supérieure hiérarchique, et qui décide de se venger froidement, méthodiquement. De son côté, Kristin Scott Thomas est excellente dans le rôle de la chef d'entreprise ambitieuse, qui aime dominer ses troupes. Ce qui nous amène à une des dernières grandes qualités du film : sa dénonciation des dérives du monde de l'entreprise.
Il faut bien reconnaître qu'Alain Corneau n'y va pas de main morte quand il s'agit de critiquer le monde du travail. Si son personnage principale, incarné par Ludivine Sagnier paraît au départ quelque peu gentille et même un brin naïve, cette situation ne va pas durer indéfiniment.

De fait, tous les autres personnages du film sont de véritable requins prêts à tout pour réussir. De manière évidente, le personnage de Christine joué par Kristin Scott Thomas est le plus détestable. En effet, Christine est ambitieuse et n'accepte pas que quelqu'un se dresse sur son chemin. Dès lors, elle n'hésite pas à faire subir des brimades et des pressions mentales aux personnes qui l'entourent. En somme, elle harcèle certaines personnes. Mais ce personnage n'est pas le seul à être peu appréciable. Patrick Mille (le célèbre Chico pour les pubs de SFR) ne s'embarrasse guère de considérations morales : il n'hésite pas à truquer des comptes et dans sa vie privée il n'y a pas de place pour les sentiments. Et puis Guillaume Marquet, qui joue le rôle du fidèle second d'Isabelle, cherche lui aussi à gravir les échelons de la société. Dès lors, on comprend aisément qu'il n'y a pas de place à l'amour dans tout ça, ce que notre héroïne va apprendre à marche forcée. Le cinéaste Alain Corneau prend finalement le pouls de notre société actuelle écrasée par les thèses capitalistes où le succès individuel est recherché, quitte à écraser des collègues de bureau.
En synthèse, Crime d'amour est un film on ne peut plus recommandable. La résolution de son histoire, qui est tout de même un brin cynique et désabusée, vaut le coup. Avant cela, on aura pu suivre une histoire très intéressante, tant par les thématiques développées que par son jeu des acteurs. En ce mois d'août un peu creux niveau cinéma, Crime d'amour est à voir.

Titre du film : 5150 rue des Ormes
Réalisateur : Eric Tessier
Durée du film : 110 minutes
Date de sortie du film : inconnue (film diffusé au NIFFF 2010)
Avec : Marc-André Grondin (Yannick Bérubé), Normand d'Amour (Jacques Beaulieu), Sonia Vachon (Maude), Mylène St-Sauveur (Michelle), Elodie Larivière (Anne), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par le québécois Eric Tessier (qui joue d'ailleurs un petit rôle dans le film), 5150 rue des Ormes est un film d'horreur au ton pour le moins original.
Un jeune homme de 22 ans, Yann Bérubé, déraille avec son vélo et demande de l'aide à la première personne qu'il croise. Il s'agira de monsieur Beaulieu. Bien mauvaise idée que d'aller chez les Beaulieu car cette famille est loin d'être nette. Le père de famille, Jacques, armé d'un fusil, va enfermer Yann dans une pièce vide. Il y a dans la famille le père, un psychopathe, qui pense agir avec justice. Il y a la mère qui se dévoue à son époux. Il y a la fille aînée, Michèle, qui est particulièrement tourmentée et admire son père. Il y a la fille cadette, la jeune Anne, qui n'aime pas les agissements de son père. Si elle ne parle pas, elle cherche à tuer son père, en lui faisant notamment avaler du poison pour rat. La mère obéit à son mari et lui fait confiance « comme le seigneur lui a enseigné » : il y a là un côté comique dans cette soumission.

D'ailleurs, le film dispose d'un ton vraiment original avec ce père qui se la joue redresseur de torts. Le mode de pensée du père est qu'il faut faire justice soi-même et mettre fin aux agissements des pédophiles et autres détraqués en tous genres. Sa pensée est symbolisée par sa passion pour les échecs où il prend toujours les blancs car ce sont les justes. Ce huis-clos demeure dès lors très original car si Yann est enfermé, il a la possibilité de jouer aux échecs avec Jacques Beaulieu. S'il gagne, il sera libre. Un élément intéressant est le fait que l'on voit que progressivement Yann prend de l'importance chez les Beaulieu. D'ailleurs, il attise le désir chez la mère et une sympathie certaine chez la fille cadette (qui va se faire shooter par son père dans une scène brutale étonnante !). On peut faire quelques parallèles entre le personnage de Yann et celui de l'inconnu dans l'excellent Théorème de Pasolini.
Pour autant, au fur et à mesure que Yann prend l'ascendant sur le père, Jacques Beaulieu, il perd lui aussi la boule. Pour preuve, cette scène incroyable où il demande à Jacques de continuer à jouer alors que la mère, Maude, s'est pendue (se sentant abandonnée de tous) et que la fille cadette vient d'être tué. C'est presque de l'humour noir lorsque l'on voit que Yann cherche coûte que coûte à finir cette partie, quitte à rester chez les Beaulieu alors qu'il pourrait fuir. On se demande d'ailleurs si Yann n'est pas devenu au fond comme son tortionnaire, relativement dérangé. La fin est de ce point de vue assez ouverte.
Ce film que pourrait ranger parmi les films d'horreur est très original par son ton adopté et par son histoire. Il ne souffre jamais de baisse de rythme et le scénario est suffisamment intéressant pour intéresser de bout en bout.
On regrettera simplement les moments où Jacques et Yann sont seuls dans un endroit inconnu, créé de toutes pièces en images de synthèse. C'est parfaitement inutile et cela désamorce légèrement l'intérêt des scènes auxquelles on assiste.
L'accent bien prononcé des québécois ajoute un aspect au côté humour noir du film. Pour autant, les acteurs sont tous bons dans leurs rôles respectifs, et notamment celui qui joue ce fou de Jacques Beaulieu. Voilà donc un film qui sort des sentiers battus qui est à voir.

Titre du film : Ondine
Réalisateur : Neil Jordan
Durée du film : 111 minutes
Date de sortie du film : 25 août 2010 (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Colin Farrell (Syracuse), Alicja Bachleda-Curus (Ondine), Alison Barry (Annie), Stephen Rea (le prêtre), Tony Curran (Alex), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Neil Jordan, l'auteur mythique de La compagnie des loups ou de The crying game, Ondine est un film à la lisière du fantastique avec ce pêcheur, Syracuse (Colin Farrell), qui prend dans ses filets une belle jeune femme. Est-on dans une histoire normale ou vit-on une histoire légendaire avec des êtres capables de parler le Sek, langage des phoques.
Une des grandes forces de ce film est que Neil Jordan réussit tout naturellement à nous faire croire à des choses qui paraissent pourtant incroyables.
Plusieurs éléments nous amènent à penser que l'extraordinaire a peut-être investi notre quotidien le plus banal. Ainsi, la jeune femme qui se fait appeler Ondine chante à de nombreuses reprises lorsqu'elle est en mer et à chaque fois, comme par hasard, cela attire immédiatement les poissons. Sans effort particulier, Syracuse récupère des écrevisses et du saumon. Une raison de penser qu'il s'agit d'une Selk ? Peut-être. Les éléments laissant à penser qu'Ondine est une selkie sont par ailleurs monnaie courante : elle adore l'univers de l'eau et pour l'occasion elle se baigne avec la robe que lui offre Syracuse. Par ailleurs, elle accepte le voeu de Syracuse de voir Annie, sa petite fille qui souffre d'insuffisance rénale, d'être guérie. Un événement va ainsi permettre à Annie de bénéficier d'une moelle osseuse compatible. Et puis il y a toute l'histoire autour de cette femme Selkie avec le fait d'enterrer la peau de phoque pour rester avec l'être humain pendant 7 ans. Sans compter qu'Ondine reste particulièrement mystérieuse, ne souhaitant rencontrer personne. Sans effets spéciaux, Neil Jordan réussit à nous faire croire à son histoire.
Dès lors on peut voir dans ce film un conte de fées réaliste. Et cette idée est d'autant plus enthousiasmante que Neil Jordan décrit une chronique sociale dans une ville pauvre avec un père de famille, ancien alcoolique qui est séparé de sa femme et vit avec sa petite fiille handicapée. L'arrivée d'Ondine ne correspond-elle pas à un formidable coup de pouce du destin ?
En plus d'un scénario pour le moins original, le film de Neil Jordan peut se targuer d'une belle mise en scène avec des plans en contre-plongée quand Ondine chante en mer. Et puis il y a la très belle photo grisâtre de Christopher Doyle (le directeur photo du film) qui accroît le côté réaliste du récit. Le cinéaste met en valeur de superbes paysages irlandais.
Le sérieux du film n'empêche pas certaines digressions comiques comme le coup où Syracuse et Ondine croisent des garde-côtes.
Ondine s'achève par une fin bien ancrée dans la réalité avec une résolution de l'histoire où toute l'intrigue est alors expliquée. On apprend alors qui est réellement Ondine. Et puis il y a une certaine ironie dans tout ça puisque le méchant de l'histoire ne sait pas nager, alors que l'on pensait jusque-là qu'il pouvait s'agir d'un Selkie.
N'omettons pas de signaler qu'Ondine est aussi un beau film romantique avec cette romance entre Syracuse et Ondine, sublimée par une musique toute douce, où l'on entend notamment le groupe local Sigur Ros.
Voilà donc un film à voir tant pour son scénario, sa mise en scène, sa photographie et le jeu de ses acteurs qui s'avère tout à fait intéressant.

Titre du film : Testuo 3 the bullet man
Réalisateur : Shinya Tsukamoto
Durée du film : 71 minutes
Date de sortie du film : inconnue (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Eric Bossick (Anthony), Akiko Monô (Yuriko), Shinya Tsukamoto, etc.
Par Nicofeel

Après son diptyque Tetsuo et Tetsuo 2, Shinya Tsukamoto clôt l'histoire de son célèbre homme transformé. Si le film est bien japonais, il a été tourné en anglais en raison de la provenance de certains capitaux pour le film. Tetsuo 3 bénéficie d'une photo en couleur sépia qui accroît le côté grisâtre de la ville où se situe l'action.
On retrouve Anthony, un pur « salary man » (au milieu d'autres salary man) qui va se transformer progressivement en homme-machine et ce en raison de la colère qui est en lui suite au décès de son fils Tom, écrasé par un homme en voiture. Tetsuo 3 s'appelle Anthony, un prénom bien occidental puisque le rôle est interprété par un acteur occidental.
Dès le générique, l'ambiance du film est posée avec une caméra qui tremble dans tous les sens et une musique puissante, métallique et stridente particulièrement agressive aux oreilles du spectateur. On notera que le thème musical principal de Tetsuo 3 est signé Nine Inch Nails.
La femme d'Anthony, Yuriko, souhaite coûte que coûte que vengeance soit faite. Du coup, Anthony va libérer sa colère et extérioriser ses pulsions. Il va devenir cet homme machine jusqu'à devenir plus un cyborg qu'un homme. Par rapport aux autres Tetsuo, on a droit à beaucoup plus d'explications. Déjà il y a les rapports entre Anthony et son épouse qui donnent lieu à plusieurs discussions. Il y a aussi le projet Tetsuo qui est étayé avec un Anthony qui se demande qui il est. Et puis il y a les dialogues de Tsukamoto lui-même qui joue le rôle du méchant qui a tué Tom et qui incite Tetsuo à se venger.
Pour autant, le personnage joué par Tsukamoto existe-t-il vraiment ? Anthony ne serait-il pas le seul responsable dans cette affaire et ne serait-ce pas une façon pour lui d'éviter la réalité ? On peut légitimement se poser ces questions.
Dans tous les cas, à l'instar des deux autres opus, Tetsuo 3 reste une véritable expérience sensitive. A de nombreux moments, on ne distingue pas grand chose. C'est complètement anarchiste et cela donne l'occasion à Tsukamoto de parler de sujets ô combien sérieux : d'abord il s'en prend à la police qui ne se révèle pas d'une grande finesse ; ensuite il évoque la délicate question du suicide avec un Anthony devenu Tetsuo qui ne peut même pas mettre fin à ses jours. En effet, il est devenu une créature métallique particulièrement résistante.
Même si les thématiques abordées dans le peu de temps que dure le film sont intéressantes, on regrettera tout de même que plusieurs éléments qui ont fait la force des deux autres opus, et principalement du premier Tetsuo, aient disparu : le mélange entre sexe et mort n'est plus vraiment d'actualité ; il y a également moins d'action pure qu'auparavant.
En outre, la fin du film peut laisser quelque peu dubitatif. Comment Tetsuo peut du jour au lendemain redevenir un être humain ? Cela paraît étonnant. Et puis il y a le fait qu'Anthony réussit à fonder une nouvelle famille avec sa femme, en lui faisant un enfant. Tetsuo a certes ravalé sa haine mais cette fin paraît bien apaisée et étrange pour un être qui n'avait plus rien d'humain.
Au regard des éléments évoqués ci-dessus, Tetsuo 3 demeure selon moi une petite déception.

Titre du film : Grace

Réalisateur : Paul Solet

Durée du film : 85 minutes

Date de sortie du film : 4 août 2010

Avec : Jordan Ladd (Madeline Matheson), Gabrielle Rose (Vivian Matheson), Samantha Ferris (Patricia Lang), Stephen Park (Michael Matheson), etc.

Après avoir reçu le prix du jury au festival de Gérardmer 2009, Grace sort enfin sur nos écrans. Il s'agit du premier film de Paul Solet, un film d'horreur qui tourne autour de la maternité.
Le film part d'un synopsis au départ quelconque, avec une jeune femme enceinte de 8 mois, Madeline Matheson (Jordan Ladd) qui a un accident de voiture qui coûte la vie à l'enfant qu'elle porte et à son époux. Pour autant, elle choisit de mener sa grossesse à son terme.
On sent déjà que quelque chose de pas très catholique est en train de se tramer. Et pour cause, le jour de son accouchement, Madeline donne naissance à une fille, Grace (d'où le titre du film) dans une marre de sang. Considérée de prime abord comme mort, cet enfant se met au bout de quelques minutes à hurler comme n'importe quel bébé dans pareille situation. La question est alors de savoir si Madeline n'est pas en train de délirer dans la mesure où elle souhaitait énergiquement avoir cet enfant (après avoir vécu deux fausses couches) ou si, plus étonnamment, l'enfant serait encore en vie.
Comme on est dans un pur film d'horreur, c'est la seconde solution qui s'ouvre au spectateur. Par rapport à sa thématique, le film se rapproche alors quelque peu des films d'horreur bien organiques de David Cronenberg, et principalement de Chromosome 3.

Si le film joue à fond sur l'étrangeté de la vie de ce nourrisson qui fait amener autour de lui de nombreuses mouches (serait-il une sorte de mort-vivant ?), qui suce les mamelons de sa mère jusqu'à la faire saigner, qui boit du sang humain, et distille de f ait une véritable ambiance oppressante (on a droit à un quasi huis-clos avec cette femme qui garde en permanence sa fille dans sa maison), il n'empêche que le film s'étire plus que de raison.
Arrivé aux alentours du milieu du film, on a l'impression qu'il ne se passe plus grand chose de neuf. Il faut dire qu'à l'origine Grace a été pensé comme un court métrage.
Même si le sujet n'est pas la thématique centrale du film, Grace est également intéressant par sa description des rapports entre générations. Dès le début, on voit bien que le courant ne passe pas entre Madeline et sa belle-mère. La situation va même se durcir avec le décès de Michael, l'époux de Madeline.
Les rapports difficiles entre belle-mère et belle-fille ont par ailleurs le mérite de relancer la machine horrifique et ce avec des meurtres bien sanglants. Cela prouve une nouvelle fois que Madeline souhaite coûte que coûte conserver son enfant.
Le film ne serait certainement pas appréciable si l'on n'avait pas l'excellente interprétation de Jordan Ladd qui joue à merveille le rôle de Madeline, cette femme qui perd la boule suite à son accident de voiture et est bien décidée à permettre à sa fille Grace d'évoluer dans notre monde. En revanche, l'interprétation de Michael par Stephen Park est loin d'être au top. L'acteur paraît quelque peu fade dans ce rôle.
Terminons en signalant que la photographie du film est plutôt réussie, la couleur rouge ressortant bien du film et lui donnant un vrai cachet.
Au final, malgré son problème à rester constant dans la durée, Grace demeure un film d'horreur très correct, tant par son ambiance que par l'interprétation de son actrice principale, particulièrement crédible. Eu égard à sa thématique, le film est à déconseiller aux femmes enceintes !

par Nicore

Furieusement imaginatif, ce Nobel son va aussi bien distiller un humour décalé excellent et sarcastique que maîtriser une intrigue vraiment imprévisible et qui va réserver bien des surprises sans jamais décevoir ou rechercher la facilité.
Le script va voir un professeur de chimie acariâtre avoir la surprise de recevoir le prix Nobel de chimie, ce qui inclura une prime de deux millions de dollars, mais hélas pour lui en même temps son fils va se faire kidnapper avec une demande de rançon équivalente à sa prime.

Après une courte séquence d'introduction sadique au cours de laquelle un homme retirant de l'argent à un distributeur automatique va se faire agresser par un inconnu qui va s'acharner pour lui couper un pouce lors d'une séquence assez saignante, le métrage va se lancer dans la présentation de ses personnages principaux, les membres de la famille Michaelson, avec Eli, le père professeur de chimie que nous découvrirons en train de faire l'amour sur son bureau à une de ses étudiantes, Sarah, la mère qui enseignera da criminologie des tueurs en série dans une école de police et Barkley , le fils préparant sa thèse sur le cannibalisme qu'il essayera d'expliquer à un barman lui réclamant de payer ses dettes.

Cette présentation des personnages sera déjà bien savoureuse avec cet humour ironique qui permettra de cerner chacun d'eux de manière souriante, mettant d'entrée le spectateur dans cette ambiance décalée qui va suivre l'intrigue de bout en bout, pour d'abord voir Eli apprendre qu'il a reçu le prix Nobel de chimie pour ses travaux et ainsi nous laisser savourer sa réaction pour le moins surprenante. Mais nous verrons que cela collera bien à cet homme irascible, maniant un humour froid et choquant et n'hésitant à rabaisser ses interlocuteurs en étant sûr de lui et de sa supériorité, ce qui impliquera des dialogues irrésistibles à chacune de ses apparitions.

Cette annonce, qui sera accompagnée par un voyage en Suède pour les Michaelson puisque c'est là qu'Eli doit recevoir son prix des mains de la famille royale du pays, ne va pas empêcher Barkley de se rendre dans une librairie spéciale où des écrivains en herbe récitent leurs textes (pour encore ajouter à l'humour du film avec des tirades énormes), afin d'y retrouver City Hall, une demoiselle qu'il compte bien courtiser et il aura du mal à croire à sa chance puisque tout va fonctionner au mieux pour lui, cette demoiselle bizarre et poète acceptant de parler avec lui et bien plus encore, ce qui laissera le réalisateur profiter de la présence de la charmante Eliza Dushku pour nous gratifier d'une courte scène érotique.

Le lendemain, Barkley aura du mal à abandonner sa conquête de la veille pour rejoindre ses parents et prendre l'avion les emmenant en Suède et il arrivera trop tard chez lui pour en plus tomber sur un inconnu qui va l'assommer, le ligoter et finalement le kidnapper. Ses parents prendront leur avion sans lui et alors que nous découvrirons son agresseur, un jeune homme agissant seul. La demande de rançon va être faite dans la douleur puisque Eli avec son comportement habituel ne croira pas au départ le ravisseur, pensant qu'il s'agit de son fils qui cherche une excuse pour avoir raté l'avion. Il faudra l'envoi d'un pouce coupé probablement à Barkley pour que les parents Michaelson appréhendent lé vérité et abrègent leur séjour en Suède pour rentrer chez eux et avertie la police et notamment l'inspecteur Max Mariner.

A partir de ce moment-là l'intrigue va prendre une tournure foncièrement intéressante et même captivante et puisqu'il va s'avérer que le ravisseur n'est pas un inconnu de la famille Michaelson, lui laissant avancer un passé bien sordide pour Eli et qu'il possède un plan très bien préparé pour récupérer l'argent malgré la présence de policiers évidemment mis sur le coup par les Michaelson. L'intrigue se montrera particulièrement ingénieuse pour mettre en place cette partie centrale du métrage qui ne manquera pas d'étonner à coup sûr tout en faisant toujours preuve de cet humour incroyable avant de retourner une fois encore le spectateur par un dernier acte encore plus inattendu, remarquablement bien trouvé qui mettra en évidence les rouages d'un plan global terriblement machiavélique.

Le métrage pourra donc compter sur son intrigue pour captiver et impliquer le spectateur qui se posera constamment des questions sur l'orientation des événements à venir sans jamais pouvoir espérer anticiper les actions des protagonistes ou même comprendre avant l'heure ce plan diabolique fomenté par une âme en peine qui va trouver là l'occasion de racheter les fautes de certains tout en remontant un passé peu glorieux. Et même lorsque les choses vont sembler se clarifier, ce sera pour à nouveau désorienter par de nombreux rebondissements imprévus pour un jeu qui va perdurer jusqu'au final qui bouclera la boucle de manière renversante.

Mais au-delà de l'inventivité de cette intrigue, son déroulement sera rendu irrésistible par cet humour omniprésent qui, loin de parasiter les débats, va au contraire se greffer à l'ensemble de manière cohérente (le père Noël automatique et le détournement extrêmement immoral, par exemple) et en allant même jusqu'à revendiquer certains aspects des développements des événements, en misant aussi bien sur un comique dérivé des situations elles-mêmes pour parfois même venir cueillir le spectateur à froid, que sur les personnalités des différents personnages qui tous sans exceptions seront décalés et aussi attachants pour certains que complètement névrosés et joyeusement détestables, en particulier ce Eli qui sera aussi délicieusement désagréable qu'incroyablement acariâtre dans ses réparties.

Et heureusement l'interprétation sera largement à la hauteur des enjeux du film grâce à des acteurs inspirés, impliqués et qui vont donner vie à ces protagonsites impayables avec justesse, tel Alan Rickman pour jouer ce Eli avec brio, ou encore Eliza Dushku qui va camper une jeune poète jubilatoire dans son délire incompréhensible, et tandis que même s$les seconds rôles seront excellents, tel Danny DeVito qui va interpréter un locataire des Michaelson complètement frappé dans un délire tout simplement énorme. La mise en scène du réalisateur Randall Miller sera foncièrement adaptée pour donner du rythme au métrage et utilisera ses effets avec parcimonie et justesse.

Donc, ce Nobel son parviendra à surprendre et à passionner grâce à son intrigue tortueuse mais jamais fastidieuse, bien au contraire puisque son traitement la rendra aussi savoureuse que jubilatoire avec la présence d'un humour décalé impayable !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur les éditions DVD et Blu-ray du film éditées par Emylia, une présentation est disponible ici !

par Nicore

Thriller diablement réussi avec son intrigue machiavélique et son interprétation probante composée entre autres de Alan Rickman, Bill Pullman, Danny De Vito ou encore Eliza Dushku, ce Nobel son n'aura pas eu la chance de connaître une sortie en salles chez nous et donc c'est grâce à l'éditeur Emylia que nous allons avoir la chance de découvrir ce film diabolique en DVD et en Blu-ray à partir du 17 août.

Le script va prendre place alors qu'Eli Michaelson s'apprête à recevoir son prix Nobel de Chimie, il doit faire face à l'enlèvement de son fils, Barkley. Seule condition à sa libération, le versement d'une rançon d'un montant de 2 millions de dollars, somme qui correspond à la prime que devrait recevoir le chimiste.

Le film pourra donc aussi bien compter sur son intrigue diabolique et surprenante qui ne sera jamais anticipable dans ses orientations imprévues et terribles, que sur un humour décalé irrésistible va venir se mêler aux situations déjà bien allumées et imaginatives pour nous faire découvrir des protagonistes bien barrées aux réactions infernales au sein de ce plan tortueux qui va se refermer et se dresser contre certains protagonistes, mais pas forcément comme on pourrait s'y attendre.

L'édition DVD du film proposera une image en 2.36 (16/9 anamorphique) tandis que la bande-son sera disponible en français et en anglais en DD5.1 et en DTS. Au niveau des bonus, on pourra parcourir quelques scènes supprimées pourtant intéressantes ainsi qu'un sympathique et complet making-of que l'éditeur aura cette fois-ci eu l'excellente idée de sous-titrer en français. Le Blu-ray avancera quant à lui le film avec une image également en 2.35 (AVC 1080p/24) pour une bande-son en français et en anglais sous-titré français en DTS-HD5.1., et tout en reprenant bien entendu les mêmes bonus.

Donc, il va falloir patienter jusqu'au 17 août pour pouvoir découvrir l'inventivité savoureuse de ce thriller croustillant et irrésistible qui méritera largement de se faire connaître au plus grand nombre !

Nobel son


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Titre du film : Détour

Réalisateur : Sylvain Guy

Durée du film : 97 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Luc Picard (Léo Huff), Isabelle Guérard (Lou), Guillaume Lemay-Thivierge (Roch), Suzanne Champagne (Maryse Huff), Sylvie Boucher (Lyne Ventura), etc.

Par Nicofeel

Fan de films noirs, Détour est un moyen pour le cinéaste québécois Sylvain Guy de rendre hommage à un genre qu'il apprécie. Si le film est dans l'ensemble plutôt bien joué et bien rythmé, on pourra lui reprocher une trame relativement classique et un scénario bien prévisible.
Dans le rôle de la femme fatale, il y a la belle brune, Lou, que l'on sent dès le départ animée de mauvaises intentions. Léo Huff, le principal protagoniste, va directement tomber dans ses filets. Il faut dire que cet homme marié, qui dispose d'une bonne situation sur le plan professionnel, est marié mais sa femme n'a pas l'aspect sexy de la belle Lou. Avec Lou, Léo Huff croît qu'il va atteindre le paradis mais le déroulement du film va au contraire l'amener à s'enfoncer de plus en plus vers l'enfer.
Il faut dire que Léo Huff est loin d'être au dessus de tout soupçon. Dans le cadre de son travail, il n'hésite pas à payer des pots-de-vin à des élus locaux pour remporter des projets de grande envergure. Côté vie privée, Léo Huff aime sa femme mais il s'agit d'un amour mesuré où le poids des années l'a visiblement rendu beaucoup moins amoureux. Une fois que Lou arrive dans sa vie, il l'oublie bien vite, jusqu'à la faire disparaître. Notre anti-héros a beau être amoureux d'une belle inconnue, cela n'explique pas ses gestes qui pour l'occasion sont répréhensibles, notamment sur le plan de la morale.
Comment notre Léo Huff à la vie bien rangée a-t-il pu en arriver jusque là ? Eh bien tout simplement par le fait qu'il est irrésistiblement attiré par Lou qui se montre tout à la fois sympathique et sexy. Elle attise chez lui un désir qui était jusqu'à présent éteint. Lou fait bien évidemment tout pour se mettre dans la poche Léo pour qu'il ne puisse plus penser à quelqu'un d'autre qu'elle. Ce stratagème fonctionne parfaitement puisque Léo Huff ne répond ni aux appels de sa patronne, madame Ventura, que de sa femme.
Lou a réussi son coup. En prenant la main de Léo, en faisant l'amour avec lui, ce dernier devient accro et ne peut plus se passer d'elle. Il est prêt à tout lâcher pour se retrouver avec elle.
Si le film respecte parfaitement les codes du film, on regrettera tout de même une phase d'exposition des personnages qui s'avère un peu longue. Et ce d'autant plus que certains personnages sont tout de même pas loin d'être caricaturaux, à l'image de l'ami de Lou, le « bucheron » Rock, qui en fait des tonnes et est là pour faire chanter notre Léo.
Les événements suivants, même s'ils sont sans surprise, marquent de manière effective la descente aux enfers de notre personnage principal. Pour libérer sa belle qui a été faite prisonnière de Rock (tiens, tiens, voilà un élément qui pourrait mettre la puce à l'oreille de Léo tellement c'est gros mais il est amoureux et comme on dit l'amour rend aveugle), Léo va tuer Rock. Léo est à la dérive mais il ne s'en rend pas compte. Sur le plan privé, il quitte sa femme après 22 ans de vie commune (avant de revenir ensuite très provisoirement). Sur le plan professionnel, il démissionne. Rien ne va plus et les choses ne vont pas en s'arrangeant.
La fin du film est parfaitement logique dans la veine des films noirs des années 40 et 50. On appréciera d'autant plus cette fin qu'elle répond d'une part à une logique sur le plan moral (on doit payer pour ses actes commis) et que d'autre part on on a droit au début et à la fin du film à des scènes qui se répondent ; le film ayant d'ailleurs une trame narrative qui s'inspire largement du célèbre Sunset boulevard de Billy Wilder.
Au final, Détour est un film néo-noir (selon les propres termes de son auteur) qui fait plaisir à voir. Même si le début est un brin longuet, le film bénéficie d'un bon rythme et est tout à fait plaisant à regarder. A défaut d'être géniaux, les acteurs sont plutôt bons dans leurs rôles respectifs. En tant que spectateur, on notera la difficulté de comprendre tout ce qui se dit, car plusieurs mots sont très différents du français que l'on connaît. Hommage au film noir dans sa globalité, Détour aurait mérité d'être un peu moins référentiel par rapport au genre et se distancier un peu plus de ce dernier avec des éléments scénaristiques moins prévisibles. Cela n'entache pas cependant le plaisir de voir ce film qui est globalement bien ficelé.

Titre du film : Räuberinnen

Réalisatrice : Carla Lia Monti

Durée du film : 80 minutes

Date de sortie du film : inconnue (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Nina Buehlmann (Emily), Myriam Muller (Trizi), Nils Althaus (Josef), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par la jeune cinéaste suisse Carla Lia Monti, Räuberinnen est un film féministe bricolé avec peu de moyens. Le film a été présenté au festival du film fantastique de Neuchâtel en 2010 où se trouvait également sa cinéaste qui a évoqué son film.
Par son aspect conte et notamment l'histoire d'amour entre deux jeunes gens, la très belle Emily et Josef, le film rappelle un certain Princess bride de Rob Reiner. Mais il ne faut pas s'y tromper. Si Princess bride est un conte mignon et parodique, ici tout est volontairement exagéré et trash.
Dès le début, le ton est donné avec un roi ( son excellence) qui a une tétine à la bouche et qui veut absolument une blonde. On se rend compte assez rapidement que c'est un être libidineux. Dans une autre scène, on voit ce personnage en train de se branler avec un nounours. Il y a aussi ce moment où une femme lèche le doigt de pied du roi. Évidemment, la cinéaste critique le régime totalitaire qu'a instauré et la perversité sexuelle de ce dernier. C'est donc sans surprise que l'on voit à un moment la belle Emily arracher le pénis du roi, lequel réussit à le remettre ensuite.
Les autres personnages du château ne sont guère plus raisonnables que le roi. Il y a par exemple cette femme qui se flagelle et utilise en même temps un god. Les références ou allusions sexuelles sont nombreuses dans le film et c'est d'ailleurs une façon pour la cinéaste de mieux tordre le cou à certains modes de vie.
Dans un mode qui rappelle les Monty Python, Carla Lia Monti mélange les époques. On a ainsi le serviteur noir ultra barraqué qui est au service du roi et n'arrête pas de faire du vélo d'appartement. Plus proche de nous au niveau de l'actualité, le film évoque explicitement la crise des sub-primes aux Etats-Unis.
Le mélange des époques n'est pas la seule curiosité du film. On a aussi droit au mélange des genres. Si le genre comédie est omniprésent, on rira d'autant plus en assistant les nombreuses séquences chantées du film. Dès les premières minutes du film, on voit Josef qui chante en allemand (forcément, vu l'origine du film) pour Emily, une blonde très mignonne, et l'on voit des marguerites partout. A un autre moment, Josef, avec les accoutrements du rocker, se met à nouveau à chanter pour Emily alors que l'on a comme fond de fausses étoiles. Il y a un côté kitsch qui est évident et assumé. Plus loin dans le film, Emily et sa collègue Trizi, devenues des voleuses (signification de Räuberinnen), s'offrent alors une scène complètement atypique avec une sorte de danse country en pleine nuit.
On comprend bien que tout cela est complètement décomplexé et n'a d'autre but que de divertir. D'ailleurs, le film se termine dans une ambiance fun avec des feux d'artifice à la clé.
Situé entre une production seduction cinéma (pour le côté érotique puisque l'on voit quelques seins et les allusions sexuelles sont bien présentes) et du Monty Python (pour le côté complètement décalé des scènes, et notamment l'anachronisme assumé), Räuberinnen est une sorte de conte complètement décalé. C'est aussi un film évidemment féministe puisque ses héroïnes s'attaquent sans ambages à la perversité des hommes. De manière plus générale, le film est une curiosité sympathique qui plaira aux amateurs de films décalés.
On regrettera simplement le manque de cohérence de l'ensemble, le film partant un peu dans tous les sens, même si tout est fait pour distraire le spectateur.

par Nicore

Nous venant de Suède, ce Madness va, malgré le manque d'originalité de son intrigue, pousser le bouchon assez loin dans la violence sanglante et même perverse, retrouvant ainsi la flamme dévastatrice et gore qui anime un certain type de productions indépendantes américaines.
Le script va laisser un petit groupe de quatre personnes être la cible d'un clan de dégénérés violents et meurtriers.

Le métrage commencera de la meilleure des façons en arrivant dans sa séquence introductive à choquer en nous laissant découvrir une jeune femme enceinte attachée dans une grange crasseuse où un homme (que nous ne verrons que brièvement mais qui sera tout de suite identifié comme étant un ravisseur) va bientôt la rejoindre mais la victime va réussir à s'enfuir, lançant une brève course-poursuite qui s'achèvera de manière terrible, graphique et sanglante, laissant au spectateur ensuite le temps de se remettre lors d'un générique qui se conclura lui aussi par une surprise graphique plutôt souriante.

Ensuite, l'intrigue ne va pas trop traîner pour nous présenter ses personnages principaux, Tara et Jenna, deux pom-pom girls en route pour un concours et qui vont lors d'un arrêt dans une station-service rencontrer deux jeunes hommes, Chad et Oliver, qui, étant en panne de voiture, vont embarquer avec les filles. Malgré un petit côté stéréotypé, cette présentation des protagonistes sera assez plaisante et surtout ne cherchera pas à mettre en place un quelconque humour stupide hélas souvent mis en avant dans le genre. La première alerte aura d'ailleurs lieu à la station-service puisqu'un pick-up noir va s'arrêter près des jeunes et laisser vrombir le moteur avant de repartir, tout en nous laissant apercevoir le conducteur, un homme crasseux dont le visage sera caché par un foulard.

L'attente ne sera pas longue pour que le pick-up revienne harceler le quatuor et lancer un animal mort sur le pare-brise de leur voiture, les poussant à l'accident puisque le véhicule va aller heurter le remblai sur le bas-côté de la route en s'immobilisant définitivement. Forcés de continuer leur chemin à pied, le petit groupe va se croire sauvé lorsqu'une autre voiture va surgir et les prendre à son bord, mais bien entendu, il ne s'agira que d'un complice de l'homme au pick-up à qui il va bientôt donner rendez-vous dans un petit chemin pour pouvoir emmener leurs victimes dans leur baraque isolée. Seule fausse note dans leur plan, Chad aura pris son courage à deux mains pour sauter de la voiture en marche et ainsi fausser compagnie à leurs ravisseurs.

Les trois autres personnages vont donc être conduits jusqu'à cette maison isolée où Oliver sera séparé des filles et mené dans un hangar pour y subir les derniers outrages de la part de l'un des ravisseurs lors d'une séquence quand même quelque peu dérangeante, tandis que les demoiselles seront attachées au sol. Pendant ce temps-là Chad aura eu affaire à un autre membre de ce clan de dégénérés pour un combat certes quelque peu mollasson mais déjà méchant, et donc, il va pouvoir espérer porter secours à ses amis retenus prisonniers, laissant alors l'intrigue accumuler des rebondissements sauvages et meurtriers qui ne vont épargner personne dans chaque camp, pour ainsi faire preuve d'une barbarie jouissive et gore du plus bel effet.

En effet, les membres de cette famille vont faire preuve d'une belle brutalité lorsqu'il s'agira de calmer et de secouer leurs victimes, tout en avançant des armes multiples et parfois même originales pour combattre et tuer, mais ce sera aussi leur look très graphique qui retiendra l'attention, leur crasse et leur aspect nauséabond et purulent étant ici poussé à l'extrême, et tandis que le métrage va aussi mettre en avant le caractère répétitif et de masse de leurs exactions, avec par exemple cette séquence dérangeante et parfaitement mise en scène au cours de laquelle ils vont ramasser de nombreux corps pour aller les jeter dans un lac voisin.

Alors bien sûr l'intrigue globale ne présentera que peu de surprises sur le fond et laissera les victimes s'évader de manière récurrente pour lancer de fait des courses-poursuites toujours haletantes et se terminant de manière violente et barbare mais on pourra largement apprécier la manière dont les réalisateurs (puisqu'ils seront au nombre de trois à avoir peaufiné le métrage) vont donner de l'ampleur dramatique à chacune des mises à mort des personnages principaux, sans forcément verser dans une outrance gore ou une sauvagerie qui sera plutôt réservée aux affrontements, mais en arrivant à jouer sur la sensibilité pour presque bouleverser par ces décès ignobles.

En plus le métrage va nous gratifier d'un dernier acte encore plus brutal lorsque les deux derniers survivants vont devoir affronter les survivants de cette famille dans une maison désaffectée en piteux état pour aller encore plus loin dans la violence jusqu'au-boutiste et faire passer un sal quart d'heure à certains personnages, avec en plus des détails gores qui ne seront pas dénaturés par quelques inserts numériques discrets. On pourra noter également une certaine volonté des auteurs de rendre hommage à une certaine époque en ne plaçant pas l'intrigue de nos jours mais dans les années quatre-vingt-dix, ce qui va donner un certain cachet à l'ensemble, même si cela se fera oublier par le suite pour laisser place au déferlement de violence hystérique à venir.

L'interprétation sera ici cohérente mais montrera sporadiquement quelques faiblesses heureusement guère préjudiciables notamment au niveau du jeu de certains acteurs pas forcément inspirés dans leurs mimiques, tandis que la mise en scène du trio de réalisateurs sera plutôt efficace, avec un rythme soutenu tout au long du film et en plaçant quelques effets dans les cadrages pour renforcer l'impact des temps forts. Les effets spéciaux sanglants du métrages ont foncièrement probants sans pour autant toujours verser dans la surenchère gore et ainsi laisser une violence plus sèche et brutale venir cueillir le spectateur.

Donc, ce Madness s'avérera être une bonne surprise, brutale et méchante venue du Nord qui parviendra à dépasser l'aspect classique de son intrigue par une volonté de choquer et de se montrer violent franchement jouissive et confirmant ainsi la bonne santé du cinéma de genre nordique en pleine effervescence !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur l'édition française du film proposée par Emylia, une présentation est disponible ici !

Titre du film : Millénium 3 : La reine dans le palais des courants d'air

Réalisateur : Daniel Alfredson

Durée du film : 147 minutes

Date de sortie du film : 28 juillet 2010

Avec : Michael Nyqvist (Michael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander), Lena Endre (Erika Berger), Annika Hallin (Annika Gianini), Anders Ahlbom (docteur Peter Teleborian), Georgi Staykov (Alexander Zalachenko), etc.

Par Nicofeel

Réalisé comme le second opus de cette trilogie par Daniel Alfredson, Millénium 3 : La reine dans le palais des courants d'air clôt l'adaptation au cinéma de la trilogie culte de Stieg Larsson.
D'ailleurs, comme le précédent film, Millénium 3 a plus été pensé comme un film télévisé que pour un film dédié au cinéma. Ainsi, la mise en scène se limite bien souvent à des champs et contre champs, il y a de nombreuses coupes et la photographie est beaucoup moins soignée que dans Millenium premier du nom.
Il faut dire que la durée important de ce long métrage ne se prête pas forcément pas un passage dans les salles obscures.
Pourtant, à mon sens, Millénium 3, qui respecte bien l’œuvre originale, s'avère être un très bon opus, peut-être le meilleur sur le plan scénaristique. Alors que Millénium a joué à fond la carte du thriller, que Millénium 2 s'est intéressé à l'histoire de Lisbeth, Millénium 3 va cette fois avoir une vision beaucoup plus globale. Si le destin de Lisbeth continue d'être en jeu, c'est bien le fait de démasquer un groupe occulte des services secrets qui est prédominant.
Bien qu'étant de loin le film le plus long de la trilogie, Millénium 3 n'ennuie jamais et cela en raison d'une intrigue passionnante qui se renouvelle sans cesse.
Le rédacteur du Millenium, Michael Nyqvist va désormais tout faire pour prouver l'innocence de Lisbeth Salander et même aller jusqu'à montrer qu'elle a été victime plus jeune d'un internement clinique parfaitement injustifiée ; l'affaire ayant été étouffée par les services secrets de l'époque. Désormais, Michael Nyqvist est aidé par les services actuels de la sécurité intérieure.
Si l'affaire qui se joue sous nos yeux est intéressante par ses multiples acteurs et par ses multiples implications dans le milieu politique, judiciaire ou encore hospitalier, il n'empêche que l'absence de lecture de l'oeuvre originale rend parfois difficile la compréhension de l'ensemble. D'autant que les protagonistes ayant des noms suédois, cela n'est pas aussi évident de faire les rapprochements que dans un thriller américain.

Toujours est-il que l'on se passionne pour les divers éléments qui nous sont progressivement dévoilés, permettant au spectateur de comprendre les tenants et aboutissants de cette histoire, notamment les raisons pour lesquelles ce groupuscule a cherché à supprimer Lisbeth Salander et son père. L'affaire qui nous est raconté paraît crédible et on imagine que l'histoire de cet espion russe qui a commis des trafics d'armes ou des trafics de drogue mais a été couvert de ses agissements, demeure possible. C'est donc d'autant plus appréciable d'en savoir plus sur cette police secrète désignée comme la section.
Si Lisbeth Salander n'est pas forcément dans cet opus la personne que l'on voit le plus, il n'empêche qu'on continue d'en apprendre plus sur elle, et principalement lors d'un jugement ô combien important où la vérité va enfin éclater. Désormais, le procureur qui se sera laisser guidé va devoir faire valoir son point de vue. Surtout, le docteur Teleborian va voir ses évaluations psychiques bidons de Lisbeth remis en cause.
Le cinéaste a d'ailleurs la très bonne idée de mettre en parallèle l'enquête relative à la « section » qui touche enfin à sa fin et le procès où le docteur Teleborian est clairement mis en cause.
Une autre bonne idée scénaristique (qui en tout état de cause reprend l'idée du roman) est de ne pas terminer par les conclusions du jugement. Non, malgré la durée déjà relativement élevée du film, Daniel, Alfredson propose à nouveau de relancer l'intrigue dans une sorte de thriller où Lisbeth retrouve une place centrale.
Au final, Millénium 3 n'est pas certes pas aussi brillant sur le plan de la mise en scène que le premier opus de la trilogie mais il faut bien reconnaître que son intrigue est très riche sur divers aspects et que la trilogie se clôt de manière tout à fait convaincante. Les excellents acteurs du film, et en tête Noomi Rapace, Michael Nyqvist, et Annika Hallin, sont sans conteste responsables du succès de ce film. La trilogie « best seller » de Stieg Larsson a bénéficié d'adaptations sérieuses. Le seul reproche que l'on pourrait faire est que les deux derniers opus ont bénéficié de budgets moindres par rapport au premier, ce qui est dommage dans le sens où Millénium premier du nom avait rapporté 80 millions de dollars dans le monde, ce qui est une somme non négligeable pour un thriller made in Suède.

par Nicore

Le cinéma de genre nordique est depuis quelques temps en pleine effervescence pour ne pas arrêter de nous étonner et ce Madness, film indépendant suédois va confirmer cette bonne tenue avec certes une intrigue guère originale mais le métrage versera dans une violence sèche souvent teintée de gore pour ainsi retrouver un jusqu'auboutisme cher aux années soixante-dix, et c'est grâce à l'éditeur Emylia que nous allons à partir du 17 août prochain découvrir cette œuvre sauvage et barbare.

Le script va suivre Jenna et Tara, deux demoiselles en route pour un concours de "Pom-pom girls". A une station essence elles décident d’aider deux garçons dont la voiture est tombée en panne. Ce que les jeunes ignorent c’est qu’ils sont poursuivis par un groupe de fous dont l’unique plaisir est de tuer. Après avoir été kidnappés et enfermés, leur survie est la seule chose qui compte... Jusqu’où seront-ils prêts à aller ?

Alors bien entendu le métrage adoptera une intrigue classique confrontant ces quatre jeunes (heureusement pas franchement stéréotypés et débarrassés de tout humour ridicule) à cette famille de dégénérés meurtriers, mais le métrage prendra un malin plaisir à verser dans la violence froide et sanglante, pour en plus se montrer régulièrement pervers et choquant, comme lors de cette séquence d'introduction appelée à rester dans les mémoires. Et si les rebondissements pourront sembler parfois bien opportuns avec des victimes arrivant trop souvent à s'échapper, ce sera pour lancer des courses-poursuites haletantes qui se termineront souvent de manière graphique. Le film pourra aussi compter sur ces dégénérés au look particulièrement démonstratif pour achever d'embarquer son spectateur dans un tourbillon de sauvagerie encore amplifié par la bonne tenue de la mise en scène qui arrivera à donner de l'intensité aux temps forts dramatiques.

Le DVD de zone 2 édité par Emylia avancera une image en 1.85 (16/9 anamorphique), tandis que la bande-son sera proposé en anglais sous-titré en français en DD5.1 et en DTS. Au niveau des bonus, outre un petit diaporama sympathique, on pourra suivre un excellent court-métrage.

Donc, il ne nous reste plus qu'à patienter jusqu'au 17 août prochain pour pouvoir se plonger dans cette furie sanglante et barbare que nous offre l'éditeur Emylia, toujours là pour nous dénicher des inédits incisifs !

Madness


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par Nicore

Après deux mois quand même décevants, les éditeurs semblent s'être quelque peu réveillés au cours de ce mois de juillet qui vient de s'achever pour, en plus de continuer à sortir des versions Blu-ray des films de leurs catalogues respectifs et de ressortir des titres déjà disponibles par le passé, avoir mis en vente un nombre certain de titres alléchants avec notamment des inédits franchement alléchants !

Au niveau des éditions en Blu-ray, 20th Century Fox aura fourni un travail consistant sur son catalogue en proposant des éditions duo Blu-ray plus DVD des deux Predator mais aussi des décevants crossovers Alien Vs Predator et Alien Vs Predator : Requiem, mais aussi par exemple le Phénomènes de M. Night Shyamalan. Mais ce ne sera pas le seul éditeur a avoir profité de l'été pour convertir une partie de ses éditions en Blu-ray puisque Elephant Films aura fait de même avec Gruesome, Swarm, des fourmis dans l'avion, L'ordre du loup, La secte ou encore La cité des zombies. Mais l'éditeur nous aura également proposé quelques inédits avec un très moyen Gonger, la malédiction, une nouvelle aventure du "Leprechaun" avec Leprechaun, le retour de l'elfe guerrier et une amusante parodie horrifique de la téléréalité avec Killer movie. Enfin France Télévisions aura également doté le sympathique Inside (sorti en DVD en février dernier) d'une édition en Blu-ray.

Pour ce qui concerne les ressorties uniquement en DVD, on pourra signaler une seconde édition de Meatball machine chez WE Productions, tandis qu'Opening offrira une seconde chance à deux de ses titres mineurs, Constrictor et à Cerberus, tout en étant bien plus inspiré pour éditer les inédits Septième lune et son couple d'américains confrontés à des fantômes chinois issus d'une légende et le très réussi Plague town, critiqué ici dans son édition en zone 1.

Parmi les sorties attendues de films ayant eu la chance de passer par la case "salles obscures" chez nous, Metropolitan aura mis à notre disposition des éditions DVD et Blu-ray du sympathique Daybreakers des frères Spierig, déjà auteurs d'un Undead qui ne faisait qu'amorcer leur talent qui se révélera véritablement ici, Universal aura misé sur son Wolfman flirtant avec le classique et enfin TF1 Vidéo aura édité la français La horde et son démastiquage de zombies.

Passons aux inédits maintenant, avec Emylia qui continue à nous dénicher des petits titres sympathiques, avec pour ce mois de juillet Blood snow, dont les éditions ont été présentées ici et le film critiqué là, Optimale s'aventurera dans les terres fantastiques pour sortir un Cthulhu bien entendu inspiré par les écrits d'H.P. Lovecraft, en espérant que, pour une fois que l'écrivain de Providence est adapté, le film ne soit pas trop parasité par cette histoire homosexuelle, tandis que Paramount se sera intéressé au Cas 39, nouveau film de Christian Alvart, le réalisateur allemand de Antibodies et de Pandorum. Et plus anecdotique, l'éditeur/ distributeur Zylo aura osé sortir Sand serpents qui lorgnera fortement vers la saga des Tremors.

Enfin, l'éditeur qui se sera distingué ce mois-ci sera incontestablement CTV avec d'un côté The collector, qui lorgnera aussi bien du côté des Saw que du "giallo" ou du "slasher" avec une violence franche, et de l'autre côté le très sympathique, souriant et attachant Doghouse de Jake West, critiqué dans son édition anglaise ici, en attendant pourquoi pas que l'éditeur (ou un autre, hein !) se penche enfin sur le délirant et gore Evil aliens du même réalisateur.

Donc, comme on peut le voir, ce mois de juillet aura été globalement bien fourni, redressant ainsi la barre, et le rendez-vous est déjà pris pour voir si ce mois d'août estival aura confirmé cette vigueur retrouvé des éditeurs, avec déjà quelques bonne surprises annoncées et largement attendues (cf Mandy Lane).

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Leprechaun : Le retour de l'elfe guerrier


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Killer Movie


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Constrictor


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The Collector


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Doghouse


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Réalisateur : Dong-Hun Choi

Durée du film : 135 minutes

Date de sortie du film : non prévue à l'heure actuelle (film diffusé au NIFFF 2010).

Par Nicofeel

Réalisé en 2009 par le sud-coréen Dong-Hun Choi, Woochie (de son titre international Jeon Woochie : the taoist wizard) est un film mélangeant action, fantastique (héroic-fantasy) et comédie, voire burlesque (le personnage du chien). Le film traite d'un mythe taoïste avec une flûte (genre de macguffin hitchcockien) que tout le monde recherche sans que l'on sache vraiment pourquoi au final. Et d'ailleurs l'histoire du film ne le dira jamais.
Le héros du film est un sorcier, Woochie, qui, aidé de son fidèle (c'est le cas de le dire) compagnon va tenter de sauver l'humanité. Il va devoir combattre des gobelins et un sorcier dissident ayant décidé de se ranger du côté du mal.
Très dynamique, le film passe très bien pour le spectateur malgré sa durée de 2h15. Il faut dire que Woochie joue clairement la carte du film populaire. D'autant qu'il y a une première partie qui se passe au Moyen Age puis 5 siècles plus tard, à notre époque actuelle où Woochie se retrouve complètement désorienté. Il y a clairement un côté très Visiteurs avec ce personnage qui découvre un nouveau monde : les tours ont remplacé les habitations sommaires en bois, il n'y a plus de cheval (le collègue de Woochie étant par moments transformé dans la première partie en cheval) mais des voitures, etc. Cela donne lieu à plusieurs séquences extrêmement drôles avec ce Woochie qui paraît complètement paumé et a bien du mal à se faire aux habitudes de ce pays qui est le sien mais qui a fondamentalement changé au fil des siècles.
Le cinéaste Dong-Hun Choi a bien réussi le passage d'une époque à une autre en ayant eu la bonne idée d'inscrire par moments les personnages dans des gravures où ils entrent et ne ressortent que 500 ans plus tard (côté fun pour les 500 ans). Cela fait penser à un passage dans une autre dimension, comme lors du combat final.
Le film ne se gêne pas d'ailleurs de donner un vrai côté fun au film. De ce point de vue, la relation de Woochie avec son fidèle serviteur qui prend souvent les traits d'un cheval ou d'un chien est vraiment très drôle. Délibérément, ce personnage secondaire est représenté comme quelqu'un d'un peu idiot et assez peu fin, même s'il aide plusieurs fois Woochie. On notera au passage qu'à un moment il trahit son maître une fois pour devenir un humain (une humaine en fait !).
Toutes ces histoires de transformation ou de réincarnation paraissent bien étranges aux yeux du spectateur occidental mais il faut bien voir que cela reste quelque chose de typique dans la culture orientale. Au demeurant, le film mentionne à de nombreuses reprises la religion taoïste où chaque chose aurait une âme (on reproche d'ailleurs à Woochie qu'il n'ait pas d'âme et qu'il doive avoir recours à des talismans en papier). Et puis le taoïsme est évoqué également indirectement par la réincarnation supposée de certaines personnes : on peut par exemple penser que la jeune veuve s'est réincarnée en femme à tout faire pour l'actrice (délibérément choisie comme insupportable) ; la relation qui la lie à Woochie qui ne cesse de la chercher et même de la sauver par moments. Est-elle le dieu arc qui se serait réincarnée en elle pour sauver Woochie ? On ne sait pas. On signalera également que le combat final donne lieu à quelques twists assez bienvenus (dans le côté notamment fantaisiste du film) et un rappel évident au taoïsme par l'utilisation des ces élémentaux d'air, de feu et d'eau.
Très agréable dans l'ensemble, Woochie n'est pas pour autant un film exempt de tout reproche. D'abord, il faut bien reconnaître que le film est amusant mais qu'il n'a pas vraiment d'autre but que de divertir le spectateur. On est loin d'avoir affaire à un film d'auteur.
Surtout, on regrettera un abus d'effets de synthèse par toujours très réussis, notamment lors de l'apparition des gobelins. Cela donne une désagréable sensation de décalage par rapport au film et cela amoindrit l'intérêt de ce long métrage. Mais bon, on peut se douter que le ratage de certains effets est dû au faible montant alloué à ce film.
Et puis c'est le seul vrai défaut qui n'handicape pas spécialement ce film sans prétention. On prend plaisir à voir ce film qui ne demande pas beaucoup de concentration pour être vu.
Il faut dire qu'avec des acteurs qui jouent tous la carte de l'humour et prennent particulièrement à coeur leurs rôles, quitte à sur-jouer par instants, on a le temps de rigoler et on ne voit pas le temps passer.
La boucle du film se referme d'ailleurs avec une fin qui rappelle sans conteste le début du film avec la fameuse plage où l'on voit un océan très net.
Au final, Woochie est à prendre pour ce qu'il est : un pur film de divertissement qui n'est là que pour amuser le spectateur. Un budget un peu plus conséquent aura permis d'éviter des effets visuels parfois à la limite du ridicule, notamment par la création des monstres de ce long métrage. Woochie est le film parfait à voir si on n'a pas envie de se prendre la tête mais si on a uniquement envie de se détendre.

Titre du film : The inhabited island

Réalisateur : Fyodor Bondarchuk

Durée du film : 115 minutes

Date de sortie du film : non prévue à l'heure actuelle (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Vasily Stepanov (Maxim Kamerrer), Pyotr Fyodorov (Gai Gaal), Yuliya Snigir (Rada Gaal), etc.

Par Nicofeel

Sorti fin 2008 en Russie, The inhabited island est un film du cinéaste Fyodor Bondarchuk, où il adapte le roman des frères Strougatski. En quelques années, on a donc l'occasion de voir une fois de plus un film de genre russe, après la saga des Night watch (2004) et Day watch (2006). Ici, on est dans un pur film de science-fiction avec une action qui se situe en 2157. Les humains se sont alors développés sur de nombreuses planètes et ont fait disparaître les notions de guerre ou encore de famine. Maxim Kamerrer, un cosmonaute, dont le vaisseau a été touché par une météorite, s'écrase sur une planète lointaine, Sarkash. Le scénario de base rappelle quelque peu La planète des singes de Pierre Boule. Mais la suite va plutôt faire penser à Dune de Frank Herbert. En effet, sur cette planète, une guerre nucléaire a engendré une crise environnementale et sociale.
Il y a d'un côté le peuple qui vit dans une belle cité ultra-moderne et de l'autre côté des gens qui ont été manifestement contaminés par les dommages collatéraux de la guerre nucléaire, nommés les dégénérés. Cette planète a à sa tête cinq gouverneurs dits les pères inconnus qui ont la capacité de manipuler la conscience des habitants.
Sur le plan scénaristique, The inhabited island se révèle plutôt intéressant en développant des thématiques diverses tels que l'asservissement, la volonté de pouvoir, le lien entre politique et finance. Ce n'est certainement pas un hasard si ces thèmes sont développés par un cinéaste russe. Il demeure assez évident que les éléments qu'il développe ne sont pas sans rappeler les heures sombres de la Russie voire même certains éléments actuels. On s'intéresse donc d'autant plus à ce film qui montre des financiers corrompus, des politiques avides de pouvoir, un peuple qui est nourri par une propagande mensongère. Pendant que des dégénérés sont tués, le peuple ne pense pas à autre chose. A ce peuple on lui croire des choses sur l'existence de l'univers qui se révèlent inexactes ou encore sur les raisons de l'implantation des tours.

Le film bénéficie également d'une très belle photographie qui donne un effet très classe à l'ensemble. Une des raisons de la réussite du film sur le plan visuel tient à la multitude d'effets spéciaux que contient le film. Le film est beau à regarder, notamment lors des scènes nocturnes.
Voilà pour les qualités du film. Celui-ci n'est pas pour autant exempt de défauts, loin s'en faut. D'abord, le rôle principal du film tenu par Vasily Stepanov n'est pas des plus fameux. Ce beau blondinet donne vraiment l'impression d'avoir été choisi uniquement pour son physique et non pour son jeu d'acteur. Car côté interprétation celui-ci est loin d'être au top. Très souvent il sourit ou a l'air surpris. Sa palette de jeu est pour le moins très limité. C'est donc d'autant plus difficile d'imaginer Maxim dans une sorte de rôle de messie (personnage qui n'est pas sans rappeler un Paul Atréides dans Dune, étant en tout état de cause comme lui du côté des opprimés), celui-ci ayant des capacités particulières : il a des talents incroyables de militaire ; il peut mémoriser un livre en une demi-heure ; il réussit à atténuer les douleurs vécues par les dégénérés par les radiations des tours.
Le reste des acteurs n'est pas non plus au top, même si c'est moins pire que l'interprétation de Vasily Stepanov.
Ajoutez à cela que plusieurs scènes du film tombent un peu comme un cheveu sur la soupe : Maxim tombe immédiatement de la belle Rada Gaal (jouée par Yuliya Snigir) et on a droit à une petite musique romantique au piano.
Certains choix scénaristes sont également pour le moins contestables sur le plan de la vraisemblance : Maxim a la chance car il se trouve sur une planète où il peut respirer normalement (il ne pense d'ailleurs à aucun moment de mettre une combinaison de cosmonaute) ; il tombe comme par hasard à un moment donné dans un trou qui le ramène à la vieille forteresse.
Enfin, la mise en scène est sa globalité contestable. Le cinéaste Fyodor Bondarchuk se laisse aller aux tics visuels très actuels, avec une utilisation abusive de ralentis ou d'accélérés lors des scènes d'action, notamment pour figurer que Maxim est fort.
La fin du film, qui se termine en queue de poisson, avec une intrigue qui n'est pas résolue, laisse clairement entendre qu'il y aura une suite à The inhabited island. Ca sera le cas avec The inhabited 2, avec de nouveau derrière la caméra Fyodor Bondarchuk.
Au final, The inhabited island est un film inégal, qui demeure plaisant sur le plan thématique mais qui souffre d'une interprétation très moyenne et d'une mise en scène inadaptée.

Titre du film : Millénium 2 : La fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette

Réalisateur : Daniel Alfredson

Durée du film : 129 minutes

Date de sortie du film : 30 juin 2010

Avec : Michael Nyqvist (Michael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander), Lena Endre (Erika Berger), Georgi Staykov (Alexander Zalachenko), etc.

Par Nicofeel

Suite des aventures de la trilogie Millénium créée par Stieg Larsson, Millénium 2 : La fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette voit le réalisateur Niels Arden Oplov laisser la place à Daniel Alfredson (le frère du cinéaste ayant mis en scène le très beau Morse).
On notera également que le budget du film a été revu à la baisse et que, bien que sortant en salles de cinéma, Millénium 2 (ainsi que Millénium 3) a été plus vu comme un film télévisé que comme un film de cinéma. Il n'est donc pas étonnant que le beau travail apporté à la photographie et la mise en scène très soignée ne disposent pas dans ce second épisode des mêmes considérations.
Pour autant, Millénium 2 demeure un film très intéressant à regarder et ce pour au moins deux raisons : son histoire et la distribution du film.
Côté histoire, il faut bien reconnaître que l'on a droit à un spectacle de grande qualité avec une enquête menée en parallèle par la police et par Michael Blomkvist du fameux journal du Millénium.
Dans cet opus qui s'intéresse beaucoup plus à la personne de Lisbeth Salander que le premier, Michael Blomkvist va tout tenter pour prouver que sa protégée n'est en rien responsable du triple meurtre dont on l'accuse.

L'intérêt de ce deuxième opus est d'ailleurs de partir sur une thématique très en vogue actuellement, et qui a le mérite de dénoncer un état de fait inadmissible dans notre société actuelle, à savoir la traite des blanches de femmes provenant de pays de l'Est à qui l'on fait miroiter des choses dans leur pays et qui une fois sur place sont victimes de violence et doivent se prostituer. Eu égard à cette thématique, on se doute bien que Lisbeth Salander n'a pas pu commettre le meurtre de deux jeunes gens ayant travaillé sur cette question, étant donné qu'elle a elle-même été victime de sévices corporels de la part d'hommes qui ont eu beau jeu de déclarer qu'elle était folle.
Dès lors, toute la question est de savoir qui commet ces meurtres, en dépit du fait que certains éléments semblent mettre en cause Lisbeth Salander.
Par son scénario de très bon niveau, Millénium n'a dès lors aucun mal à passer devant toutes les productions télévisuelles courantes.
Plusieurs scènes dans le film sont particulièrement marquantes, notamment celles où l'on voit ce grand blond, qui semble insensible à la douleur, et qui fait preuve d'une résistance hors du commun. On ne peut être qu'interloqué en voyant que même des champions de boxe se cassent les doigts sur une telle masse. A côté, le « requin » des James Bond passerait presque pour un Mickey. Et puis il y a à l'approche de l'épilogue de cet opus la rencontre tant attendue entre Lisbeth et son père qui ne manque pas d'intérêt et va être une formidable introduction au troisième opus.
On notera au passage que le cinéaste a bien su traduire l'essentiel du roman en mettant Lisbeth Salander au coeur de l'intrigue (on apprend tout de nombreux éléments sur son vécu et les raisons ayant justifié certains de ses gestes), les éléments principaux étant quasiment tous cités.
Comme dit précédemment, le film vaut également le coup pour sa distribution. Michael Nyqvist se révèle très bon et très crédible dans son rôle de journaliste qui cherche coûte que coûte à obtenir la vérité, quitte à travailler à la limite de la légalité en faisant du chantage à des gens. Mais surtout c'est la prestation de Noomi Rapace qui impressionne. Dans son style gothique et quasi masculin par les manières qu'elle adopte, elle est clairement la Lisbeth Salander de Stieg Larsson. Si on s'attache à cette histoire, c'est avant tout parce que Noomi Rapace incarne parfaitement cette écorchée vive qui a dû vivre un passé particulièrement douloureux.
Au final, malgré des ambitions revues à la baisse sur le plan de la mise en scène par rapport au premier opus, Millénium 2 demeure un thriller de bon niveau.

Titre du film : Copacabana

Réalisateur : Marc Fitoussi

Durée du film : 107 minutes

Date de sortie du film : 7 juillet 2010

Avec : Isabelle Huppert (Babou), Lolita Chammah (Esméralda), Aure Atika (Lydie), Luis Rego (Patrice), Noémie Lvovsky (Suzanne), etc.

Par Nicofeel

Réalisé par Marc Fitoussi, Copacabana met en scène une Isabelle Huppert dans un rôle véritablement à contre-emploi. Cette grande actrice française incarne le rôle de Babou, une femme qui aime être libre, se laisser vivre au gré de ses envies. Mais avec cette attitude où Babou ne vogue que de petit boulot en petit boulot (selon qu'elle les trouve à son goût ou non), elle fait un peu tâche dans notre société actuelle. A tel point que la plupart de ses amis lui tournent et que même sa fille, Esméralda, finit par se désolidariser d'elle. Le point de non-retour semble être atteint au moment où Esméralda lui déclare qu'elle va se marier mais qu'elle n'est pas invitée au mariage car elle lui fait honte.
Blessée dans son amour-propre, Babou n'a plus d'attaches dans la ville où elle habite et elle va tenter de se relancer en acceptant de travailler pour une société qui vend des appartements en multipropriété. Cette pratique, le timeshare, qui fut très en vogue en Espagne notamment, a beaucoup été décrié et a fait l'objet de plusieurs arnaques qui ont été nettement relayées par les médias.
A fortiori, dans le cas présent, le but pour Babou n'est pas de vendre des appartements en timeshare en Espagne mais en Belgique, à Ostende, et en hors-saison ! Tout ceci est loin d'être particulièrement sympathique mais Babou va tenter l'expérience, en s'appuyant sur sa bonne humeur et son bagout habituel. Le réalisateur Marc Fitoussi n'y va pas de main morte quand il évoque les promoteurs immobiliers. Il fait vraiment passer les gens qui travaillent là-dedans pour des gens qui ne cherchent qu'à faire du profit et qui traitent leurs employés avec peu de considérations.

Babou et les trois personnes venues comme elle de France pour vendre des appartements ont d'une part la désagréable sensation de constater qu'ils ne vont être logés que dans des appartements étroits, et ce avec deux personnes dans chaque, et d'autre part ils ne sont pas des vendeurs mais uniquement censés aborder les gens dans la rue pour ramener la clientèle.
Seuls les chiffres comptent et si Babou a droit rapidement a plus de considérations que ses camarades (notamment de la part de leur chef, jouée par une Aure Atika particulièrement carnassière dans un rôle peu aimable), c'est uniquement parce qu'elle obtient des résultats très probants. Seul compte d'ailleurs le résultat. La manière dont il a été obtenu importe peu. La société immobilière cherche coûte que coûte à faire signer des gens, le fait qu'ils s'installent dans un bel endroit et bénéficient de belles prestations importe peu (l'exemple du canapé qu'il ne faut pas déplier en direct est assez parlant).
Le cinéaste Marc Fitoussi ne se limite pas à évoquer le monde de l'immobilier. Il traite également la condition des laissés-pour-compte, ceux à qui la société ne laisse guère de choix. C'est ainsi que Babou porte un regard attendri sur un couple de jeunes clochards, qu'elle accepte de loger, au risque de perdre son emploi. On comprend clairement que Babou représente le point de vue du réalisateur.
Le film vaut surtout par les rapports entre Babou et les différents personnages qui gravitent autour d'elle. Il y a son ami Patrice, avec qui elle s'entend parfaitement. Entre deux personnes à la dèche et qui ont des aspirations communes, à savoir vivre tranquillement, il y a une vraie complicité. On prend un réel plaisir à revoir Luis Rego qui interprète donc ce Patrice ô combien sympathique. Il y a également les relations de Babou avec son ex amie Suzanne, jouée par une Noémie Lvovsky particulièrement remontée contre Babou, ce qui ne l'empêche pas d'avoir la gentillesse de lui prêter sa voiture. Il y a aussi la relation entre Babou et son ami belge, ce dernier la lâchant car il a des sentiments et ne veut pas se limiter à jouer le rôle d'une « bite sur pattes ». Surtout, la principale relation de Babou est celle, conflictuelle, qu'elle entretient avec sa fille. Une relation difficile du fait des aspirations très différentes de ces deux femmes. Mais on prend plaisir à voir ces deux actrices qui jouent un rôle plus vrai que nature puisque Esméralda est jouée par Lolita Chammah qui est la fille d'Isabelle Huppert à la ville. L'épilogue réjouissante du film prouve que ce film a tout du « feel good movie ».
Au final, cette comédie qui a de nombreuses considérations sociales vaut largement le coup d'être vu, d'autant qu'elle permet de voir une Isabelle Huppert particulièrement inspirée et drôle dans un rôle qui lui sied parfaitement. Voilà un film riche et fort de sentiments vrais qui mérite d'être regardé.

Titre du film : Cargo

Réalisateur : Ivan Engler

Durée du film : 2h

Date de sortie du film : prochainement (diffusé au NIFFF)

Avec : Anna Katharina Schwabroh (Laura Portmann), Martin Rapold (Samuel Decker), Regula Grauwiller (Anna Lindbergh), Michael Finger (Claudio Vespucci), Claude-Oliver Rudolph (Igor Prokoff), Pierre Semmler (Pierre Lacroix), Yangzom Brauen (Miyuki Yoshida),

Par Nicofeel

Premier film suisse de science-fiction, Cargo est réalisé par Ivan Engler. Bénéficiant d'un budget manifestement relativement important, Cargo permet à son auteur de nous offrir une bonne série B tout à fait appréciable, à défaut d'être franchement originale.
L'histoire se déroule dans un futur lointain (2270), à un moment où la Terre est devenue inhabitable (critique évidente de notre société actuelle avec les menaces qui pèsent sur notre éco-système si rien ne change) et où les progrès en matière de conquête de l'espace permettent désormais à l'Homme d'aller vivre sur d'autres planètes. On suit quelques membres d'un cargo spatial qui a pour but d'amener ses occupants sur une planète colonisée, Rhéa.
A son bord, on retrouve l'équipage et notamment le médecin Laura Portmann, qui va être le référent du spectateur. D'emblée, le film fait référence à Alien avec l'équipage qui décide de se mettre dans des containers de cryogénisation afin de retarder leur vieillesse et leur permettre le lieu espéré, qui se situe à plusieurs années-lumière de la Terre. Évidemment, comme on peut fortement s'en douter, tout ne va pas se dérouler comme prévu et les membres de l'équipage vont devoir être réveillés avant leur arrivée.
Et là où le film est réussi, c'est qu'avec finalement peu de choses, il instaure une tension certaine. Qui est responsable du meurtre de Lacroix ? Qui a visité les soutes alors que les agents de l'équipage étaient censés endormis par la cryogénisation ? Qui a tué le programmateur Yoshida ? Beaucoup de questions restent pendant un bon moment et il faut reconnaître que l'on ne sait pas vraiment à quelle sauce on va être mangé. Le mystérieux occupant serait-il une sorte de mort-vivant à la Event Horizon ou serait-ce autre chose ?

Parfaitement maîtrisé sur le plan de la mise en scène, le film Cargo privilégie le filmage de longs couloirs obscurs avec un nombre de plans qui est relativement limité. Le cinéaste sait où il va et il évite la mise en scène tape-à-l'oeil de certains cinéastes actuels et d'un film récent comme Pandorum. On est dans un film où le cinéaste a décidé de mettre en oeuvre une vraie ambiance, n'usant pas de facilités au niveau de la réalisation.
Les effets spéciaux sont eux aussi tout à faits probants. Il s'agit certes d'animation 3 D, pourtant les vaisseaux que l'on voit dans cette représentation de l'espace et l'intérieur des vaisseaux est loin de faire toc. Les effets font très réalistes et ajoutent à l'intérêt que l'on peut porter à ce film.
Côté histoire, même si celle-ci est au fond assez classique et reprend des standards du film de science-fiction (il est clairement fait référence à Solaris et à Alien, voire à Event horizon), elle n'en n'est pas moins globalement efficace. On suit avec un certain plaisir les faits et gestes de Laura Portmann, bien décidée à résoudre cette étrange affaire où les morts s'amoncellent et où la destination des membres du vaisseau-cargo ne semble pas être Rhéa.
Les divers intérêts de chacun, que l'on ne connaît pas immédiatement, vont apporter un vrai plus à cette histoire. Car somme toute, Cargo demeure assez logique de bout en bout et aucune mauvaise surprise ne nous est réservée à la fin, comme cela avait par exemple été le cas dans un film comme Sunshine dont le revirement final n'était pas du meilleur effet. Les motivations très différentes des protagonistes justifient l'évolution de ce long métrage et permettent également de s'interroger sur plusieurs éléments de notre société contemporaine : tout ce que l'on nous dit à travers les médias est-il vrai ? Est-ce que les médias travaillent pour l'intérêt général ou uniquement pour eux ? Il est évident que le seul fait de poser ces questions donne un indice sur les réponses.
Il n'empêche, les leurres et revirements de situation de ce film sont crédibles et donnent un vrai rythme à Cargo. Pourtant, si on réfléchit bien, Cargo est quasiment dénué d'action. C'est plus un film d'ambiance qu'autre chose.
Du côté de la distribution, celle-ci est dans l'ensemble plutôt satisfaisante, même si aucun acteur n'émerge vraiment, en dehors d'Anna Katharina Schwabroh qui est très appliquée dans le rôle de Laura Portmann. On s'interrogera juste sur la présence de la petite fille dont le rôle dans le film est parfaitement dispensable.
Au final, même si Cargo ne joue pas vraiment la carte de l'originalité, ce film s'avère un spectacle de qualité sans réelle fausse note, et qui effleure quelques thématiques actuelles (l'écologie, le lobbying de certaines industries, etc.). Ce premier film suisse de science-fiction est donc une excellente surprise qui n'a pas à rougir de la comparaison avec d'autres films. A voir.

Titre du film : Mutant girls squad
Réalisateurs : Noboru Iguchi, Yoshihiro Nishimura, Tak Sakaguchi
Durée du film : 90 minutes
Date de sortie du film : non prévue à l'heure actuelle (film diffusé au NIFFF 2010)
Par Nicofeel

Tourné en vidéo (V-Cinéma), Mutant girls squad est un délire dans le genre action/gore.
Le film est découpé (comme les héroïnes qui s'y mettent à coeur joie) en 3 segments. Chacun de ces segments est mis en scène par un cinéaste différent : le chapitre 1 intitulé Eveil est signé Tak Sakaguchi ; le second dénommé Révolution est signé Noboru Iguchi et le troisième qui s'intitule Rébellion est l'oeuvre de Yoshihiro Nishimura.
Dans la lignée des Tokyo gore police, Machine girl, X-Cross, le film n'a guère de volonté artistique mais plutôt le souhait de faire plaisir à un public friand de spectacles décomplexés. Il faut d'ailleurs noter au passage que le film est surtout destiné à un public masculin. D'une part, le film offre une action ininterrompue avec de nombreuses scènes gore. D'autre part, on a droit à de jeunes héroïnes qui, comme par hasard sont habillées dans des tenues qui ont l'habitude de faire fantasmer un certain nombre d'hommes (une tenue d'écolière, une blouse d'infirmière). Sans compter le fait que l'on a droit à des combats entre filles.

Niveau scénario, cela ne monte pas très haut avec une jeune fille, qui vient tout juste de fête ses 16 ans, qui apprend qu'elle est mi-homme mi-mutante et que le gouvernement tente de supprimer les mutants. Elle se met alors dans l'idée de tuer les cruels humains et défend la cause des mutants. Aidée de jeunes filles de son âge qui sont aussi des mutantes, elle va combattre les vilains humains.
Les cinéastes se sont visiblement bien marrés avec un scénario complètement débile. Car nos mutantes, à l'instar de super-héros tels les X-men, disposent de super pouvoirs. Elles ont précisément des armes cachées en elles : il y a l’héroïne avec son bras bionique ; il y a la fille qui a une tronçonneuse cachée dans son cul ; il y en a une autre qui dispose de sabres dans les seins ; il y en a une qui transforme sa langue en une langue énorme.
Les cinéastes ont beau changer entre les divers segments, le spectateur ne sent pas vraiment de changement tant dans la mise en scène que dans le ton adopté par le film. Tout se joue avant tout autour d'un spectacle bien gore. On a droit ainsi à de nombreuses têtes qui sont découpées ; une femme qui est dépecée de toutes parts et qui devient du pain français !
Vu comme cela, le film pourrait paraître difficile d'accès en raison de la violence à l'écran. Cela n'est nullement le cas en raison d'un aspect comique délibéré qui a lieu tout au long du film. Les moments où le spectateur est amené à rigoler de cette histoire pour le moins atypique sont très nombreuses. On compte par exemple le moment où notre héroïne voit que son père est un mutant (utilisation d'effets spéciaux extrêmement rudimentaires qui ont pour effet de donner un côté kitsch à la situation) ; la tête du père qui termine sur le gâteau d'anniversaire (d'ailleurs à un autre moment l’héroïne voit son père en rêve avec seulement sa tête sur le gâteau d'anniversaire) ; l’héroïne qui coupe la main d'un adversaire avec son bras bionique ; une tête qui se fait découper et le raccord avec quelqu'un en train de manger.
Sur une musique bien énervée qui joue à fond la carte action, Mutant girls squad a tout de même un (léger) message à faire passer. Ainsi, la lutte des humains contre les humains, qui est vue comme un acte sanglant et inégalitaire, rappelle le droit de chacun à la différence. Cela n'est parce que l'on n'est pas comme tout le monde que l'on représente un danger.
Niveau distribution, c'est loin d'être le top. Les actrices sur-jouent un maximum. Il faut dire que les cinéastes ne leur demandent pas spécialement de bien jouer mais au contraire d'en faire des tonnes. On notera que le maître des mutants girls que l'on voit dans les trois segments est le réalisateur Tak Sakaguchi.
Côté mise en scène, là encore cela n'est pas le top avec un filmage quasiment à l'arrache. Quelques tics visuels sont là pour accroître le côté comique de l'ensemble, avec par exemple nos héroïnes qui sont filmées au ralenti lorsqu'elles partent au combat. On se doute que le film n'a pas dû mettre très longtemps à être tourné.
Au final, que penser de Mutant girls squad ? Il s'agit d'un film d'action qui comprend de nombreuses images gore où le sang coule à flot. Cela n'est pas fin pour deux sous mais cela donne au spectateur ce qu'il a envie de voir : un spectacle fun, jouissif, qui se donne immédiatement sans qu'il y ait le moins besoin du monde de réfléchir. Voilà le film parfait à voir entre amis.

Titre du film : The house of the devil
Réalisateur : Ti West
Durée du film : 93 minutes
Date de sortie du film : non prévue à l'heure actuelle (film diffusé au NIFFF 2010)

Avec : Jocelin Donahue (Samantha Hughes), Tom Noonan (Mr Ulman), Mary Woronov (Mrs Ulman), Greta Gerwig (Megan), etc.

Par Nicofeel

Produit par Larry Fessenden (connu pour réaliser des séries B avec de petits budgets), The house of the devil est signé Ti West. Auteur en 2005 d'une sympathique série B avec The roost, Ti West s'est par la suite complètement vautré en réalisant une très peu convaincante suite du film Cabin fever.
Avec The house of the devil, le cinéaste américain nous revient en grande forme avec un film qui n'est certes pas révolutionnaire mais qui se révèle fort efficace.
Quand on regarde The house of the devil, on a l'impression d'assister à un film d'horreur des années 80. Tout concourt à cette idée : les acteurs et plus précisément les actrices ont le style vestimentaire et une coupe de cheveux caractéristique de cette époque ; les automobiles sont bien datées ; les téléphones que l'on trouve sont bien loin des portables actuels ; et puis la photographie est sans conteste typée années 80.
The house of the devil rappelle le film Terreur sur la ligne (1979) de Fred Walton avec cette baby sitter venue garder deux enfants. Ici, le cas de figure est tout de même un peu différent mais l'ambiance tendue du début de Terreur sur la ligne est ressentie de manière identique. Dans le film de Ti West, plusieurs éléments étranges se déroulent dès le début : il y a la personne qui rappelle la jeune étudiante, Samantha Hughes, alors que celle-ci n'a pas laissé de numéro ; il y a également cette première baby sitter qui n'aurait pas convenu sans que les raisons soient bien connues (en tout cas au départ) ; il y a le fait que Samantha se fasse planter lors de son rendez-vous.

Mais surtout que dire de ce baby sitting qui se situe dans une bâtisse vieille, isolée et qui concerne non pas des enfants mais la mère du demandeur ? Pourquoi le demandeur est prêt à payer 400 dollars pour simplement surveiller une vieille dame qui dort déjà dans son lit ? Avec finalement peu de moyens et simplement des éléments pour le moins troubles et de longs couloirs obscurs, Ti West réussit à instaurer une vraie tension.
Doté d'un scénario plutôt intéressant qui met tout en œuvre afin que l’héroïne se trouve dans une situation de stress (comment la personne qui paye Samantha peut parler à son épouse à l'étage alors que celle-ci vient tout droit de la cave ? Qu'est-ce qu'il y a exactement à l'étage ?) et faisant tout pour que le spectateur prenne fait et cause pour son héroïne, Ti West livre un film vraiment prenant. Les déambulations de l’héroïne dans la maison sont tout à fait intéressants.
Surtout que rapidement (suite au décès de son amie) on comprend que Samantha va être seule face à son destin dans cette affaire. Avec un film qui privilégie une ambiance étrange et plutôt tendue, Ti West peut également se permettre de surprendre le spectateur et de le faire sursauter avec quelques moments de violence sèche, particulièrement inattendus.
Il en va ainsi lors du meurtre de l'amie de Samantha. Encore plus fort, et pas forcément prévisible, le film prend un virage à 360 degrés lors de ses vingt dernières minutes. Alors que l'horreur était jusque-là quasi exclusivement suggestive, on a droit à un déferlement d'effets gore (du reste tout à fait réussis) avec des meurtres qui ne font pas dans la dentelle.
De plus, Ti West a l'excellente idée de ne pas terminer son film comme on pouvait s'y attendre. Non, le réalisateur, qui aura marié plusieurs sous-genres différents (film de maison hantée, survival, film sur le diable), va surprendre le spectateur avec un premier twist bien carré (ce que décide de faire l’héroïne pour en finir avec ses problèmes) suivi d'un autre twist non dénué d'une certaine ironie.
Terminons la synthèse de ce film en louant la performance d'actrice de la jeune Jocelin Donahue, très bonne dans le rôle de Samantha. Avec cette actrice, on a sans conteste une nouvelle « scream queen » de talent. Sans l'implication de cette actrice, il va sans dire que le film n'aurait pas la même intensité.
Au final, the house of the devil est une très bonne surprise. Si The house of the devil n'est pas le chef d'oeuvre ni un long métrage qui va renouveler le genre, il s'agit d'un film respectueux du genre, et qui rappelle au grand plaisir du spectateur les films d'horreur des années 80. Avec en sus un changement de rythme dans le film dans son dernier quart qui est tout à fait appréciable. Voilà donc une très bonne série B à voir.

par Nicore

Malgré son pitch apparemment classique annonçant une Nième histoire de fantôme revanchards, ce Blood snow va plutôt s'attacher à nous dépeindre l'aggravation de la schizophrénie de l'un des protagonistes déjà instable et rendu encore plus fragile par son environnement, ce que le réalisateur parviendra à rendre de manière éclairée, quitte à délaisser les spectres promis pour s'attarder sur une ambiance tendue qui hélas n'aura que peu de temps pour faire monter le pression, le métrage mettant du temps à réellement commencer pour ne devenir oppressant que dans son dernier acte assez méchant.
L'intrigue va laisser six amis partir en week-end dans un chalet isolé en pleine montagne mais bientôt une tempête de neige va les y coincer et une légende à base de colons cannibales va plonger l'un d'eux dans la folie.

Dans sa séquence pré-générique le métrage va mettre son spectateur dans l'ambiance en prenant place en 1846 pour y suivre deux colons entourés de restes sanglants et visiblement frappés d'une malédiction qui va se matérialiser en un homme qui ne va pas faire de détails pour les massacrer en hors champ. Ensuite, le métrage va faire un bond en avant pour revenir au présent et nous présenter ses six protagonistes, deux couples, Jerry et Samantha, ainsi que Karen et Michael, accompagnés par deux célibataires, Matt et Megan, offrant ainsi déjà une des orientations du film avec le possible rapprochement entre ces deux-là. Et heureusement, le métrage va s'éloigner des stéréotypes du genre en évitant de mettre en avant des adolescents typiques ne pensant qu'à boire et qu'au sexe pour au contraire avancer de jeunes adultes déjà plus mûrs (même si les conversations tourneront quand même régulièrement autour de la possible relation entre Megan et Matt) et ayant déjà un pied dans la maturité.

Cette présentation sera quand même légère et souriante pour laisser le temps d'un arrêt dans un bar l'obligation avertissement venir de la bouche d'un autochtone (joué par Michael Berryman) qui va vouloir raconter l'histoire de la montagne au petit groupe pour en être empêché par un de ses amis, le tout dans une ambiance tendue et menaçant de finir en bagarre générale si les personnages principaux n'avaient pas préféré s'éclipser. L'installation dans ce chalet "romantique" se fera toujours sur un ton badin et l'intrigue s'attardera même quelque peu sur cette partie du film qui certes permettra au spectateur de bien se familiariser avec chacun et d'appréhender les liens les unissant, mais quand même, le menace tardera à se manifester, et ce même si le récit de l'histoire de ces colons coincés dans la neige et obligés de se livrer au cannibalisme commencera à laisser entrevoir la nature des apparitions.

En effet, il faudra attendre une balade en scooter des neiges pour que Jerry soit victime d'une première hallucination (ou tout du moins considérée comme telle) lui laissant voir une forme spectrale qui va tenter de l'avertir, tandis que la situation générale va ensuite se dégrader, avec cette tempête de neige qui va bloquer le groupe dans le chalet dont le générateur d'électricité va tomber en panne et que la découverte d'un cadavre (bientôt appelé à disparaître tout seul) va définitivement ruiner le week-end reposant de chacun. Mais même dans cette partie l'intrigue va continuer à s'orienter vers ses personnages et notamment Megan et Matt pour suivre les tentatives de séduction de ce dernier qui se feront de façon presque attachante et en tout cas jamais barbantes.

Parallèlement à cet aspect de l'intrigue, le personnage de Jerry va continuer à voir régulièrement ces spectres, pour des apparitions qui ne chercheront pas à effrayer le spectateur mais plutôt à se montrer quelque peu graphique, quitte à frustrer puisque ces fantômes ne sembleront pas décidés à agir de manière violente, et au contraire ce sera ce Jerry qui va progressivement sombrer et devenir une menace pour ses "amis", lançant un dernier acte assez cruel en n'hésitant pas à tuer certains personnages sensibles de manière réaliste pour hélas ne pas justifier ou même valider l'existence de ces fantômes avec ce final ouvert qui ne renseignera pas le spectateur outre mesure.

Par contre, malgré ses faibles moyens ne permettant pas de visualiser cette tempête de neige, le métrage parviendra à créer une ambiance d'isolement assez prégnante à défaut de véritablement générer une claustrophobie et la présence de ce personnage dangereux va quand même alimenter un petit suspense croissant qui une fois encore hélas n'aura que peu de temps pour s'exprimer, l'intrigue ne misant pas complètement sur cet atout pour faire durer le suspense en amenant l'issue finale assez rapidement, après seulement quelques rebondissements classiques et anticipables.

L'aspect surnaturel du film sera donc largement sous-exploité avec ces fantômes guère présents pour uniquement quelques apparitions qui vont venir hanter Jerry et l'enfoncer dans sa schizophrénie de plus en plus évidente, laissant le doute planer sur la véracité de ces visions qui ne seront peut-être uniquement que le fruit de l'imagination détraquée de ce Jerry, et surtout cette menace fantôme sera bien souvent abandonnée au profit de situations annexes jouant sur les relations entre les protagonistes vers qui le réalisateur aura orienté une bonne partie de ses efforts.

En effet, les personnages, assez travaillés pour ne pas devenir énervants et même s'attirer une certaine sympathie (rendant ainsi certaines disparitions encore plus cruelles), auront tout le temps de s'exprimer et d'exister devant la caméra, limitant certes de manière drastique l'action mais ce sera pour avancer des situations heureusement pas toujours caricaturales et qui donneront une certaine profondeur à certains, et bien entendu surtout ce "couple" formé par Matt et Megan, ce qui pourra par contre rebuter le spectateur en quête de frissons ou de tension palpable, puisque le réalisateur optera plutôt pour une approche psychologique de son sujet non moins intéressante pour peu de bien vouloir rentrer dans son jeu.

L'interprétation est cohérente malgré une certaine carence de charisme et d'ampleur de certains acteurs, et notamment James Kyson-Lee qui peinera à représenter une menace tangible, tandis que la mise en scène du réalisateur Jason Stephens sera assez efficace pour générer un sentiment d'isolement et rendre certains passages graphiques, ce qui se fera hélas quelque peu en vain. Les effets spéciaux sont probants pour maquiller ces spectres et pour quelque petits plans sanglants notamment issus de cauchemars certes en grande partie gratuits mais toujours percutants et même porteurs d'un léger érotisme.

Donc, ce Blood snow prendra une direction assez inattendue qui pourra ne pas plaire à tout le monde en s'éloignant du terrain sur lequel le film était attendu, mais pour autant, cela ne l'empêchera pas d'être captivant et donc de faire preuve d'une certaine audace derrière ses situations plutôt classiques !

Pour ceux qui voudraient en savoir plus sur l'édition française du film proposée par Emylia, une présentation est disponible ici !

Titre du film : Valhalla rising
Réalisateur : Nicolas Winding Refn
Durée du film : 90 minutes
Date de sortie du film : 10 mars 2010

Avec : Mads Mikkelsen (One-Eye), Maarten Steven (Are), Jamie Sives (Gorm), Ewan Stewart (Eirik), Gary Lewis (Kare), etc.

Par Nicofeel

L'auteur de la trilogie Pusher ou encore de l'inégal Bronson nous revient avec un film des plus étranges intitulé Valhalla rising, ou en français Le guerrier silencieux. Présenté à la Mostra de Venise en 2009, le film a de quoi décontenancer.
S'intéressant au monde des vikings, tourné pour l'occasion dans les Highlands écossais, Valhalla rising est un long métrage à mi-chemin entre du Ingmar Bergman et du Werner Herzog.
Le film narre l'histoire de One-Eye, prisonnier d'un chef de clan viking, Barde, qu'il tue avant de s'échapper avec un enfant, Are. Il s'enfuie alors à bord d'un bateau viking destiné à se rendre à Jérusalem. Mais le bateau se perd dans un brouillard particulièrement et se retrouve dans un endroit inconnu.
Dès le départ, et ce pendant toute sa durée, Valhalla rising est un film difficile d'accès. Le principal personnage du film, One-Eye, est muet et ses motivations restent pour le moins mystérieuses. Ajoutez à cela que les autres personnages du film ne sont pas beaucoup plus bavards. Le film ne joue pas non plus sur une action démesurée. Si One-Eye se révèle par moments particulièrement sanglant avec des actes de meurtre bien barbares, il n'empêche que la majeure partie de Valhalla rising joue sur un côté méditatif, contemplatif. One-Eye est avant tout un personnage étrange, muet, au regard impénétrable. Quelles sont ses envies, ses buts ? Nous n'en savons rien et tout cela concourt au côté étrange, évanescent de l'ensemble.
Divisé en 6 parties (Le courroux, Le guerrier silencieux, Les hommes de Dieu, La terre sainte, Les enfers, Le sacrifice), Valhalla rising fait penser à une sorte de trip sensoriel macabre. Car plus le film avance, plus le nombre de morts augmente et moins on a l'impression que les personnages vont s'en sortir. Il faut dire que les titres des différentes parties sont suffisamment explicites et n'invitent guère à un certain optimisme.
Tout concourt à faire de la terre sur laquelle débarque ces vikings le lieu de leur tombeau. Il y a d'abord le passage à travers cette brume épaisse. De façon symbolique, elle semble représenter l'entrée des enfers. D'ailleurs, cela n'est pas un hasard si notre principal personnage, One-Eye a à de nombreuses reprises des visions quasi cauchemardesques, lesquelles sont appuyées avec insistance par l'utilisation de filtres rouges.
On notera également que c'est lors de la partie V, intitulée sobrement les enfers, que le nombre de morts augmente de façon exponentielle.
Le film n'est pas pour autant uniquement une quête mortuaire. C'est avant tout un film méditatif sur la vie et la mort pris ensemble. Au demeurant, on constate que de nombreuses notions antinomiques sont évoquées dans le film : outre la vie et la mort, il y a l'enfer et le paradis.

Les éléments que l'on voit tout au long du film correspondent aussi à des choses qui s'opposent : après avoir vécu dans des lieux montagneux grisâtres (qui représentent la terre ferme), One-Eye traverse l'océan (donc l'eau) avant de se retrouver en pleine forêt (retour sur la terre ferme).
Pour donner un côté quasi hypnotique à ce film, Valhalla rising bénéficie d'une superbe photographie qui donne un côté atemporel à l'ensemble de ce film. Certaines scènes sont vraiment superbes, notamment lorsque l'on voit l'horizon ou simplement les beaux paysages naturels. Citons tout de même une très belle scène lorsque les « survivants » se retrouvent sur le haut de la colline et qu'ils évoquent leur avenir.
Et pour accroître le côté trip de l'ensemble, il y a une musique minimaliste par instants, à d'autres moments la musique est carrément coupée et il y a aussi de véritables ruptures avec une musique particulièrement bruitiste.
La fin du film, à l'instar du reste de ce long métrage, est très bizarre, avec One-Eye qui disparaît dans l'eau alors qu'au même moment il est mis à mort sur la montagne.
Film très atypique qui demande un effort certain au spectateur et qui ne plaira pas à tout le monde (par son ambiance étrange et par son rythme particulier qui donnent l'impression que l'intrigue avance lentement), Valhalla rising n'en demeure pas moins un vrai film d'auteur avec des qualités évidentes (trip sensoriel pour le moins original, photographie, interprétation de l'acteur principal). A voir si vous souhaitez regarder des films qui sortent de l'ordinaire.

par Nicore